Racine Ccs

50/50

2012-01-27T10:20:00.000-08:00

La sola mención de la palabra cáncer produce temor, desasosiego, e incertidumbre. Es difícil encontrar a alguien que no tenga un familiar, un amigo, o un conocido que haya padecido, o padezca, esta terrible enfermedad. Desafortunadamente mi padre falleció a raíz de un cáncer en el pulmón que hizo metástasis. Los recuerdos de ese periodo inevitablemente me producen tristeza pero siempre trato de enfocarme en la enseñanza de vida que fue ver a mi viejo asumiendo su realidad con entereza, valentía, y una gran dosis de humor. Aún en los momentos más álgidos se encontraban destellos de un espíritu desenfadado que se negaba a abandonar la risa como un medio para combatir situaciones adversas.

Me permití hacer esta introducción personal porque creo que la película "50/50" captura este tipo de espíritu. Aunque no estamos frente a una comedia en sentido estricto, o una sátira sobre la cercanía de la muerte, el filme encuentra cabida para un humor creíble, y además necesario, en momentos de gran drama humano. La historia se centra en Adam (Joseph Gordon-Levitt) un joven, que después de asistir a una cita médica por dolores de espalda, es diagnosticado con en extraño tipo de cáncer localizado en la espina dorsal. Las probabilidades porcentuales de supervivencia son de un 50/50 lo que pone la vida de Adam, y la de sus seres más cercanos, en vilo.

El filme presenta situaciones, jocosas y dramáticas, que nacen de eventos cotidianos o pertinentes a la enfermedad, aspecto que permite que todo fluya de manera orgánica. Las relaciones de Adam con su mejor amigo Kyle (Seth Rogen), su madre Diane (Angelica Huston), su novia Rachel (Bryce Dallas Howard), y una joven e inexperta terapeuta llamada Katherine (Anna Kendrick) son manejadas con candidez y un ritmo siempre agradable. Joseph Gordon-Levitt nos brinda una muy sentida interpretación que logra establecer un vínculo inmediato, e indestructible, con la audiencia. Todos sus compañeros de reparto realizan un trabajo comprometido y lleno de sensibilidad.

El guionista Will Raiser, quien escribió la historia basándose en su experiencia directa con la enfermedad, y el director Jonathan Levine han confeccionado una hermosa película que, sin sermones o filosofías intensas, nos habla con elocuencia sobre la vulnerabilidad de la vida y el inmenso valor que tienen la amistad, el amor, y la familia para sobrellevar los momentos más oscuros.

Ramiro Cardozo B.-

Drive

2012-01-07T13:33:00.000-08:00

“Drive” es un relato criminal con elementos de cine de acción que en manos del director danés Nicolas Winding Refn (Bronson, Valhalla Rising) se convierte en una experiencia cinematográfica surrealista, hipnótica y diferente.

El protagonista de la historia (Ryan Gosling), cuyo nombre no se menciona en toda la película, es un experto conductor que realiza diversas actividades relacionadas con automóviles (Mecánico, doble de películas de acción, y chofer en actividades delictivas). Su vida solitaria, taciturna y anónima comienza a avivarse cuando establece una relación con su vecina Irene (Carey Mulligan) y su pequeño hijo Benicio (Kaden Leos). Esta sensación de aparente felicidad comienza a desintegrarse con la aparición del esposo de Irene que regresa después de haber cumplido una sentencia carcelaria.

Aunque los acontecimientos que narra la película no son particularmente originales, Nicolas Winding Renf consigue desarrollarlos de una manera singular. A través de ángulos de cámara poco tradicionales, música electrónica de nostalgia ochentera, austeridad de diálogos, y un estilo minimalista que combina momentos de gran elegancia visual con explosiones de violencia extrema, el director nos introduce en un mundo lleno de atmosferas envolventes.

Merece una mención especial la forma contundente en la que la obra ilustra las inmensas contradicciones que pueden estar contenidas en un solo individuo. El personaje central posee la capacidad de brindar afecto incondicional pero no le tiembla el pulso a la hora de cometer actos de violencia desbordada (Ejemplo de esto es una brillante escena que tiene lugar en un ascensor).

Ryan Gosling sigue demostrando que es uno de los intérpretes más talentosos de su generación. El actor utiliza con gran habilidad su mirada y expresiones corporales para transmitir las emociones y estados de ánimo de un personaje de pocas palabras. Su trabajo protagónico es impecable. Carey Mulligan lleva adelante su papel de forma cabal. Albert Brooks, quien posee una larga trayectoria en el género de la comedia, sorprende gratamente en el rol de de un frio villano aficionado a las armas blancas. Los siempre confiables Ron Perlman y Bryan Cranston realizan una sólida labor con sus respectivas interpretaciones.

Esta excelente obra posee todas las características para convertirse en un título de culto y confirma a Winding Refn como uno de los directores más prometedores del cine actual.

Ramiro Cardozo B.-

Historias Cruzadas (The Help)

2012-01-06T12:03:00.000-08:00

Ambientada en el estado de Mississippi a principios de los años 60 “Historias Cruzadas” habla sobre el valor de la amistad, el coraje, y la realidad de una Norteamérica que comenzaba a reaccionar de manera categórica contra el racismo.

Skeeter Phelan (Emma Stone) es una joven de espíritu libre que regresa a su ciudad natal después de terminar estudios universitarios. Su nuevo trabajo como escritora de una columna de consejos de limpieza en un pequeño diario local la lleva a establecer una relación con Aibileen Clark (Viola Davis), sirvienta de una familia amiga. Esta interacción genera el interés de Skeeter en escribir un libro sobre la vida domestica de Mississippi desde el punto de vista de la servidumbre. Aparte de la pareja antes mencionada el filme nos presenta una amplia gama de personajes donde destacan una temperamental sirvienta llamada Minny (Octavia Spencer), la adinerada y tradicionalista Hily Holbrock (Bryce Dallas Howard), y la peculiar Celia Foote (Jessica Chastain), joven recién casada que tiene dificultades para ser aceptada en la comunidad en la cual reside.

La recreación de la época en que transcurre la historia es impecable. El director Tate Taylor, oriundo de Mississippi, se asegura que todos los detalles de la cultura del lugar se transmitan con naturalidad. Desde el punto narrativo el filme está bien construido y posee una equilibrada mezcla de seriedad temática y humor. Aunque en ciertos pasajes se puede conseguir uno que otro cliché melodramático no hay nada que afecte significativamente el buen desarrollo de la historia.

Sin restarle méritos a lo antes mencionado, la real razón para ver esta película es la esplendida labor de todas las actrices involucradas. Este filme es una lección de total entrega histriónica. Viola Davis nos ofrece una de las mejores actuaciones del 2011. Esta talentosa actriz transmite las diversas emociones de su personaje con una asombrosa honestidad. Es imposible mantenerse inmune ante este excepcional y conmovedor trabajo. Emma Stone se mueve con soltura y convicción en la piel de una joven que muestra rebeldía ante las viejas costumbres de su tierra natal. La hasta ahora desconocida Octavia Spencer brilla en el papel de Minny derrochando carisma, picardía, y una gran personalidad. Bryce Dallas Howard personifica, más que a alguien en particular, a la ignorancia, vacuidad, y falta de compasión de una sociedad llena de prejuicios. La bella Jessica Chastain se roba cada escena en la participa creando una mujer alocada, sensual, bondadosa, y llena de colorido. Allison Janney y la ya legendaria Sissy Spacek nos brindan excelentes interpretaciones en papeles complementarios.

“Historias Cruzadas” es un filme correcto, escrito y dirigido con buen criterio, que alcanza niveles superiores gracias a la increíble labor de un reparto de lujo.

Ramiro Cardozo B.-

El Juego de la Fortuna (Moneyball)

2012-01-03T12:31:00.000-08:00

Dirigida por Bennet Miller “El Juego de la Fortuna” narra la historia real de Billy Beane (Brad Pitt), Gerente General de los Atléticos de Oakland, quien desarrolló un sistema de selección de jugadores contrario a todas las reglas y tradiciones previamente establecidas en el Beisbol. Limitado por un presupuesto bastante modesto Beane confecciona, con la ayuda de un brillante joven graduado en Ciencias Económicas (Jonah Hill), un sistema basado en datos estadísticos que permite la escogencia de los jugadores más adecuados para lograr las metas de la organización deportiva. Esta nueva visión de juego y negocio crea una fuerte resistencia por parte del entrenador del conjunto (Philip Seymour Hoffman) y un grupo de veteranos Scouts.

Miller, quien ya ha dado fe de su talento como director en “Capote”, desarrolla su historia de forma pausada pero siempre interesante. Apoyado por un magnífico guión escrito por Steven Zailian (La Lista de Schindler) y Aaron Sorkin (La Red Social) el director construye un filme sobrio, inteligente, y emotivo.

Un aspecto a resaltar es que la película funciona tanto para los fanáticos del Beisbol como para los no conocedores del mismo. El relato central, aunque transcurre en el mundo de las Grandes Ligas, posee elementos universales que pueden ser llevados a escenarios distintos al deportivo.

Todos los integrantes del reparto realizan una estupenda labor. Brad Pitt representa con absoluta credibilidad a un personaje lleno de convicción que lucha por lo que cree hasta las últimas consecuencias. Como ya nos tiene acostumbrados Philip Seymour Hoffman se pierde en la piel de su personaje y nos ofrece a un entrenador de la vieja escuela que tiene grandes dificultades para aceptar innovación y directrices poco convencionales. Pero la verdadera sorpresa es Jonah Hill. El joven actor, que hasta ahora se ha dedicado casi exclusivamente a la comedia, demuestra que tiene suficiente capacidad histriónica para representar personajes de mayor peso dramático. Su labor aquí es de altísimo nivel.

“Moneyball” es una obra redonda e inspiradora que combina de manera brillante cerebro y corazón. Un tipo de película que no se ve con frecuencia en la actualidad y que no deben perderse los afectos al cine con sustancia.

Ramiro Cardozo B.-

Reino Animal (Animal Kingdom)

2011-02-16T20:19:00.000-08:00

Reino Animal” es el primer largometraje del director David Milchod y, en mi humilde opinión, uno de los mejores relatos criminales que se han plasmado en pantalla en los últimos años.

Escrito por el propio Milchod, el filme nos introduce en una familia de delincuentes asentada en la ciudad de Melbourne. La figura central es Joshua (James Frecheville), un adolescente de 16 años que después de la muerte de su madre se ve obligado a buscar refugio con su abuela Janine (Jacki Weaver) y un grupo poco ortodoxo de tíos ( Ben Mendelsohn, Luke Ford, Sullivan Stapleton, y Joel Edgerton). Esta nueva convivencia obliga a nuestro joven protagonista a entrar en un mundo de ilegalidad que lo convierte en el centro de una investigación policial liderada por el detective Leckie (Guy Pearce).

Los acontecimientos se desarrollan sin prisa y de manera envolvente. Sin recurrir a una violencia extremadamente gráfica, y alejándose de elementos trillados, Milchod construye un mundo que progresivamente se torna siniestro e impredecible. Aquí la intención no es crear figuras criminales glamorosas ni policías recios con apariencia de héroes. El principal objetivo de la obra es brindar una visión real y desgarradora sobre las distintas caras de la maldad y los comportamientos amorales.

La peligrosidad de los personajes y su entorno se percibe en todo momento, aún en situaciones que parecieran inofensivas. La manera en que van emergiendo las naturalezas oscuras de los involucrados genera una gran dosis de suspenso y no permite apartar los ojos de todo lo que sucede.

El reparto realiza una labor realmente encomiable. No hay ninguna intervención floja o fuera de foco. Merecen una mención especial el joven James Frecheville y la veterana Jacki Weaver. El primero, de manera eficiente e introspectiva, permite que veamos con claridad los cambios internos y el fuerte sentido de supervivencia de su personaje, mientras que Weaver se pasea con autoridad por la historia y nos brinda una matriarca maquiavélica e inescrupulosa que deja en ridículo a muchos villanos de renombre.

“Reino Animal” destaca de manera categórica dentro de su género. Un filme desarrollado con una habilidad sorprendente y un ejemplo de la inmensa calidad artística que puede ofrecer el cine australiano. Imperdible.

Ramiro Cardozo B.-

Cisne Negro (Black Swan)

2011-02-16T20:10:00.000-08:00

El Cisne Negro” puede definirse como thriller psicológico con elementos de cine de terror. El filme, dirigido por Darren Aronofsky (Réquiem para un Sueño, El Luchador), nos introduce en la vida de Nina (Natalie Portman) una bella bailarina de ballet, con una fuerte represión emocional, que busca de manera obsesiva la perfección en el arte que practica. El relato nos ubica en el medio de los ensayos y proceso de selección de papeles protagónicos para una nueva versión de El Lago de los Cisnes que prepara la compañía de baile a la que Nina pertenece.

La primera media hora de la obra se mueve con algo de irregularidad y amenaza con ser excesivamente melodramática pero esto pareciera ser un truco del director, quien luego de transcurrida la etapa inicial aprieta el acelerador y nos envuelve en un universo donde se borran las fronteras entre la realidad y una fantasía agobiante. Todo lo que transcurre en pantalla es manejado con una astucia narrativa que mantiene constantes los niveles de tensión e incertidumbre.

Natalie Portman utiliza todos sus recursos físicos y emocionales para ofrecernos la mejor interpretación de su carrera hasta la fecha. La actriz se entrega de manera absoluta a su personaje y construye un impresionante y angustioso retrato sobre la desintegración de la cordura. Un magnífico trabajo imposible de olvidar.

La labor de Portman es respaldada con absoluta solvencia por Mila Kunis, el francés Vincent Cassel, y la experimentada Barbara Hershey. Los antes mencionados dan vida a tres personas que ejercen una influencia devastadora en el alma atormentada de nuestra protagonista.

Muy bien escrita, dirigida con agudeza, y actuada de manera impecable, “El Cisne Negro” es una obra de extraña belleza que conjuga sensualidad, horror, y metamorfosis.

Ramiro Cardozo B.-

La Red Social (The Social Network)

2011-02-16T19:59:00.000-08:00

El director David Fincher (Seven, El Club de la Pelea, Zodíaco) y el guionista Aaron Sorkin (The West Wing) han reunido sus talentos para escudriñar las intimidades de uno de los fenómenos comunicacionales más importantes de los últimos años.

“La Red Social” relata el nacimiento y puesta en funcionamiento de Facebook y se centra en la figura de su creador Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg). La conceptualización y desarrollo de la idea es contada a través de flashbacks que surgen en las declaraciones de dos procesos legales que se siguen en contra de nuestro protagonista.

Los diálogos son extremadamente inteligentes y la manera en que se van desenvolviendo los acontecimientos es ágil y siempre interesante. Los conflictos personales, y legales, están muy bien escenificados. La cinematografía, a cargo de Jeff Cronenweth y la música compuesta por Trent Reznor (de Nine Inch Nails) son excelentes y le brindan gran personalidad a todo lo que transcurre en pantalla.

Jesse Eisenberg realiza una gran labor en el papel de Zuckerberg logrando transmitir las contradicciones de un individuo con una mente privilegiada. Aunque en la superficie Zuckerberg puede percibirse como un geniecito arrogante y frío, Eisenberg logra que veamos sus aspectos más vulnerables. En el papel de Sean Parker, creador de Napster, Justin Timberlake se mueve con soltura demostrando carisma y naturalidad. Pero, sin restarle meritos a los antes mencionados, creo que es Andrew Garfield, en el rol de Eduardo Saverin, quien logra el mayor impacto a nivel histriónico. El joven actor se roba todas las escenas en las que participa y se convierte en el motor emotivo de la historia. El resto del reparto realiza un muy buen trabajo complementario.

“La Red Social” es una película aguda e incisiva que no se limita a ser una simple crónica del surgimiento de Facebook. Fincher y Sorkin utilizan la premisa central para hablar sobre temas tan diversos como las motivaciones creativas, ética, amistad, traición, poder económico, y la necesidad que todos tenemos de ser aceptados.

Ramiro Cardozo B.-

Mi Familia (The Kids are All Right)

2011-02-16T19:56:00.000-08:00

Jules (Julianne Moore) y Nic (Annette Bening) son una pareja gay que vive con sus dos hijos. Joni (Mia Wasikowska) tiene 18 años y está a punto de entrar en la Universidad. Su hermano Laser (Josh Hutcherson), de 15 años, es aficionado a los deportes y tiene curiosidad por conocer al donante de esperma (Mark Ruffalo) que permitió que ambos llegaran a este mundo.

Esta es la premisa de “Mi Familia” una película que habla sobre las relaciones familiares de una manera fresca y convincente. Lisa Cholodenko (High Art, Lauren Canyon) dirige el mejor filme de su carrera con una confianza admirable. La historia se desenvuelve con naturalidad y todos los giros narrativos tienen justificaciones lógicas. El guión, escrito por la propia Cholodenko y Stuart Blumberg, trata a todos sus personajes con gran respeto y los desarrolla de forma tridimensional. Aquí vemos seres reales con virtudes, defectos, contradicciones, y motivaciones de vida que se desentienden de cualquier artificio.

Aunque la pieza se centra en una pareja gay el concepto de familia es manejado de manera universal, lo que permite que todo tipo de espectador, independientemente de su orientación sexual, pueda sentirse identificado con lo que ocurre en pantalla.

Julianne Moore y Annette Bening realizan una labor digna de todos los elogios. Ambas actrices se conectan de manera absoluta y crean una interacción rítmica donde no hay una sola nota que luzca falsa. Es un verdadero placer ver a estas consumadas profesionales entregando, sin reservas, todo su talento histriónico. Mark Ruffalo se luce construyendo un personaje genuino que irradia sinceridad y simpatía a pesar de sus imperfecciones. Los jóvenes Mia Wasikowska (La Alicia de Tim Burton) y Josh Hutcherson llevan adelante sus papeles de gran forma manteniéndose a la altura de sus más experimentados compañeros de reparto.

“Mi Familia” inteligentemente evade desenlaces inmaculados y nos presenta una historia honesta llevada a la pantalla con sensibilidad, humor, y buen oficio cinematográfico. Un triunfo para Cholodenko y compañía.

Ramiro Cardozo B.-

Machete

2010-10-03T09:25:00.000-07:00

Robert Rodríguez vuelve a rendir homenaje al cine serie B de los años 70 con “Machete”, un título nada sutil que parodia a las películas de acción y crea un héroe monosílabo que busca venganza. Como ya lo hizo en “Planet Terror” el cineasta de origen mexicano crea en esta nueva aventura una textura visual descolorida y sucia que rememora un género caracterizado por un bajo nivel de producción.

El filme ofrece lo que promete: Violencia exagerada, un crudo y en ocasiones morboso sentido del humor, gratuitos desnudos de hermosas mujeres que inexplicablemente se sienten atraídas por un primitivo vengador, y un nutrido arsenal de armas que, además de las tradicionales (ametralladoras, pistolas, machetes, cuchillos, etc.), incluye saca corchos, calzado femenino, instrumental quirúrgico, e implementos de jardinería.

Por lo sobredimensionado de todo lo que aparece en pantalla, “Machete” puede definirse como una torcida comedia de acción que fácilmente pudiera alcanzar el título de película de culto. Pero, aunque algunos pasajes son divertidos, debo confesar que la película no me entusiasmó demasiado. Para ser un relato totalmente irreverente siento que no hay mayores sorpresas. Rodríguez nos avisa lo que va a suceder antes de que suceda. Todo está muy telegrafiado y esto disminuye significativamente el impacto de muchas escenas.

En el pintoresco elenco, que encabeza Danny Trejo, en el rol de Machete, encontramos nombres tan diversos como Robert De Niro, Steven Seagal, Michelle Rodríguez, Don Johnson, Cheech Marin, Jeff Fahey, Jessica Alba, y la problemática Lindsay Lohan (que parece hacer un retrato de sí misma). El trabajo de los mencionados es intencionalmente caricaturesco por lo que no hay que ponerse muy analítico con el nivel de las interpretaciones.

Estoy seguro que “Machete” tendrá sus seguidores pero, en mi humilde opinión, aquí no hay nada del espíritu creativo que Rodríguez derrochó en “El Mariachi”, su ópera prima.

Ramiro Cardozo B.-

El Secreto de sus Ojos

2010-09-12T16:36:00.000-07:00

Benjamín Esposito (Ricardo Darin) es un empleado del sistema judicial argentino que, después de jubilarse, decide escribir un libro sobre un caso de violación y asesinato ocurrido 25 años antes. Para pedir opiniones, consejos, y recordar el pasado, nuestro protagonista acude a Irene (Soledad Villamil), una juez en ejercicio con quien trabajó en la época del crimen y por la que guarda sentimientos que nunca pudo materializar.

Lo anterior es una descripción general de lo que ocurre en “El Secreto de sus Ojos” del director argentino Juan José Campanella. Ubicar este filme dentro de un género específico no es tarea fácil ya que utiliza elementos de cine policial, romance clásico, comentario social, e historias de misterio, y los envuelve en un tono nostálgico y evocador.

Campanella nos regala una historia construida de manera impecable que nos habla de temas como la amistad, ética, fragilidad de la vida, corrupción institucional, y la intensidad amorosa que puede existir entre dos personas a lo largo de los años. La película maneja todas sus piezas con impresionante eficacia paseándose por situaciones de altísimo registro emocional.

El guión, escrito por Campanella y Eduardo Sacheri (autor de la novela en la está basado el filme), es redondo e inteligente. Todos los personajes centrales están maravillosamente confeccionados. Sus personalidades y motivaciones van en perfecta sintonía con las decisiones que toman a lo largo de la historia. Aunque estamos ante una obra esencialmente dramática los guionistas dan unas cuantas pinceladas de elegante humor en los lugares correctos, además de presentar sus diálogos con expresiones autóctonas para asegurar que todo esté dentro de contexto. El recurso del flash back se utiliza de manera admirable y la calidad técnica de la pieza es indiscutible. Hay una secuencia dentro de un estadio de fútbol que es sencillamente magistral.

El siempre confiable Ricardo Darin ya ha trabajado varias veces con Campanella y el entendimiento creativo entre ambos se nota en pantalla. El desenvolvimiento del talentoso actor, interpretando a Benjamín Esposito, es fluido y contundente. Soledad Villamil realiza un trabajo de altura construyendo un personaje de apariencia vulnerable pero decidido y fuerte en los momentos de apremio (esto se pone de manifiesto en una escena de interrogatorio). El comediante Guillermo Francella en el papel de Pablo Sandoval, amigo y compañero de trabajo de Esposito, se roba todas las escenas en las que participa. Su personaje es de vital importancia en la historia y Francella realiza una labor inolvidable. Los argentinos Pablo Rago, Mariano Argento, Mario Alarcón, y el español Javier Godino, se desenvuelven con solvencia en sus respectivos papeles.

“El Secreto de sus Ojos” es una película a la que le quedan pequeños los elogios. Una excelsa realización que funciona en todos los niveles y pasa a ser un clásico instantáneo. Memorable.

Ramiro Cardozo B.-

Ajami

2010-09-09T22:39:00.000-07:00

“Ajami” es una película dura, triste, y en líneas generales bastante desesperanzadora que relata una situación compleja que pareciera no tener solución.

La obra nos ubica en el Israel actual, específicamente en la ciudad de Jaffa, y nos presenta varios problemas y disyuntivas familiares que se cruzan entre sí a medida que la historia avanza. La intención de los directores Yaron Shani y Scandar Copti (que también actúa en la película) es introducirnos en una comunidad de alto índice criminal donde conviven judíos, musulmanes, y cristianos.

“Ajami” nos muestra la conflictiva realidad del oriente medio con aplomo y sin parcializarse por ninguna de las tendencias a las que retrata. Utilizando una estructura narrativa muy bien concebida el filme nos presenta a un grupo de personas que se encuentran condicionadas por la permanente tensión generada por diferencias religiosas y culturales sumamente marcadas. Los realizadores se cuidan de no presentar absolutos en su obra. Aquí no hay nada totalmente blanco ni totalmente negro. No hay héroes ni villanos. Los protagonistas del relato son capaces de realizar algunas acciones nobles y otras muy reprochables. Sus decisiones responden a un instinto de supervivencia y a la conservación de su identidad.

La mayoría de los actores que aparecen en pantalla no son profesionales y habitan la zona donde se desarrollan los acontecimientos que vemos en el filme. Esto permite que nada luzca ensayado o alejado de la realidad. Debido a que hay una cantidad bastante considerable de personajes e historias familiares que se desarrollan inicialmente en forma paralela, puede resultar un poco agotador identificar todas las conexiones de parentesco o amistad que existen entre los involucrados. Sin embargo lo que parece algo difuso al principio va cohesionándose de manera muy inteligente hasta llegar a un desenlace redondo y de gran fuerza emocional.

"Ajami” es una mirada honesta a un mundo enredado y peligroso. Un cine que muestra una problemática social a través de un sólido criterio artístico.

Ramiro Cardozo B.-

Una Mirada al Pasado: La Ley de Herodes

2010-09-05T19:37:00.000-07:00

Juan Vargas (Damián Alcázar) es un mediocre empleado gubernamental que es nombrado Presidente Municipal de un pequeño pueblo en el medio de la nada. El nombramiento es repentino y ocurre después del linchamiento de su antecesor en el cargo. Vargas es inicialmente una persona ingenua y bobalicona que tiene una que otra idea noble sobre el ejercicio de la función pública. Pero a medida que transcurren los días comienza a utilizar su poder en beneficio propio convirtiéndose en un ser amoral.

Esta es la premisa de “La Ley de Herodes” un filme mexicano, estrenado en 1.999, que puede definirse como una comedia negra que satiriza el ejercicio político en las sociedades latinoamericanas. La obra utiliza un humor exagerado y caricaturesco para plasmar con elocuencia las distintas caras de la corrupción y la doble moral de los procesos revolucionarios.

La intervención extranjera, la avaricia de las instituciones religiosas, y los intereses mezquinos de las fracciones partidistas son puestos en evidencia, de forma admirable, a través de un ecosistema social a pequeña escala. El cineasta azteca Luis Estrada dirige con precisión y presenta los aspectos más grotescos del relato con irreverente comicidad. La obra, ambientada en 1.949, está muy bien cuidada a nivel técnico y posee un ritmo fluido durante todo su metraje.

La fuerza temática de la historia reside en la transformación del personaje central y Damián Alcázar asume la responsabilidad de manera inspirada. El mencionado actor se desempeña con convicción y soltura brindándonos a un hombre que va vendiendo su alma poco a poco hasta quedarse sin una sola gota de decencia o remordimiento. El resto del reparto, que incluye al veterano Pedro Armendáriz Jr. en el rol de un corrupto funcionario de mediano rango, realiza una excelente labor.

“La Ley de Herodes” es un significativo ejemplo del buen cine mexicano. Una película mordaz, enérgica, e irónica que nos muestra, sin concesiones, el lado más despreciable de la política latinoamericana.

Ramiro Cardozo B.-

Hermano

2010-08-31T14:43:00.000-07:00

“Hermano” es una historia que mezcla el deporte del fútbol con la realidad de las zonas marginales caraqueñas. El filme nos introduce en la vida de una familia de tres integrantes: Una madre soltera y sus dos hijos. Julio es el hijo biológico y Daniel, el menor, fue recogido de un basurero cuando era un recién nacido. Ambos son talentosos jugadores de fútbol y pertenecen al equipo que representa al barrio donde habitan.

Los hermanos son muy unidos pero diferentes en cuanto a personalidad y a la manera como se desenvuelven dentro de su entorno social. Daniel es ingenuo y soñador, y su vida gira alrededor del deporte. Julio es más duro y se maneja dentro de los códigos de un ambiente donde el peligro y la criminalidad son parte del día a día. Cuando la tragedia los toca los dos jóvenes enfrentan la situación de manera distinta y es aquí cuando el filme alcanza su mayor dramatismo.

A nivel narrativo la historia se desarrolla de manera solvente. El filme tiene una estructura bien armada y los dos personajes centrales poseen características definidas y creíbles que permiten que el espectador se conecte con su historia. Hay diálogos que me parecieron genéricos y algo cursis pero la acertada dirección de Marcel Rasquin (también autor del guión junto al australiano Rohan Jones) hace que esto no sea un problema de peso.

Creo que algunas secuencias necesitaban una mayor calidad histriónica para ser más contundentes, sin embargo considero que Eliú Armas como Julio y Fernando Moreno como Daniel realizan una labor digna en los roles estelares. No son interpretaciones deslumbrantes pero los dos jóvenes sacan sus papeles adelante a pesar de su poca o nula experiencia previa en el mundo de la actuación.

“Hermano” tiene algunos elementos a los que les falta consistencia pero en líneas generales es una buena película que presenta una dura realidad de manera sensible. La obra muestra aspectos sórdidos y tristes de las zonas menos favorecidas de la sociedad venezolana, pero también incluye una buena dosis de optimismo e inspiración que la hacen relevante desde el punto de vista emotivo.

Ramiro Cardozo B.-

Desde mi Cielo (The Lovely Bones)

2010-02-17T21:39:00.000-08:00

Hace algunos años el director Peter Jackson se entregó a la titánica tarea de adaptar cinematográficamente la famosa trilogía literaria de J.R.R Tolkien “El Señor de los Anillos”. El resultado fue tan brillante, tanto artística como financieramente, que este peculiar neozelandés pasó a ser una de las personalidades más queridas y respetadas del cine actual. Luego vino el remake de “King Kong” que en líneas generales fue una decepción, pero que no llegó a lastimar sensiblemente la buena reputación de Jackson.

Para cambiar categóricamente lo anterior ahora nos llega “Desde mi Cielo” una nueva adaptación de una fuente literaria (la exitosa y compleja novela del mismo nombre de la autora Alice Sebold) donde el cineasta pone en evidencia un indudable deterioro creativo y un muy pobre manejo de los abundantes recursos con los que cuenta. Este filme, tratando de ser lo menos ofensivo posible, es un completo desastre en casi todos los niveles. La historia de una niña de catorce años que es asesinada brutalmente y que contempla a sus seres queridos desde un punto intermedio entre lo mortal y lo celestial es manejada de manera groseramente banal. Los efectos especiales son técnicamente solventes pero son utilizados para crear composiciones visuales llenas de una extraordinaria cursilería.

No hay una conexión coherente entre muchos de los elementos que se colocan en la historia y algunos de ellos terminan siendo innecesarios o totalmente irrelevantes. La construcción de los personajes es terrible. En lugar de personas de carne y hueso parece que vemos solo bosquejos trazados sin ningún tipo de originalidad. El dolor de los familiares (padres, hermanos, abuela) de la niña fallecida nunca luce real. Jackson falla en transmitir el sentimiento de tristeza y vacio que genera una pérdida tan sensible y abrupta. Tampoco logra crear misticismo ni atmosferas envolventes en lo que se refiere a la visión de la vida después de la vida. Esencialmente todos los esfuerzos del director se ven orientados a crear imágenes pavosas e insustanciales de un mundo inmaterial donde habitan niñas buenas, asesinadas por un psicópata, que deben resolver asuntos pendientes antes de residir de forma permanente en el ansiado cielo.

Los actores involucrados realizan una labor lamentable. Mark Wahlberg y Rachel Weisz como los padres de la niña asesinada parecen un par de muertos vivientes incapaces de transmitir emoción alguna. Hay una escena en que el padre sucumbe ante la tristeza y se pone a llorar. En ese momento dan ganas de llorar por la total mediocridad que Walhberg demuestra en su interpretación. En el papel de abuela Susan Sarandon se pasea en piloto automático y su personaje está tan mal escrito que termina teniendo poco o ningún sentido. Stanley Tucci como el villano realiza una labor un poco más decente pero de ninguna manera merecedora de la inexplicable nominación al Oscar al mejor actor de reparto que ha obtenido por su interpretación en este filme. La joven Saoirse Ronan, en el papel protagónico, es lo único realmente rescatable pero sus esfuerzos se ven diluidos ante tantos desaciertos.

Con “Desde mi Cielo” Peter Jackson le ha dado un duro golpe a su credibilidad como creador además de robar dos horas de la vida de los que tuvimos la mala suerte de ver esta horrenda película. Uno de los títulos más decepcionantes de los últimos tiempos.

Ramiro Cardozo B.-

500 Días con Ella (500 Days of Summer)

2010-02-08T12:42:00.000-08:00

En otras reseñas he comentado que no soy muy aficionado a la comedia romántica. Creo que es un género que repite formulas desgastadas con asombrosa frecuencia principalmente en el cine estadounidense. Sin embargo, de vez en cuando aparece una feliz excepción y ese el caso de “500 Días con Ella”.

El filme nos introduce en la vida de una pareja conformada por Summer (Zooey Deschanel) y Tom (Joseph Gordon-Lewitt). Su historia está contada con gran imaginación y sin respetar leyes cronológicas. Esta forma no lineal de recorrer el romance de nuestros protagonistas se utiliza con la evidente intención de contra poner las distintas etapas emotivas de su relación y establecer las características y diferencias de cada una de estas etapas con claridad. El tono de la pieza es ligero pero nunca simplista ya que no intenta escapar de los aspectos contradictorios, y en ocasiones agrios, que se presentan en las relaciones de pareja.

El Director Marc Webb y los escritores Scott Neustadter y Michael Weber incluyen en el relato fantasías visuales (en algunos casos utilizando animación) que buscan representar el estado anímico de los personajes. Pero inteligentemente estas fantasías nunca se sobre utilizan permitiendo que la imaginación vuele pero evitando que exista una desconexión con la realidad vivencial de los protagonistas.

El filme presenta los encuentros y desencuentros de la pareja alejándose de las narrativas convencionales y utilizando una muy elegante comicidad que nunca pierde energía a lo largo del metraje.

La astuta dirección y el bien cuidado guión de la pieza son respaldados por la labor protagónica de Zooey Deschanel y Joseph Gordon-Lewitt. Aunque el desempeño de ambos es desigual (histriónicamente Gordon-Lewitt luce superior a Deschanel), la pareja logra una interacción creíble en pantalla que permite una conexión directa con el espectador.

“500 Días con Ella” es una obra más que sobresaliente que demuestra que las historias de amor pueden contarse mezclando imaginación y realidad con agudeza y humor de altura. Muy buena opción.

Ramiro Cardozo B.-

Es Complicado (It’s Complicated)

2010-01-24T12:51:00.000-08:00

“Es Complicado” nos cuenta la historia de Jane (Meryl Streep) una mujer de edad madura, divorciada y con tres hijos, que comienza e tener una aventura con un hombre casado. El detalle es que ese hombre casado es su ex-esposo, y padre de sus hijos, Jake (Alec Baldwin). En este cuadro entra Adam (Steve Martin) un arquitecto que se encuentra diseñando la nueva cocina de Jane y quien empieza a sentirse atraído por ella.

La directora Nancy Meyers maneja esta premisa de una forma que puede describirse como decente pero sin mayores sorpresas. El filme tiene algunos buenos momentos y logra un tono ligero y generalmente agradable. Sin embargo, y contrario al título de la película, los acontecimientos se desarrollan de forma muy simple, sin condimentos que hagan que el relato sea más interesante. Algunos personajes, como los hijos de Jane y su grupo de amigas, lucen extremadamente pulcros y poco creíbles (aburridos también es un calificativo aplicable).

Lo que hace que este filme se sienta un poco por encima de su nivel real es la labor del trío protagónico. La magnífica Streep transmite con comicidad y soltura la confusión emocional de su personaje. Baldwin genera casi todas las situaciones divertidas del filme y lo hace con buen ritmo y manteniéndose a la altura de su compañera de reparto (cosa que no es fácil si esa compañera es Meryl Streep). Steve Martin aprovecha su limitado tiempo en pantalla y nos ofrece un retrato discreto y simpático de un hombre que ve una nueva posibilidad de construir una relación de pareja. John Krasinsky como novio de la hija mayor de Jane brinda un trabajo complementario entretenido. El resto del reparto realiza una labor desigual y francamente olvidable.

“Es Complicado” nos regala tres buenas interpretaciones y esto hace que la película se pueda ver e incluso disfrutar. Pero como relato cinematográfico termina siendo una pieza promedio y sin mucha sustancia.

Ramiro Cardozo B.-

Bastardos sin Gloria (Inglourious Basterds)

2009-10-28T13:28:00.000-07:00

Quentin Tarantino vuelve al ruedo cinematográfico con “Bastardos sin Gloria” un filme ambientado en la Segunda Guerra Mundial que nos cuenta la historia de un pequeño grupo de soldados judío-americanos, denominados Los Bastardos, cuya misión es asesinar nazis utilizando métodos de gran crueldad (escalpar cueros cabelludos, batear cráneos, etc.). A las órdenes del Teniente Coronel Aldo Raine (Brad Pitt) Los Bastardos se embarcan en una misión que pretende eliminar al alto mando Nazi. Esta misión los pondrá en el camino del inclemente Coronel de la SS Hans Landa (Christoph Waltz) apodado Cazador de Judíos.

Algunos de los detractores de Tarantino han cuestionado el tono en ocasiones humorístico del filme, su visión alternativa de los hechos históricos, y la ambigüedad moral de las situaciones que presenta. Aunque estas opiniones merecen respeto, creo que como película “Bastardos sin Gloria” es sencillamente genial. Tarantino utiliza ciertos elementos históricos para armar una fantasía alterna llena de sátira, tensión, e irreverente humor. Toma prestados elementos de otras películas de guerra y los descompone y adapta a su particular visión. El resultado: Una historia que toma rutas inesperadas y nos brinda personajes extrañamente magnéticos y situaciones escenificadas con entusiasta creatividad. Hay varias secuencias en este filme que están construidas de una forma magistral (La escena de apertura, el tenso encuentro en un bar, y el clímax en la pequeña sala de cine, son sencillamente inolvidables).

El elenco está ensamblado maravillosamente. Brad Pitt, utilizando un intencionalmente exagerado acento sureño, construye a Raine con total solidez bridándole excentricidad a su personaje y una determinación que ocasiones coquetea con la demencia. La joven actriz francesa Mélanie Laurent brilla como Shossanna Dreyfus, una bella mujer judía con su propio plan de venganza. Los alemanes Til Schweiger, como el sargento Hugo Stiglitz, y Diane Kruger, como una actriz que realiza labores de espionaje para el gobierno británico, también se lucen en sus respectivos personajes.

Pero la real estrella de este filme es el actor austríaco Christoph Waltz, quien como el despiadado Hans Landa pasa automáticamente a formar parte de la lista de los villanos más memorables de la historia del cine. Waltz realiza un descomunal trabajo brindándonos a un psicópata incisivo, astuto, con un excelente manejo de la palabra y amplia cultura general. Un monstruo, consciente de su poder destructivo, que se regocija con el temor que genera en sus víctimas y enemigos. Este es el tipo de caracterización que inmortaliza a un actor. Aunque Waltz decida no hacer nada más en su vida, siempre será recordado por su extraordinario desempeño en esta película.

“Bastardos sin Gloria” es una gran experiencia cinematográfica. Magníficamente escrita, y construida casi a la perfección, la película maneja sus elementos con una pericia que da envidia. Tal vez esa envidia hace que muchos tilden a Quentin Tarantino como un egocéntrico, un niño malcriado que disfruta las auto-referencias, o un creador prepotente que no pierde la oportunidad de demostrar lo mucho que sabe de géneros e historia del cine. Puede que todos estos argumentos calcen con su personalidad, pero la realidad irrefutable es que este director norteamericano es uno de los artistas más talentosos y singulares del cine actual y esta esplendida película es una prueba más que contundente.

Ramiro Cardozo.-

Enemigos Públicos (Public Enemies)

2009-09-28T20:12:00.000-07:00

Desde el punto de vista visual “Enemigos Públicos” es un filme impecable. La recreación de la época (los años de la Gran Depresión norteamericana), la fotografía, y la cuidada iluminación, son de un altísimo nivel lo que le brinda a la obra una gran elegancia estética digna de admiración.

Sin embargo, me parece que la película no es tan acertada en cuanto a narrativa se refiere. La historia de los últimos días de la vida de John Dillinger (Johnny Depp), notorio asaltante de bancos en los años 30 y especie de Robin Hood para la clase obrera de la época, tiene carencias en cuanto a construcción de personajes y su ritmo es algo inconsistente.

Michael Mann, uno de los mejores directores norteamericanos de la actualidad, se queda un poco corto en sus intenciones de crear un relato intenso con una mezcla adecuada de acción, crimen, y romance. Estos elementos lucen poco cohesionados en varios pasajes de la obra y esto le resta fortaleza a lo que transpira en pantalla.

Dillinger es presentado como una celebridad, un mito viviente, y esta aproximación es atractiva en las primeras instancias del metraje pero se va haciendo cansona y repetitiva a medida que la historia avanza. Me parece que faltó una mejor confección dramática del personaje, algo que mostrara con mayor elocuencia sus motivaciones, que lo vinculara con mayor solidez al espectador. Algo similar sucede con Melvin Purvis (Christian Bale), policía y perseguidor de Dillinger. El personaje es unidimensional y sencillamente aburrido.

Depp muestra carisma y magnetismo en el rol protagónico pero tuve la impresión que nunca dejó de ser Johnny Depp. Más que representar a un personaje me parece que brinda una versión de sí mismo, de su propia celebridad. Christian Bale hace lo que puede con un personaje escrito a medias. Marion Cotillard, como Billie amante de Dillinger, brinda la interpretación de mayor credibilidad de la película pero la relación romántica entre ambos, que comienza con mucha fuerza, se va diluyendo entre un conjunto de situaciones poco interesantes.

Las escenas de acción y los violentos tiroteos están muy bien coreografiados y lucen reales, pero carecen de intensidad o carga emotiva. Mann no logra que nos interesemos por los personajes complementarios así que poco importa quién vive o quién muere.

“Enemigos Públicos” es un filme muy vistoso a nivel estético pero poco memorable como relato criminal. Mann quien ya ha demostrado que puede manejar con maestría este tipo de relatos (“Heat” es un ejemplo emblemático) se muestra con poco pulso en esta oportunidad y nos deja una obra que prometía mucho y ofrece poco.

Ramiro Cardozo B.-

Te Amo Brother (I Love You, Man)

2009-09-16T15:03:00.000-07:00

En vísperas de su boda con Zooey (Rashida Jones) Peter Klaven (Paul Rudd) comienza a racionalizar que no tiene amigos hombres y que sus únicas relaciones medianamente estables con personas de su mismo sexo son las que sostiene con su peculiar padre (J.K Simmons) y su hermano gay (Andy Samberg). Por esta razón nuestro protagonista comienza a buscar, entre un grupo poco ortodoxo de personas, a alguien que se convierta en un buen amigo y posible padrino de su boda. Después de varias citas infortunadas Peter conoce al despreocupado Syd (Jason Segel) con quien comienza a establecer lazos de amistad.

Esta es la premisa de “Te Amo Brother” una comedia amable, divertida, e inteligente, que con situaciones simples retrata las interacciones de amistad y la manera que estas pueden influenciar nuestra percepción del mundo que nos rodea. El director John Hamburg maneja su relato con acierto logrando mezclar equilibradamente dosis de humor algo vulgar, pero siempre divertido, con diálogos agudos que reflejan aspectos universales de amistad, y relaciones de pareja.

El filme desarrolla con tino la conexión fraterna que Peter tiene con Syd pero sin perder de vista el lazo emotivo con su futura esposa. Las conversaciones entre Peter y Zooey además de ser entretenidas son creíbles y esto permite que el espectador se pueda sentir identificado con sus acuerdos y desacuerdos. Los personajes principales están bien escritos y sus personalidades se establecen desde el principio lo que contribuye a que veamos con claridad la manera en se afectan los unos a los otros.

Paul Rudd y Jason Segel realizan una labor protagónica de primera línea. Ambos intérpretes crean un ritmo humorístico fluido entre sus personajes generando situaciones que aparte de ser graciosas lucen reales y honestas. Rashida Jones (hija del legendario productor musical Quincy Jones) interpreta con solvencia a Zooey manteniéndose a la altura de sus compañeros de reparto. El resto de los actores involucrados realiza una eficiente función complementaria contribuyendo a las risas y la simpática narrativa de la pieza.

“Te Amo Brother” seguramente no se va a convertir en un titulo obligado de la comedia norteamericana y la verdad es que no tiene ese tipo de pretensiones. Sin embargo, es un filme bien ejecutado, fresco, y muy ameno. Una buena opción.

Ramiro Cardozo B.-

Déjame Entrar (Låt den rätte komma in)

2009-06-08T12:52:00.000-07:00

“Déjame Entrar” es una peculiar y magnifica película sueca, ambientada en el Estocolmo de 1982, que reta a cualquier tipo de clasificaciones.

El filme, dirigido por Tomas Alfredson y basado en la novela de John Ajvide Lindqvist (también autor del guión de la pieza), utiliza el mito del vampirismo para hablar de temas como la angustia de la adolescencia, la soledad, los desencuentros familiares, las emociones del primer romance, y las oscuras implicaciones del instinto asesino.

“Déjame Entrar” está contada con un estilo minimalista y pausado que imprime un carácter enigmático a todas sus imágenes. La obra posee elementos fantásticos y situaciones propias de relatos de terror, pero Alfredson se asegura de mantener los efectos especiales y los brotes de sangre en niveles de total austeridad. El talentoso cineasta sueco logra confeccionar una obra perturbadora desechando la utilización de imágenes gráficas burdas e innecesarias. La tensión y la atmósfera inquietante de la historia son creadas a base de puro lirismo cinematográfico donde destaca una estupenda atención a los personajes centrales y al entorno climático y social en el cual se desenvuelven.

La interacción entre Oskar (Kåre Hedebrant), un joven introvertido de imaginación algo mórbida, y Ely (Lina Leandersson), una niña reservada y de aire peligroso, es la columna vertebral del relato y tanto Hedebrant como Leandersson se lucen en sus respectivos roles. Ambos intérpretes poseen rostros misteriosos que son aprovechados al máximo por Alfredson y el director de fotografía Hoyte Van Hoytema. Todos los primeros planos de nuestros protagonistas reflejan su intrincado mundo interior y esto es logrado a través de una cuidadosa utilización de la luz y excelentes ángulos de cámara.

“Déjame Entrar” es una obra de inusual belleza que mezcla melancolía y sed de sangre de manera brillante. Su envolvente ritmo narrativo y las distintas lecturas de su historia la convierten en una película realmente especial. Ampliamente recomendable.

Ramiro Cardozo B.-

Quisiera ser Millonario (Slumdog Millionaire)

2009-04-15T15:54:00.000-07:00

Con “Quisiera ser Millonario” Danny Boyle vuelve a demostrar que es uno de los mejores narradores cinematográficos del cine actual. La manera poco convencional en que el director maneja temas mil veces contados es digna de todos los elogios.

En esta oportunidad el director nos brinda una idílica fantasía romántica donde una cantidad de coincidencias poco probables convergen para que unos jóvenes enamorados logren estar juntos. Esta descripción sin duda suena a lugar común, pero Boyle redimensiona algunos elementos tradicionales del cuento de hadas y los desarrolla, de manera magistral, dentro de un durísimo entorno social lleno de miseria e injusticias.

La pureza de un amor ingenuo se contrapone a la realidad de una India caótica. La pareja protagónica se muestra como una especie de símbolo de supervivencia espiritual en un mundo inclemente donde predominan la pobreza y los actos criminales. Boyle mantiene un admirable equilibrio entre los aspectos sociales y el romanticismo de su relato imprimiendo frescura y vitalidad a cada una de sus escenas. Los flashbacks son utilizados a la perfección y la banda sonora respalda el carácter evidentemente emotivo de la historia. La fotografía y la edición son sencillamente impecables.

La hermosa Latika y el fiel Jamal, protagonistas de la historia, son personificados por tres parejas diferentes de actores (con poca o ninguna experiencia previa en cine) con la intención de ilustrar las distintas etapas vivenciales en que ambos interactúan. El trabajo de estos seis jóvenes, encabezados por Dev Patel y Frida Pinto, es lo que sostiene el eje central de la película. La química entre la pareja protagónica es esencial para que un relato como este funcione y el mencionado sexteto logra que la misma se mantenga viva e inalterable durante todo el metraje. También hay que mencionar la gran calidad expuesta por los tres actores que representan a Salim, hermano de Jamal y personaje clave del filme. Interpretes de mayor trayectoria en el cine indio como Anil Kapoor e Irrfan Khandan dan vida a los personajes adultos de la historia complementando de manera muy satisfactoria el espontáneo trabajo de sus compañeros de reparto.

“Quisiera ser Millonario” es una brillante fábula cinematográfica que amalgama elementos aparentemente incompatibles gracias al inmenso talento de Boyle y sus colaboradores. Una película de gran belleza, visual y temática, que no deben perderse los adictos a la magia del buen cine.

Ramiro Cardozo B.-

El Casamiento de Raquel (Rachel Getting Married)

2009-03-10T08:11:00.001-07:00

Con “El Casamiento de Raquel” el talentoso cineasta Jonathan Demme (El Silencio de Los Inocentes) nos ofrece su obra mas íntima. El filme utiliza la celebración de una unión conyugal como excusa para escudriñar las complejidades emocionales de una familia con heridas que no terminan de sanar.

Kym (Anne Hathaway), quien se encuentra en un centro de rehabilitación para adictos, regresa a su hogar para asistir a la boda de su hermana Rachel (Rosemarie DeWitt). El exótico matrimonio, lleno de elementos budistas y tonalidades hippies, además de reunirla con su hermana permite que Kym interactúe con su protector padre (Bill Irwin) y con su evasiva, y aparentemente superficial, madre (Debra Winger). Los resentimientos, tristezas, tormentos internos, y tragedias pasadas comienzan a florecer paulatinamente en cada uno de los miembros de la familia obligándolos a afrontar sus emociones.

Jonathan Demme desarrolla su historia con sencillez creando una atmosfera de cercanía que permite que el espectador se sensibilice ante todo lo que sucede en pantalla. Casi todas las escenas están filmadas con cámara en mano e iluminación natural. Las tomas son bastante largas minimizando los cortes de edición y no se utiliza música incidental. Esta aproximación casi primitiva, al estilo Dogma, funciona positivamente ya que brinda una sensación de realidad e inmediatez que, en algunos momentos, nos hace olvidar que estamos viendo un largometraje de ficción.

El guión de Jenny Lumet (hija del gran director Sidney Lumet) está escrito con frescura y sin ningún tipo de artificio dramático. Todo lo que sucede luce absolutamente real. Este es un filme sobre seres comunes, con defectos, virtudes, y contradicciones, que se quieren y buscan cierto grado de comprensión. El dúo Demme-Lumet logra brindarle a la obra la naturalidad y la fluidez narrativa necesarias para que un relato de este tipo funcione.

Anne Hathaway se desprende de su imagen de princesa adolescente y nos regala el trabajo más maduro y complicado de su carrera. La bellísima actriz no busca crear empatía hacia Kym. Su intención es elaborar un personaje de carne y hueso, egocéntrico e inestable pero con un amor inalterable por su familia. Un trabajo realmente memorable. Rosemarie DeWitt, en el papel de Rachel, realiza una excelente labor transmitiendo a cabalidad los sentimientos de su personaje. Bill Irwin y Debra Winger, como los padres de Kym y Rachel, desarrollan sus respectivos roles de manera inspirada.

“El Casamiento de Raquel” es una obra que muestra distintos matices de las relaciones familiares con lucidez y genuina emotividad. El filme combina momentos dolorosos con episodios agudos y divertidos manteniendo constante un tono sincero que logra conectarse con el espectador desde el principio de la pieza. Muy recomendable.

Ramiro Cardozo B.-

El Luchador (The Wrestler)

2009-02-12T15:11:00.000-08:00

Dirigida por Darren Aronofsky (“PI”, “Requiem for a Dream”, The Fountain”) “El Luchador” nos cuenta la historia de Randy “The Ram” Robinson (Mickey Rourke), un profesional de la lucha libre que llegó a tener status de estrella en los años ochenta, pero que 20 años después apenas puede pagar la renta. Randy sigue luchando pero en círculos bastante decadentes que producen poco dinero y muchas lesiones físicas. Después de una emergencia médica, y en el fin de su carrera, nuestro protagonista trata de acercarse a una hija que apenas conoce (Evan Rachel Wood) y construir una relación sentimental con una stripper (Marisa Tomei) que, al igual que Randy, se encuentra en un punto álgido de su desempeño profesional .

“El Luchador” es un duro drama que nos presenta a un personaje solitario que trata de enmendar errores pasados y buscar algo de estabilidad en su vida. En manos de un director convencional la historia de Randy se podría haber convertido en un melodrama sensiblero lleno de lugares comunes, pero con Aronofsky al mando el resultado es descarnadamente real. El mundo donde se desenvuelven los personajes es sombrío y nada complaciente. La lucha libre está retratada desde un punto de vista intimista y casi documental. Aunque la violencia de esta actividad es coreografiada, la película nos muestra que los riesgos físicos que corren los luchadores son reales y en algunos casos inclementes. Aronofsky no se cohíbe en poner al descubierto el lado grotesco de la lucha pero se cuida de no satanizarla ni condenarla. Lo mismo se aplica en la forma en que el hábil director construye el recorrido dramático de los personajes de su historia.

Marisa Tomei se desnuda, física y emocionalmente, y nos ofrece una interpretación merecedora de todos los elogios y reconocimientos que ha recibido por parte de la crítica especializada. La bella actriz expresa la frustración y las dificultades interiores de su personaje con absoluta credibilidad. Evan Rachel Wood, como la melancólica y resentida hija de Randy, realiza una excelente labor complementaria.

No creo que exista una persona que haya podido interpretar a Randy mejor que Mickey Rourke. Las similitudes entre las vidas profesionales del personaje y el actor son obvias y Rourke parece estar drenando sus propios demonios a través de esta fenomenal interpretación. Aquí vemos a un actor totalmente inspirado brindando el 100% de sí para crear un personaje real, imperfecto, y difícil de olvidar.

Hay un solo aspecto del filme que me pareció algo fuera de lugar: Un discurso del protagonista en los minutos finales que, en mi opinión, no se corresponde con el tono crudo y sin concesiones que el relato mantiene constante hasta ese momento. Sin embargo esto no hiere de manera significativa a la obra. “El Luchador” es una película sólida que ofrece un drama humano bien construido y a un Mickey Rourke en el papel más importante de su carrera.

Ramiro Cardozo B.-

Milk

2009-02-12T15:08:00.000-08:00

La última obra de Gus Van Sant nos cuenta la historia verdadera de Harvey Milk (Sean Penn), el primer hombre abiertamente homosexual elegido para un cargo publico en EEUU. La película sigue los pasos políticos del mencionado personaje desde su llegada a San Francisco hasta su trágica desaparición a finales de la década de los 70.

“Milk” es un interesante relato sobre un hombre que luchó por las reivindicaciones sociales de los homosexuales en una época de gran intolerancia. Van Sant, quien tiende a realizar películas poco convencionales (“My Own Private Idaho”, “Gerry”, “Elephant”, “Paranoid Park”, etc.), se despoja de sus instintos experimentales y nos ofrece una narrativa accesible y tradicional sin que esto signifique algo negativo. Creo que la intención del cineasta es mostrar de manera sencilla, y clara, la importancia de Milk como propulsor de cambios en una sociedad llena de prejuicios. Evitando enredos en la forma de contar su historia, Van Sant se asegura que la transcendencia de la vida de Harvey Milk sea transmitida de manera cristalina.

La recreación de la época en la que transcurre la obra es impecable. No hay nada que luzca fuera de lugar. La película fluye con buen ritmo y los progresos políticos de Milk, como Supervisor de Distrito, son desarrollados con mano experta.

Sean Penn realiza una labor protagónica de primera línea. El actor más que representar a Harvey Milk se “convierte” en él y nos brinda una de las actuaciones mas convincentes de su carrera (muy superior a su intervención en “Río Místico” por la que recibió un Oscar). Josh Brolin se luce como el inestable Dan White, un político de línea conservadora que inicialmente muestra cierta docilidad hacia Milk, para luego convertirse en uno de sus más férreos opositores. James Franco y Diego Luna, como amantes de Milk, y Emile Hirsh como una de las piezas fundamentales de su campaña política, realizan una encomiable labor en sus respectivos roles.

“Milk” ha sido señalada por algunos críticos como la mejor película del 2008, y esta es una opinión que no comparto. Es cierto que estamos en presencia de una obra de altísima calidad, dirigida e interpretada con gran pericia, pero en ciertos pasajes, específicamente los que se refieren a la lucha política, me parece que faltó algo de emotividad, de fuerza. Tal vez estos sean elementos subjetivos que dependen de la interpretación de cada espectador, pero creo que hay momentos en el filme donde existe cierto exceso de sobriedad (sobre todo en el desenlace). Sin embargo, en términos de construcción la película está perfectamente acabada.

“Milk” es una muy buena película que nos relata la vida de un hombre progresista que contribuyó de manera significativa a cambiar la percepción que la sociedad norteamericana tenia sobre la comunidad gay. Aunque, en mi humilde opinión, las últimas instancias del metraje son un poco frías, es indudable que la vida de Harvey Milk ha sido llevada a la pantalla con relevancia, respeto, y buen oficio cinematográfico.

Ramiro Cardozo.-

Vicky Cristina Barcelona

2009-02-12T15:06:00.000-08:00

Vicky Cristina Barcelona” tal vez podría catalogarse como una agridulce comedia romántica bañada en neurosis. Woody Allen nos regala más de lo mismo, pero esta vez con sabor ibérico.

El filme nos permite compartir con Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson), dos grandes amigas, con personalidades muy diferentes, que deciden pasar el verano en la ciudad de Barcelona. Allí conocerán a Juan Antonio (Javier Bardem), un pintor que confiesa su atracción por ambas de manera directa e inmediata. A este trío se le sumará la apasionada María Elena (Penélope Cruz), ex esposa de Juan Antonio quien regresa a Barcelona (después de su paso por Madrid) presentando un estado emocional bastante frágil.

La película trata la interacción de sus personajes con la típica comicidad intelectual de Allen. Los temas favoritos del cineasta (infidelidad, contradicciones psicológicas, insastifacción matrimonial, búsqueda interior, creatividad, etc.) vuelven a estar presentes aunque en mi opinión son desarrollados de una forma no muy amena. Es indudable que el artista neoyorquino sigue demostrando gran fortaleza en la construcción de diálogos, pero lo que transpira en pantalla carece de contundencia narrativa. Los personajes, aunque muy bien interpretados por los actores involucrados, están llenos de clichés. Creo que el personaje más interesante de la pieza es la ciudad de Barcelona. Las locaciones escogidas son espectaculares lo que hace que la película sea muy agradable desde el punto de vista visual. Creo que hay más magia en los distintos rincones de la ciudad catalana que la que se produce entre los cuatro protagonistas.

El filme está provisto con una narración en off que nos va contando los distintos pasajes de la historia. No tengo nada en contra de este recurso (utilizado a la perfección en películas como “Buenos Muchachos”, y “The Shawshank Redemption”) pero creo que en este caso no funciona muy bien. La narración no aporta nada a lo que estamos viendo en pantalla y en algunos momentos resulta reiterativa.

Es indudable que “Vicky Cristina Barcelona” tiene elementos que resultan bastante atractivos: Scarlet Johansson y Penélope Cruz derrochan sensualidad y Javier Bardem realiza una buena labor aunque en un personaje algo estereotipado. La no muy conocida Rebecca Hall es una agradable sorpresa. Aunque menos exótica que sus compañeras de reparto, la actriz es la que, en mi opinión, realiza el mejor trabajo histriónico de la pieza. La película tiene muy buena estética y la belleza de Barcelona es plasmada con gran profesionalismo. Pero, a pesar de lo anterior, la película no logra ser realmente divertida, o genuinamente romántica, o satíricamente interesante.

Aunque “Vicky Cristina Barcelona” luce vivaz gracias a los hermosos escenarios españoles, desde el punto de vista temático me pareció una película floja sin condimentos interesantes. Parece que la excelente “Match Point” fue solo un despertar fugaz del talento creativo de un director que no logra añadir elementos nuevos a la sensibilidad neurótica que lo hizo famoso.

Ramiro Cardozo B.-

El Visitante (The Visitor)

2009-02-12T15:02:00.000-08:00

"El Visitante” es una de esas grandes sorpresas provenientes del cine independiente norteamericano. Escrita y dirigida con gran sensibilidad por Thomas McCarthy, la película nos cuenta la historia de Walter Vale (Richard Jenkins), un profesor universitario que redescubre la pasión por la vida cuando comienza a interactuar con una pareja de ilegales.

Walter es un intelectual venido a menos que lleva una vida que parece estar en piloto automático. Imparte clases en una universidad en Connecticut, recibe lecciones de piano (como una especie de tributo a su esposa fallecida quien era pianista), y hace creer a sus colegas que se encuentra en los preparativos de lanzamiento de su último libro. Por orden de su Universidad, Walter accede, a regañadientes, a asistir a una conferencia en la ciudad de Nueva York donde posee un apartamento. Al llegar al inmueble encuentra a una pareja de inmigrantes viviendo allí. Después de la confusión y hostilidad iniciales, comienza a desarrollarse una relación de amistad que poco a poco va sacando a Walter de su letargo vivencial.

“El Visitante” funciona extraordinariamente bien por la resistencia de McCarthy a caer en sensiblerías y lugares comunes. No hay ninguna intención de crear cuentos de hadas ni plasmar en pantalla transformaciones que no sean reales. La historia se desarrolla a un ritmo pausado y los personajes se comportan de manera racional y totalmente creíble. La pareja de extranjeros, conformada por un músico sirio llamado Tarek (Haaz Sleiman) y la joven Senegalesa Zainab (Danai Gurira), está desarrollada con gran respeto evitando cualquier estereotipo. Aunque no estamos en presencia de un filme abiertamente político, es evidente que a McCarthy le interesa retratar lo inflexibles y duras que pueden ser las políticas de extradición de EEUU en algunos casos específicos. Sin embargo, el cineasta no asume ninguna posición radical sobre el tema y en ningún momento utiliza su obra como panfleto ideológico

La fuerza de la película se encuentra en la transformación interna de Walter. El despertar de las sensibilidades de nuestro protagonista, como respuesta a la interacción con personas de diferente bagaje cultural, es presentado con gran habilidad y de manera sublime. El trabajo de Richard Jenkins en el personaje central es sencillamente brillante. Este experimentado actor, a quien normalmente vemos en papeles de soporte en películas producidas en Hollywood (Las Brujas de Eastwick, North Country, Hermanastros, Burn After Reading, etc.) aprovecha esta rara oportunidad como protagonista para regalarnos una de las mejores actuaciones masculinas del 2008. Jenkins asume la piel de Walter de manera inspirada y logra exteriorizar los cambios en la vida interior de su personaje con una sutileza que solo los grandes actores son capaces de crear. No hay nada forzado en esta interpretación, todas las reacciones del personaje lucen totalmente genuinas y esto es fundamental para que el filme funcione. Es una lastima que esta sea una película de poca difusión en salas comerciales. El trabajo de Jenkins merece ser visto a gran escala.

Los desconocidos Haaz Sleiman y Danai Gurira brindan frescura y naturalidad a los personajes de Tarek y Zainab, y la química entre ellos y Jenkins es palpable. La actriz de origen israelí Hiam Abbass en el papel de Mouna, madre de Tarek, realiza una labor eficiente aunque no tan descollante como sus compañeros de reparto.

“El Visitante” es una hermosa película que celebra las diferencias culturales sin caer en zalamerías irreales. Es un drama profundo e íntimo realizado con una sencillez narrativa que nos invita a involucrarnos en el relato sin ningún tipo de reservas. Un filme que indudablemente vale la pena ver.

Ramiro Cardozo B.-

El Sustituto (Changeling)

2009-02-05T12:58:00.000-08:00

El hijo de nueve años de Christine Collins (Angelina Jolie) desaparece misteriosamente de su hogar. Después de días de investigación la policía recupera al menor y al momento de reunirlo con Christine esta alega que el niño encontrado no es su hijo. Esta es, en líneas generales, la premisa central de “El Sustituto” de Clint Eastwood.

El filme ambientado en la ciudad de Los Ángeles de 1928, y basado en una historia real, cuenta la cruzada de esta madre por encontrar a su hijo y demostrar que las autoridades cometieron un error al entregarle a un niño equivocado. El relato es bastante duro y con muchas ramificaciones dramáticas. Eastwood utiliza la historia para hablar de temas como corrupción policial, el machismo institucional de la época, abuso infantil, poder político de los representantes de la iglesia, etc. Aunque la película es lo suficientemente sólida, y contiene escenas de fuerza indiscutible, hay momentos en que el cineasta parece tener algunas dificultades para mezclar equilibradamente los distintos temas que la obra aborda.

Angelina Jolie ofrece la mejor actuación de su carrera. Debo admitir que soy mas admirador de la belleza física de la actriz que de su talento histriónico, pero a las órdenes de Eastwood Jolie demuestra que tiene argumentos artísticos para encarar roles complicados y relevantes. La famosa intérprete recrea el calvario de su personaje con total solvencia ofreciendo momentos genuinamente conmovedores. John Malkovich, como el Reverendo Gustav Brieglev, realiza una muy buena labor encarnando a un religioso que lucha sin cuartel contra las irregularidades del departamento de policía. El poco conocido Jason Butler Harner brinda un decente trabajo como el psicópata Gordon Northcott, aunque en algunas ocasiones coquetea con la sobreactuación.

“El Sustituto” no es de las mejores películas de su realizador, pero tiene valores de producción de primer nivel y cuenta una historia poderosa de alto significado humano. Aun en momentos no tan inspirados Eastwood sigue demostrando su inagotable sensibilidad artística al afrontar temas difíciles, y junto a Jolie nos entrega un trabajo digno que, aunque con ciertas inconsistencias, merece ser visto.

Ramiro Cardozo B.-

Zack y Miri hacen una Porno (Zack and Miri make a Porno)

2009-01-26T11:31:00.000-08:00

Zack (Seth Rogen) y Miri (Elizabeth Banks) son dos grandes amigos que comparten apartamento. Cuando su precaria situación económica les impide pagar la renta y disfrutar de servicios de electricidad y suministro de agua, a Zack se le ocurre la idea desesperada de hacer una película porno casera para de esta forma salir de sus dificultades. Miri, quien al principio se resiste a la idea, termina accediendo a formar parte del alocado proyecto. El dúo consigue a un pequeño grupo de perdedores para que formen parte del elenco y el equipo de producción de su “obra”.

El elocuente titulo del filme no deja dudas que estamos en presencia de una comedia donde la sofisticación y el buen gusto no tienen cabida. Sin embargo, el hecho de que esté dirigido por Kevin Smith (“Clerks”, “Mallrats”, “Chasing Amy”, etc.) puede sonar prometedor. Smith es un director que no le teme al humor vulgar y directo pero parte de su filmografía demuestra que posee la habilidad de transmitir su estilo trasgresor con inteligencia y sarcasmo. Lamentablemente “Zack y Miri hacen una Porno” no es el mejor ejemplo del talento creativo de este particular cineasta.

El filme tiene un ritmo irregular y gran parte de los chistes no funcionan del todo bien. La historia comienza con desenfado y buen pie pero después de media hora la premisa central comienza a desgastarse y la comicidad pierde fuerza de manera categórica. Una de las grandes fallas de la pieza es que Smith trata de mezclar, sin éxito, su fuerte y escatológico humor con elementos tradicionales de comedia romántica hollywoodense. Este matrimonio de estilos no se traduce en pantalla de forma creíble

Elizabeth Banks posee frescura y la bella actriz muestra buenas aptitudes para la comedia, pero el guión no permite que su personaje llegue a ser memorable. Aquellos que hayan tenido la oportunidad de seguir la meteórica carrera de Seth Rogen se darán cuenta que el actor representa el mismo personaje que interpretó en “Virgen a los Cuarenta”, “Knocked Up”, “Superbad”, y “Pineapple Express”. No hay matices diferentes en ninguna de las mencionadas intervenciones. Aunque no se puede negar que el actor puede llegar a ser bastante gracioso, después de verlo hacer exactamente lo mismo en sus ultimas cinco películas, la experiencia se hace algo tediosa.

En definitiva me parece que “Zack y Miri hacen una Porno” es muy decepcionante si tomamos en cuenta las capacidades de Smith. Aunque con pocas expectativas la película se puede ver sin que resulte una tortura medieval, termina siendo una pieza muy mal acabada que se queda corta en sus intenciones humorísticas y románticas.

Ramiro Cardozo B.-

Antes que el Diablo sepa que has muerto (Before the Devil knows You´re dead).

2009-01-09T06:25:00.000-08:00

Las personas que van a las salas de cine, o tiendas de alquiler, buscando películas ligeras que muestren el lado bondadoso y divertido de sus prójimos, deben mantenerse alejadas de “Antes que el Diablo sepa que has muerto”, una durísima obra que muestra la miseria humana de manera categórica y sin contemplaciones.

A sus ochenta y tantos años el gran Sidney Lumet (12 Angry Men, Serpico, Network, Tarde de Perros) sigue demostrando que es un excelente narrador cinematográfico sin miedo a mostrar el lado oscuro de la naturaleza humana. El veterano cineasta nos cuenta la historia de Hank (Philip Seymour Hoffman) y Andy (Ethan Hawke), un par de hermanos con graves problemas financieros, y emocionales, que deciden robar la joyería de sus padres (Albert Finney y Rosemary Harris). Hank, artífice del plan, considera que el mencionado negocio familiar es un blanco fácil, y convence a Andy aduciendo que sus padres no sufrirían ningún perjuicio económico debido a la indemnización del seguro. De más está decir que nada sale de acuerdo a lo planeado.

Lumet maneja un nivel de tensión que mantiene constante, utilizando el recurso de los flashbacks de manera inteligente y efectiva. El camino que recorren sus personajes luce creíble dentro del contexto en el cual se desenvuelven, y la puesta en escena es austera pero precisa, lo que crea un sentido de incomoda realidad que permanece con el espectador de principio a fin. “Antes que el Diablo sepa que has muerto” tiene suficientes elementos para ser considerada una película de suspenso, pero en mi opinión es un estudio sombrío sobre la capacidad de destrucción que tenemos como individuos.

Philip Seymour Hoffman crea a un yuppie drogadicto, y en crisis financiera, que ha llegado a punto de su vida donde las consideraciones morales y éticas han desaparecido por completo. La razón por la cual Hank resulta tan desagradable es porque el talentoso intérprete lo hace creíble. Al construir a un personaje despreciable cualquier actor corre el riesgo de sobredimensionar sus defectos hasta el punto de deshumanizarlo, pero Hoffman se asegura que Andy luzca real en todo momento y esto es uno de los grandes aciertos del relato. Ethan Hawke se mantiene a la altura de su compañero de reparto. Andy es un perdedor menos complicado que Hank pero igual de patético, y Hawke plasma sus debilidades emocionales con total eficiencia.

Albert Finney realiza una buena labor en el rol de padre de los mencionados hermanos, aunque creo que su personaje no luce totalmente acabado. Lo mismo ocurre con la esposa de Hank interpretada por Marisa Tomei. Aunque la atractiva actriz realiza un buen trabajo (y las escenas en las que aparece como Dios la trajo al mundo se agradecen), su personaje está escrito con poca profundidad y esto hace que su participación resulte algo difusa. Sin embargo, las inconsistencias de estos dos personajes no dañan de manera significativa al relato.

“Antes que el Diablo sepa que has muerto” tiene algunos problemas menores en el guión, escrito por la debutante Kelly Masterson, pero es una historia inquietante con secuencias muy bien logradas que se beneficia con la contribución de Hoffman y Hawke en los roles protagónicos y la incuestionable habilidad de Lumet para confeccionar historias que se quedan grabadas en las mentes de los espectadores.

Ramiro Cardozo B.-

Hancock

2008-08-11T13:18:00.000-07:00

Hancock (Will Smith) es un superhéroe con índices de popularidad bastante bajos. Si bien utiliza sus poderes (capacidad de volar y una fuerza descomunal) para combatir el crimen en la ciudad de Los Ángeles, sus métodos poco elegantes generan enormes perdidas materiales en su comunidad. Aparte de su desastrosa manera de acabar con los villanos, nuestro protagonista es malhumorado, grosero con todas las personas con las que interactúa, y alcohólico. Después de salvar al publicista Ray Embrey (Jason Bateman) de ser aplastado por un tren, el agradecido profesional le ofrece elaborar una estrategia para cambiar su imagen y convertirlo en un héroe querido. Este plan no es muy bien visto por Mary (Charlize Theron), esposa de Ray, quien tiene una actitud reservada hacia Hancock.

Lo descrito en el párrafo anterior suena interesante e incluso bastante prometedor, pero en el cine una buena idea debe ser acompañada por una buena ejecución y es aquí donde “Hanconk” falla. Los primeros cuarenta minutos de la pieza son medianamente decentes, pero al acercarse a la primera hora de metraje la historia comienza a caer en picada. En mi humilde opinión, el director Peter Berg y los escritores Vincent Ngo y Vince Gilligan no terminan de decidir que tono darle a su película. Los elementos románticos, humorísticos, y dramáticos, no logran mezclarse de una forma efectiva e ingeniosa lo que rompe peligrosamente el ritmo narrativo y no permite que el filme tenga una personalidad definida. Por otra parte hay aspectos de los personajes centrales que no terminan de desarrollarse evitando que el transito de los mismos en la historia sea sólido. Para empeorar las cosas, la conclusión es apresurada y sencillamente terrible.

Will Smith y Jason Bateman representan el lado positivo de la obra. Smith se ve cómodo en su papel de errático superhéroe y sigue demostrando que es un actor carismático que logra una afinidad inmediata con el espectador. Por su parte, Bateman desarrolla al bonachón Ray Embrey con solvencia haciendo creíbles las motivaciones de su personaje. Lamentablemente el trabajo de ambos interpretes se ve eclipsado por una torpe construcción cinematográfica y un guión difuso y blando que no sabe hacia donde va. El trabajo de la bellísima Charlize Theron es totalmente olvidable pero esto es más responsabilidad de los guionistas que de la propia actriz. El personaje de Mary es definitivamente el peor confeccionado de la pieza.

“Hancock” tiene uno que otro pasaje simpático y entretenido pero es una obra tan dispersa y mal acabada que nunca termina de arrancar. Una buena idea que lamentablemente se pierde en un desarrollo gris y carente de inspiración.

Ramiro Cardozo B.-

Una Mirada al Pasado: Conspiración del Silencio (Bad Day at Black Rock)

2008-08-05T11:09:00.000-07:00

Un forastero llamado John Macreedy (Spencer Tracy) llega un pequeño pueblo ubicado en el medio del desierto. Su inesperada visita genera nerviosismo y tensión entre los habitantes del lugar. El visitante se encuentra interesado en encontrar a un ciudadano norteamericano de origen japonés que habitó la zona en tiempos pasados, pero su búsqueda se ve obstaculizada por el hermetismo y la falta de cooperación de todas las personas con las que interactúa. A medida que pasan las horas la hostilidad hacia nuestro protagonista se incrementa y comienzan a develarse los detalles de un acontecimiento que los lugareños, encabezados por Reno Smith (Robert Ryan), se empeñan en ocultar.

Esta es la premisa de “Conspiración del Silencio”, una brillante obra que habla sobre las terribles consecuencias del racismo y la intolerancia de una forma elegante y aleccionadora. El legendario director John Sturges (“El Viejo y el Mar”, “El Gran Escape”, “Los Siete Magníficos”) nos ofrece un relato que mezcla de manera asombrosamente efectiva elementos del cine negro, el western, el comentario social, y las novelas de suspenso. El cineasta maneja simbologías, reflexiona sobre la Norteamérica Post Segunda Guerra Mundial, establece paralelismos con la realidad política de los Estados Unidos de la época (la película fue estrenada en 1.955), y lo hace de una forma sencilla, sin jactancias intelectuales, y evitando enredos narrativos. La historia está contada con un tono casi minimalista que se vale de la excelente fotografía, a cargo de William C. Mellor, para crear atmósferas que reflejan el estado anímico de los personajes. Los diálogos son cortos, pero contundentes y cargados de profundidad. En menos de noventa minutos Sturges logra brindar un relato intenso, inteligente y sumamente entretenido.

John Macreedy es una personificación de rectitud, decencia, y racionalidad, y en manos del gran Spencer Tracy estas características se hacen realmente palpables. El actor transmite la innegable fortaleza ética de su personaje con solidez y total entrega permitiendo que el espectador se involucre con su causa desde los minutos iniciales de la pieza. Robert Ryan construye con eficiencia al villano de la historia mostrándonos los prejuicios y la podredumbre mental de un sector de la sociedad incapaz de entender valores como la justicia y la equidad. El resto del reparto que incluye nombres de lujo como Ernest Borgnine, Lee Marvin, y Walter Brennan, realiza una labor uniforme y de gran nivel.

Económica en metraje pero inmensamente rica en contenido “Conspiración del Silencio” es uno de los grandes títulos del cine norteamericano de los años cincuenta y tal vez el mejor trabajo de John Sturges como director. Un filme que, gracias a su fuerza narrativa e impecable construcción, se mantiene fresco y totalmente vigente en nuestros días.

Ramiro Cardozo B.-

Petróleo Sangriento (There Will Be Blood)

2008-04-23T12:44:00.000-07:00

Dirigida por el talentoso Paul Thomas Anderson (Boggie Nights, Magnolia, Punch Drunk Love) “Petróleo Sangriento” nos introduce en la vida de Daniel Plainview (Daniel Day Lewis) un hombre que se dedica a buscar yacimientos de Petróleo a principios del siglo XX convirtiéndose, en el transcurso de los años, en un poderoso magnate con un evidente menosprecio hacia el resto de sus congéneres. Plainview es presentado como una especie de astuta ave de rapiña dispuesta a todo por conseguir lo que se propone. Sus pocas manifestaciones de emotividad afloran en todo lo relacionado con su hijo HW (Dillon Freasier, Russell Harvard). Sus demonios internos y el peligroso alcance de su codicia se hacen más evidentes cuando interactúa con el joven pastor sediento de protagonismo Paul Sunday (Paul Dano), guía espiritual de una comunidad asentada en tierras de alto valor mineral

“Petróleo Sangriento” es un filme soberbio desde el punto de vista formal. Visualmente la pieza logra crear un mundo oscuro y enigmático que en cierta medida es el reflejo del alma de Plainview. Todo lo que se plasma en pantalla luce artísticamente lúgubre lo que pronostica tragedia. Muchos aspectos del relato, sobre todo en lo que se refiere a construcción del personaje central, muestran similitudes con “El Ciudadano Kane” de Orson Welles. Daniel Plainview y Charles Foster Kane pudieron haber sido hermanos criados con los mismos valores (tal vez falta de valores sea una frase mas apropiada). El filme se adentra en la enredada psiquis del protagonista brindando un interesante retrato de un hombre consumido por el poder cuya incapacidad para relacionarse termina aislándolo del mundo e incluso de sí mismo.

Daniel Day Lewis, en el rol protagónico, realiza una labor sencillamente descomunal. La fuerza interpretativa que el actor irlandés despliega es realmente sorprendente. Lewis se desdobla para habitar a plenitud la piel de Plainview creando un personaje difícil de olvidar. Si bien es cierto que Anderson construye de forma inspirada su filme, es Day Lewis quien, en mi opinión, hace que “Petróleo Sangriento” sea una cita obligada. Paul Dano, como el religioso de moralidad ambigua Paul Sunday, trata de mantenerse a la altura de las circunstancias pero creo que sus ganas son mayores que su talento. En algunos momentos el joven actor luce algo sobreactuado y en el clímax de la historia su desenvolvimiento se ve microscópico al lado de Day Lewis. Se puede argumentar que es mucho pedir que este novel actor quede bien parado ante la enorme habilidad histriónica de su compañero de reparto, pero en algunos momentos pensé en otros jóvenes talentos que podían haber hecho un mejor trabajo (Emile Hirsh quien recientemente brindó una brillante actuación en “Into The Wild” de Sean Penn es un buen ejemplo), y esto es un síntoma de que Dano se queda un poco corto en sus intenciones.

Es indudable que “Petróleo Sangriento” es una película importante con atributos artísticos de altísimo nivel pero creo que su ritmo no es siempre fluido y su metraje algo excesivo. Aparte de la no muy convincente actuación de Paul Dano me parece que su personaje no se encuentra muy bien escrito. Las motivaciones del pastor Paul Sunday nunca están claramente definidas y eso le resta contundencia a su intervención en la historia. Sin embargo los aspectos psicológicos (y sicóticos) de Plainview son suficientemente interesantes como para cubrir estas fallas.

Paul Thomas Anderson siempre ha sido afecto a los relatos densos y complejos y hasta la fecha esta es su película más ambiciosa (aunque no estoy seguro que sea su mejor). Excelsa en lo artístico aunque un poco fría e inconstante en algunos pasajes “Petróleo Sangriento” es una pieza, atípica en el cine norteamericano de nuestros días, que exige algo de paciencia pero logra ofrecer varios elementos de mucho brillo. Para concluir, pienso que estamos en presencia de una obra fácil de admirar pero algo distante como para ser amada sin condiciones.

Ramiro Cardozo B.-

American Gangster

2008-02-15T14:49:00.000-08:00

“American Gangster” nos cuenta la historia de dos personajes que se encuentran en lados opuestos de la ley: Frank Lucas (Denzel Washington), un criminal que se convierte en el Rey de la Heroína en el Harlem en los años setenta, y Richie Roberts (Russell Crowe), el empecinado detective de narcóticos que le sigue la pista.

El filme, basado en eventos reales, nos presenta a Lucas cuando aún era el hombre de confianza de su tutor y mafioso de vieja escuela Bumpy Johnson (Clarence Williams III). Tras la muerte de Johnson nuestro protagonista comienza a evolucionar dentro del mundo delictivo estableciendo contactos directos con productores de heroína en Vietnam y transportando la mercancía con la complicidad de soldados norteamericanos. Esta relación comercial sin intermediarios permite a Lucas vender un producto de altísima pureza (que distribuye bajo el nombre de “Blue Magic”) a la mitad del precio de sus competidores lo que lo convierte en un magnate de sustancias ilegales. Richie, que además de ser detective se encuentra estudiando leyes y llevando una desordenada vida personal, comienza a seguirle la pista a esta nueva droga que circula en las calles tratando de identificar al máximo jefe dentro de la red de tráfico y distribución de la misma.

Gracias a una ágil dirección del veterano Ridley Scott y las impecables interpretaciones de Washington y Crowe “American Gangster” logra ser un filme entretenido que se mueve con fluidez y dinamismo. La época en la que transcurre la historia es recreada de una forma más que competente y Scott imprime intensidad a sus imágenes manteniendo involucrados a los espectadores de principio a fin. Todo lo que se refiere a la carrera criminal de Lucas y a la investigación llevada a cabo por Richie es presentado con contundencia y de forma interesante. Hay algunos pasajes donde el guión, escrito por Steven Zaillian, muestra ciertas debilidades sobre todo en el desarrollo de los personajes femeninos. La esposa de Lucas (Lymari Nadal) y la ex mujer de Richie (Carla Gugino) se encuentran pobremente construidas y no aportan mayor cosa a la historia. La madre del criminal, aunque bien interpretada por la octogenaria Ruby Dee, también luce unidimensional. Pero los puntos flojos del filme son neutralizados por el buen oficio que el talentoso Scott demuestra como conductor del relato.

Denzel Washington derrocha carisma como el mafioso que manteniendo un bajo perfil llega a convertirse en un hombre altamente poderoso. Su personaje es una especie de Padrino que profesa altos valores familiares pero que no repara en utilizar la violencia para eliminar cualquier problema que se le presente. De los dos protagonistas Washington tiene el rol de mayor brillo en el filme y el experimentado intérprete no desaprovecha la oportunidad para lucirse. Russell Crowe desarrolla al Detective Richie Roberts de una forma más contenida pero siempre convincente. Utilizando un aspecto desaliñado, e imprimiéndole a su papel cierto aire de nerviosismo, el actor neocelandés logra transmitir a cabalidad un agudo olfato policial y una persistencia a toda prueba. El resto del reparto realiza una uniforme y sólida labor, destacando Chiwetel Ejiofor como uno de los hermanos de Lucas y Josh Brolin en el rol del corrupto detective Trupo.

“American Gangster” no rompe esquemas en lo que se refiere a historias criminales pero es un filme correcto, muy bien cuidado en su aspecto visual, que se desarrolla con coherencia y un solvente ritmo narrativo. Si bien no se encuentra al nivel de joyas como “El Padrino” o “Buenos Muchachos” es una película que merece ser vista y que seguramente dejará satisfechos a los amantes del género.

Ramiro Cardozo B.-

La Vida de los Otros (Das Leben der Anderen)

2008-01-21T14:12:00.000-08:00

Dirigida y escrita por el debutante Florian Henckel von Donnersmarck “La Vida de los Otros” nos traslada a los últimos años del sistema socialista de Alemania Oriental para contarnos una historia de intromisión gubernamental en la vida de una pareja de intelectuales, el escritor Georg Dreyman (Sebastián Koch) y la Actriz Chrsita-Maria Sieland (Martina Gedeck), quienes tratan de mantenerse activos dentro de un ordenamiento que fiscaliza cualquier tipo de manifestación artística cercenando aquellas actividades creativas que puedan ser contrarias a sus doctrinas.

La vida de los mencionados creadores es minuciosamente documentada por el funcionario de la Stasi (Policía Secreta de la Alemania Socialista) Capitán Gerd Wiesler (Ulrich Mühe) quien se encuentra convencido que Dreyman está involucrado en movimientos subversivos. A medida que avanza la investigación este abnegado socialista comienza a ver de cerca las contradicciones e hipocresías de un régimen al que ha dedicado toda su vida. Poco a poco la función de garante de un régimen autoritario comienza a desvirtuarse dentro del espíritu de un hombre cuya vida es triste e implacablemente solitaria. Wiesler comienza a experimentar respeto por Dreyman y a sensibilizarse ante la difícil situación de Sieland quien se encuentra a merced de los apetitos sexuales de un alto funcionario del gobierno. De forma paulatina y absolutamente creíble el verdugo de la pareja se transforma en una especie de guarda espaldas que trata, a medida de sus posibilidades, de evitar que sus investigados sean puestos a la orden del régimen.

“La Vida de los Otros” es un filme prácticamente perfecto que logra mezclar elementos emotivos e intelectuales de una manera realmente admirable. Todos los aspectos de la obra se encuentran confeccionados con cuidado y sublime elegancia. La atmósfera represiva se construye sin efectismos y todo lo relacionado con las investigaciones de la Stasi se recrea en concordancia con las autenticas estrategias utilizadas por esta institución en tiempos en que la democracia era una mera fantasía. Las situaciones que el filme plasma se desarrollan de una manera intima y siempre envolvente. Uno de los mayores aciertos de Von Donnersmarck es no dejar que los factores políticos e ideológicos de la historia eclipsen el elemento humano. El trío protagónico es el motor de la pieza y el joven director se asegura de crear individuos creíbles con los que el espectador se pueda identificar sin reservas.

Sebastián Koch construye el personaje de Dreyman con solidez imprimiéndole ética y honestidad. Martina Gedeck realiza una excelente labor como una mujer obligada a actuar en contra de sus principios y emociones. Ulrich Mühe (quien lamentablemente falleció victima de cáncer en Julio del 2007) se desenvuelve de una manera sencillamente impresionante. El inspirado interprete transmite los cambios internos del Capitán Gerd Wiesler de una manera conmovedora y casi sin mediar palabra. Utilizando un lenguaje corporal, que se centra en la mirada como principal instrumento de expresión, Mühe logra plasmar en la pantalla los conflictos morales de su personaje con absoluta transparencia y naturalidad permitiéndonos ser participes de un cambio de perspectiva donde termina ganando la humanidad sobre las posturas políticas. Un trabajo que seguramente pasará a la posteridad como un contundente ejemplo de excelencia histriónica.

“La Vida de los Otros” es un filme sin debilidades que recrea un periodo oscuro y asfixiante de la historia alemana. La pieza ciertamente posee elementos tristes y sombríos pero se encuentra desarrollada de una manera sensible e inspiradora que permanecerá en la memoria de los amantes del buen cine. Excelente desde todo punto de vista.

Ramiro Cardozo B.-

El Cantante

2007-11-05T15:37:00.000-08:00

Hector Lavoe es sin duda uno de los artistas más representativos de la música caribeña y uno de los pilares de esa fusión de ritmos latinos (son, guaracha, merengue, guajira, mambo, etc.) que se bautizó como Salsa. La evolución profesional de Lavoe, su convulsionada existencia, y el arraigo que su obra generó en miles de fanáticos constituyen una enorme fuente para producir una película interesante y apasionada donde se puedan analizar los distintos impulsos (nobles y oscuros) del genio creador de este legendario boricua.

“El Cantante”, dirigida por León Ichaso, pretende ser la biografía cinematográfica de Lavoe y en mi opinión fracasa rotundamente. El filme solo nos dice que su protagonista era un drogadicto famoso que estaba casado con una mujer con la que compartió una vida llena de excesos que lo llevaron a una tumba prematura. Hasta aquí llega la visión de Ichaso a quien parece no interesarle plasmar los distintos elementos que hicieron de Lavoe un artista único. En ningún momento la obra nos habla con coherencia sobre su desarrollo profesional, sus sensibilidades artísticas, o las relaciones que permitieron que su particular talento explotara de forma definitiva. Willie Colon (John Ortiz) y Johnny Pacheco (Nelson Vázquez), quienes fueron personajes claves en la vida de Lavoe, son presentados en la película con una superficialidad que puede resultar ofensiva para los estudiosos y amantes de la Salsa. Es cierto que Colon aparece en buena parte del filme pero está desarrollado de manera unidimensional y en manos de Ortiz parece más un narcotraficante que un artista que por merito propio llegó a convertirse en un icono de la música latinoamericana.

Por otro lado el hundimiento de nuestro protagonista en el mundo de las drogas se encuentra tratado con una buena dosis de amarillismo lo que evita que sus demonios internos sean ilustrados con seriedad y respeto. La relación amorosa entre Lavoe (Marc Anthony) y su esposa Puchi (Jennifer Lopez) se construye a través de tediosas peleas y reconciliaciones que no ahondan en los problemas de fondo de la pareja. El personaje de Puchi es lineal y aburrido y el empeño de Ichaso en convertirla en una figura central hace que la importancia de Lavoe sea reducida criminalmente. En el plano visual la obra ofrece una estética de video clip que luce trillada y en líneas generales bastante vulgar.

Marc Anthony carece del rango para desarrollar un personaje tan complejo como contradictorio, y la Lopez, sin llegar a ser terrible, no logra meterse de lleno en la piel de su personaje. El resto de los intérpretes realizan una labor desigual y completamente olvidable. Lo único rescatable de esta pieza es su música, pero esto es merito del estupendo legado sónico del gran Hector Lavoe y el grupo de artistas que le acompañaron en su aventura creativa.

Es una lastima que un personaje de tantos matices como Lavoe haya sido tratado con este nivel de mediocridad. Esperemos que en un futuro cercano algún cineasta con talento y sensibilidad pueda brindarnos un relato que aborde con profundidad e inteligencia la agitada vida de este inolvidable talento puertorriqueño que para muchos sigue siendo el Rey de la Salsa.

Ramiro Cardozo B.-

Una Mirada al Pasado: Perros de Paja (Straw Dogs)

2007-10-24T13:33:00.000-07:00

Poniéndome algo filosófico creo que “Perros de Paja” se podría definir como una profunda inmersión en la naturaleza violenta del hombre. El filme dirigido por el talentoso y rebelde Sam Peckinpah originó una gran polémica en el momento de su estreno (1971) incluso llegando a ser prohibida en Inglaterra y otros lugares del globo. Los detractores de la obra la catalogaron como machista, misógina, inmoral, y gratuita en cuanto a la escenificación de sus episodios violentos. Pero a pesar de los comentarios negativos de la época la película es considerada por muchos como una obra maestra y una de las mejores piezas de su director (generalmente detrás de la magnifica “La Pandilla Salvaje”).

En mi humilde opinión esta incomoda pero lucida mirada a los instintos primitivos de los seres humanos no tiene nada de gratuito. Peckinpah utiliza la ultra violencia para hablar de temas como la ambigüedad moral de nuestras sociedades, el poder destructivo de la irracionalidad, la hipocresía de los discursos religiosos, y la eterna lucha por el poder que se establece entre las parejas.

El filme nos cuenta la historia del matemático norteamericano David Summer (Dustin Hoffman) y su esposa Amy (Susan George) quienes se instalan en el pequeño pueblo natal de la joven (ubicado en la provincia inglesa). David ha recibido una beca para realizar un proyecto de investigación y a la pareja le parece que la tranquilidad campestre puede ser idónea para que nuestro académico realice su actividad intelectual. Pero los lugareños, entre los cuales está incluido un antiguo novio de Amy, sienten la presencia de David como una intromisión en su estilo de vida y comienzan poco a poco a demostrar su desagrado. La tensa situación se aviva con continuos desencuentros conyugales y una peligrosa actitud provocadora que la hermosa mujer asume cuando está cerca de los toscos habitantes del pueblo.

Peckinpah comienza su relato de una manera pausada para luego apretar las clavijas narrativas e introducirnos en un mundo extraño y hostil que no permite concesiones. Todo lo que acontece al inicio y en la parte media de la pieza presagia una conclusión trágica y explosiva que el director construye de una manera aterradoramente eficaz. En el clímax de la obra vemos a un civilizado hombre de ciencia convertido en un guerrero medieval que decide defender su casa hasta las últimas consecuencias sin que esta estructura tenga un significado de hogar o familia. En el caso especifico de David, quien ha sido empujado hasta el límite, la casa simboliza su masculinidad y su resguardo es cuestión de vida o muerte.

La persona mas ambigua de la pieza es Amy quien no asume una posición definida ni frente a su esposo ni frente a los predadores que la acechan. Esta indeterminación incluso se hace presente en una controvertida secuencia de ultraje donde Amy expresa una rara combinación de sufrimiento, indignación, y placer que no permite que podamos descifrarla con facilidad. Peckinpah diseña a sus personajes sin indulgencias desnudando sus contradicciones y complejidades de una manera cruda pero muy real.

“Perros de Paja” es un filme difícil y nada complaciente que no permite la indiferencia e ilustra de manera maestra las nefastas consecuencias de la violencia desbordada. Una cruda y brillante visión de un artista despiadadamente humano.

Ramiro Cardozo B.-

Tú me Matas (You Kill Me)

2007-10-24T13:27:00.000-07:00

“Tú me Matas” es una comedia de moral distraída que cuenta la historia de Frank Falenczyk (Ben Kinsley), un asesino a sueldo que trabaja para la mafia polaca radicada en la ciudad de Búfalo. Frank tiene un problema con la bebida que está afectando seriamente su desempeño laboral lo que obliga a su jefe, el capo Roman Krzeminski (Philip Baker Hall), a tomar medidas para que Frank regrese a la sobriedad y recupere sus habilidades profesionales. Las mencionadas medidas incluyen un traslado a la ciudad de San Francisco, sesiones diarias en Alcohólicos Anónimos, y un empleo legitimo en una funeraria. A esta situación se le suma la fuerte atracción que nuestro protagonista siente por Laurel (Téa Leoni), una hermosa e irónica mujer que conoce en un velorio.

El filme, dirigido con buen oficio por John Dahl, se desarrolla de una forma ligera y elegante. Aunque su humor es predominantemente negro y se burla de unos cuantos convencionalismos sociales la historia evita acercarse al terreno de la sordidez o la comedia desenfrenada. El ritmo es pausado pero siempre cercano y amable. El guión (firmado por Christopher Markus y Stephen McFeely) está lleno de agudeza e ironía pero logra mantener cierta dulzura y candidez en lo que se refiere a la relación romántica que se establece entre Frank y Laurel.

El buen ritmo humorístico del filme no busca que el espectador explote en carcajadas pero sí que pase un rato agradable y diferente con un asesino considerado que se recrimina por no haber eliminado a algunas de sus victimas de una manera limpia y rápida o que trata de ser honesto con la mujer por la que se siente atraído. Los intentos de Frank por superar su alcoholismo y tener una actitud transparente con Laurel se encuentran orquestados con chispa y fino humor. Tal vez algunos espectadores puedan pensar que el enfoque que se le da a la figura de un asesino no es muy realista pero la intención del filme es precisamente la de buscar una ruta graciosa y liviana a la nada noble actividad de quitar vidas.

El más que talentoso Ben Kingley se mueve con absoluta soltura en el papel protagónico. El actor le brinda accesibilidad a su personaje y permite que los espectadores se involucren con él desde el principio. La hermosa Téa Leoni en el papel de Laurel demuestra un afilado instinto para la comedia además de mezclar ironía, atractivo, e inteligencia de forma efectiva y equilibrada. La creíble interacción de ambos intérpretes es una de las mayores fortalezas del filme. El resto del reparto, que incluye a Luke Wilson, Bill Pullman, Dennis Farina, y el ya mencionado Philip Baker Hall, realiza una muy buena labor que evita cualquier fisura desde el punto de vista histriónico.

“Tu me Matas” es un filme modesto que no busca llamar la atención de audiencias masivas, pero para aquellos que valoran el humor inteligente, mordaz, refinado, y con toques de romanticismo poco ortodoxo esta es una opción muy recomendable.

Ramiro Cardozo B.-

Una Mirada al Pasado: Sueños de Fuga (The Shawshank Redemption)

2007-10-05T11:56:00.000-07:00

Si se hiciera imperante ubicar a “Sueños de Fuga” dentro de un género cinematográfico específico, este sería el de Drama Carcelario, pero esta inolvidable cinta, dirigida por Frank Darabont e inspirada por un cuento corto de Stephen King, trasciende los límites de una clasificación rígida y se convierte en una historia universal sobre la esperanza, la amistad, y la fortaleza del espíritu humano, aun en las condiciones mas precarias.

Sin dar detalles reveladores, la película cuenta la historia de Andy Dufresne (Tim Robbins), un educado ejecutivo bancario que es condenado a cadena perpetua. La adaptación de Dufresne al violento mundo de la prisión, su particular manera de lidiar con su realidad, y el inquebrantable lazo de amistad que establece con un recluso apodado Red (Morgan Freeman) son los elementos centrales del relato.

Darabont dirige de una forma sobria estableciendo una cadencia pausada pero siempre interesante y envolvente. Gracias a un exquisito guión (adaptado por el propio Darabont) ningún elemento de la historia luce fuera de lugar, lo que crea una fuerte conexión entre el espectador y todo lo que transpira en pantalla. La dirección artística y la fotografía son de primera línea construyendo atmósferas que en algunas escenas alcanzan niveles de gran belleza estética (algo notable tomando en cuenta que casi toda la obra se desarrolla en una cárcel).

Tim Robbins construye el papel de Dufresne de una forma cabal e introspectiva, haciendo creíbles las motivaciones emocionales del personaje y las distintas decisiones que toma a lo largo de los años de reclusión. En mi opinión, esta es, hasta la fecha, la mejor interpretación en la carrera de Robbins (superior a su galardonada, y sobrevalorada intervención en “Río Místico” de Clint Eastwood).

Como Red Morgan Freeman está sencillamente esplendido. El actor irradia un magnetismo y una fuerza interna fuera de serie. Cada gesto, cada frase pronunciada, cada emoción manifestada, cada movimiento de su personaje, están ejecutados con una entrega total. Siendo el narrador de la historia Red es el motor emotivo de la pieza y Freeman asume esa responsabilidad con una habilidad que conmueve e inspira. Una actuación de antología.

El resto de los actores involucrados (Bob Gunton, Clancy Brown, Gil Bellows, William Sadler, etc.) realizan una labor eficiente dando vida y credibilidad a sus respectivos personajes. Merece una mención especial el veterano James Whitmore quien encarna a Brooks, un anciano que después de cincuenta años de encierro es puesto en libertad. El otoñal intérprete ofrece una triste pero brillante interpretación digna de todos los elogios.

A pesar de desarrollarse en una institución carcelaria donde la violencia y la extrema injusticia son elementos predominantes, esta es una obra profundamente hermosa que logra transmitir un inmenso amor por la vida sin caer en cursilerías ni artificios sensibleros.

Tras trece años de su estreno, “Sueños de Fuga” sigue siendo una excelente recomendación cinematográfica, y uno de los mejores títulos del cine norteamericano de los últimos tiempos.

Ramiro Cardozo B.-

Crimen Perfecto (Fracture)

2007-09-20T07:25:00.000-07:00

"Crimen Perfecto” es una obra de suspenso, ejecutada de una forma un tanto irregular, que se ve beneficiada por el impecable desempeño de su dúo protagónico. El filme nos cuenta la historia de Ted Crawford (Anthony Hopkins) un poderoso empresario que después de conocer la infidelidad de su esposa le dispara a quemarropa dejándola en estado comatoso. Crawford se entrega a las autoridades sin ningún tipo de resistencia y la fiscalía asigna al joven abogado Willy Beachum (Ryan Gosling) para que logre el veredicto de culpabilidad. Beachum, quien se encuentra a punto de abandonar el ejercicio público para ingresar en una prestigiosa firma legal, asume el caso como un procedimiento de rutina donde el esposo traicionado no tiene ninguna posibilidad de demostrar su inocencia. Pero Crawford tiene un as bajo la manga que puede dejarlo en libertad.

La película está manejada como una especie de juego de habilidades entre el acusado y el acusador donde el primero tiene una amplia ventaja sobre el segundo. Crawford poco a poco se va presentando como un astuto y calculador individuo que ha elaborado un plan para derrotar al sistema legal utilizando sus propios tecnicismos, y Beachum va perdiendo su prepotente seguridad inicial al darse cuenta que las evidencias en contra de Crawford se desvanecen a medida que avanza el proceso.

El filme dirigido por Gregory Hoblit tiene el mérito de mantener una atmósfera de misterio desde que comienza hasta que termina ya que logra esconder elementos claves sin ofender de manera descarada la inteligencia del espectador. Sin embargo hay componentes en el plan de Crawford que parecen depender demasiado de la casualidad, y existe por lo menos un giro argumental que no luce muy creíble. Otro punto negativo es que los aspectos personales de la vida Beachum son manejados con poca destreza lo que produce que se vean inconclusos y no aporten mucho a la trama central.

La interacción entre los personajes principales es lo más interesante de esta pieza. El brillante Anthony Hopkins se desenvuelve con absoluta solvencia creando una serena perversidad que logra inquietar al espectador, y Gosling trasmite a cabalidad la impotencia y frustración de un joven abogado que se ve vulnerado en el juego legal que cree manejar casi a la perfección. En los momentos en que comparten escena ambos intérpretes se nutren el uno del otro construyendo una dinámica que mantiene el interés en el combate de voluntades que se establece entre sus personajes. El trabajo de esta pareja eleva la calidad de la obra y compensa algunas de sus deficiencias.

“Crimen Perfecto” posee varias inconsistencias que se pueden identificar sin mucho esfuerzo, pero el filme logra mantener un decente nivel de intriga y ofrece un atractivo duelo histriónico que vale la pena ver.

Ramiro Cardozo B.-

Ratatouille

2007-09-14T08:46:00.000-07:00

Remy es una rata muy inusual ya que detesta alimentarse de basura y posee un enorme talento para crear suculentos manjares. Su gran pasión por la cocina lo conduce a un conocido restaurante fundado por el fallecido chef parisino Gusteau (ídolo de Remy). En el establecimiento nuestro roedor conoce a Linguini, un joven asistente con una intuición culinaria bastante limitada. Después de algunas peripecias esta extraña pareja comienza a trabajar en equipo elevando la calidad del restaurante y despertando la curiosidad del exigente, y temido, critico de cocina Antón Ego.

Esta divertida premisa es manejada con absoluta maestría por el director Brad Bird (Los Increíbles) y el equipo de artistas de Pixar quienes demuestran una vez más que se encuentran en la estratosfera creativa del mundo de la animación. Bird (quien también es el guionista de la pieza) logra combinar de manera perfecta el entretenimiento infantil con una sensibilidad adulta donde abunda la inteligencia, la originalidad, y el respeto por el espectador.

En el plano visual esta es la obra animada técnicamente más sólida que he visto hasta la fecha. Todo lo que aparece en pantalla es un autentico festín para los ojos. Pero la fuerza del filme radica en la combinación del virtuosismo digital con una historia contada con cuidados detalles donde todos los personajes se encuentran muy bien definidos. Las motivaciones de todos los involucrados en el relato se expresan con elocuencia y con una emotividad que en todo momento luce genuina. El filme habla sobre la amistad, la pasión interior, la importancia de ser fiel con uno mismo, el mágico poder de la creatividad, y muchos otros temas (solidaridad, familia, etc) de una forma sencilla pero llena de sabiduría.

La utilización de la figura de la rata (uno de los animales que produce mayor aversión en los seres humanos) como instrumento generador de sublimes obras gastronómicas es una peculiar manera de decir que la genialidad puede venir de lugares insospechados y que no se puede clasificar ni definir a través de preconcepciones o pensamientos inflexibles. La historia critica los prejuicios que no nos permiten ver la belleza en aquello que no entendemos, y lo hace de forma magistral.

“Ratatouille” es una verdadera joya desde cualquier punto de vista. Una hermosa película hecha con toneladas de corazón que se ven respaldas por una admirable confección cinematográfica.

Ramiro Cardozo B.-

Seduciendo a un Extraño (Perfect Stranger)

2007-09-11T07:23:00.000-07:00

La incisiva reportera Rowena Price (Halle Berry) comienza a investigar el asesinato de una amiga de la infancia. El principal sospechoso del crimen es el poderoso magnate de la publicidad Harrison Hill (Bruce Willis) quien mantuvo una aventura sexual con la fallecida. Con la ayuda de su amigo Miles (Giovanni Ribisi), experto en computación y hábil hacker, Rowina se infiltra en el mundo corporativo manejado por Hill para de esta manera encontrar evidencias que demuestren su culpabilidad.

La descripción que acabo de hacer de la trama central es bastante común y no suena muy prometedora, pero les aseguro que leer esa insípida sinopsis puede ser mas emocionante que tener que soportar las casi dos horas de absoluta mediocridad que la obra ofrece. Decir que “Seduciendo a un Extraño” es terrible es expresarse de una forma amable y extremadamente considerada.

El filme ha sido mercadeado como una obra llena de suspenso y erotismo, y la realidad es que ambos elementos se encuentran totalmente ausentes. El director James Foley (quien parece haber perdido todo el talento que demostró a principios de los 90 con la estupenda Glegarry Glen Ross) falla en construir una atmósfera que logre generar intriga o algún tipo de tensión sexual que luzca creíble. Todo lo que sucede en la película es forzado, aburrido, y torpe. Los distintos giros en el argumento son presentados con tanta ineptitud que en lugar de producir sorpresa provocan risas o lastima.

En el papel protagónico Halle Berry está sobreactuada desde principio a fin. La actriz no convence ni siquiera por algunos segundos. Desempeños como este pueden arruinar una carrera que últimamente ha estado plagada de desaciertos. En lo que se refiere a sus compañeros de reparto Bruce Willis parece estar posando para un comercial de licores, y Giovanni Ribisi se desenvuelve sin convicción construyendo una caricatura irritante y estereotipada. Este trío realiza una labor realmente decepcionante.

Para mantener uniformidad en el bajo nivel cinematográfico, los elementos técnicos son bastante pobres. No hay nada en la fotografía, edición, y dirección artística que pueda ser destacado de una manera positiva. En conclusión estamos ante una película pésima que no merece la inversión de tiempo y dinero.

Ramiro Cardozo B.-

Disturbia

2007-08-15T11:34:00.000-07:00

“Disturbia” es la versión juvenil de “La Ventana Indiscreta” de Alfred Hitchcock. La pieza no logra acercarse ni a diez mil años luz a la excelencia de su fuente original pero, a pesar de varias inconsistencias, posee buen ritmo, algunos momentos de tensión bien logrados, y una buena labor protagónica del joven y talentoso Shia LaBeouf.

Después de golpear a su profesor de español un adolescente de 17 años llamado Kale (LaBeouf) es sentenciado por una corte de menores a cumplir un arresto domiciliario por un periodo de tres meses. La policía coloca un dispositivo (en uno de sus tobillos) que acciona una alarma en el caso de que el muchacho traspase los límites de la propiedad en que habita. Para sobrellevar su reclusión nuestro protagonista se dedica a espiar las casas aledañas y comienza a sospechar que uno de sus vecinos (David Morse) es un asesino en serie. El argumento central es condimentado por una relación romántica que nace entre Kale y una joven recién llegada al vecindario (Sarah Roemer).

La intención de “Disturbia” de ser una película de suspenso “light” es evidente desde el principio. El target de la pieza es sin duda el publico adolescente y por esta razón el filme dosifica los niveles de densidad o sordidez que generalmente acompañan a las historias que hablan de un ser enfermo que se dedica a asesinar a jóvenes mujeres. El villano de la pieza es un personaje unidimensional al que no se analiza a lo largo del metraje, y todo se maneja desde una perspectiva bastante simple que no convencerá a los espectadores más exigentes. Sin embargo, hay algo que este filme tiene a su favor: No aburre. Los acontecimientos se desarrollan con fluidez y LaBeouf se desenvuelve con una solidez que no permite que perdamos interés en su personaje. Otro aspecto que funciona es la relación romántica que se establece entre Kale y su vecina. LaBeouf y Roemer generan suficiente química para que su interacción se sienta real y fresca.

El problema más significativo de “Disturbia” es su clímax. Los minutos culminantes del filme traicionan el tono de intriga suave y entretenimiento sencillo que se establece desde los inicios de la pieza. El director D.J Caruso cierra su obra con una confrontación violenta donde el héroe termina siendo el verdugo del villano. Esta secuencia se encuentra escenificada de una forma tosca y absolutamente convencional lo que representa un quiebre abrupto (y poco inteligente) en la decente dinámica que antecede a esta embarazosa conclusión.

Pero a pesar de su falta de firmeza en algunos pasajes y su pobre final, el filme tiene momentos emocionantes que captan la atención y en líneas generales divierten. No es una gran película pero se puede ver si lo que se busca es un entretenimiento ligero que no exija la utilización de muchas neuronas.

Ramiro Cardozo B.-

Tsotsi

2007-08-01T14:05:00.000-07:00

Un criminal apodado “Tsotsi” (que en la dialéctica surafricana significa gangster o asesino) roba un vehiculo después de disparar a su propietaria en un vecindario pudiente de la ciudad de Johannesburgo. Luego de salir huyendo se percata que dentro del automóvil se encuentra un bebe recién nacido. Esta circunstancia permite que este frío delincuente comience a reflexionar sobre su existencia y se reencuentre con su humanidad.

Dirigida con gran sensibilidad por Gavin Hood, “Tsotsi” es una historia austera en metraje y diálogos pero rica en profundidad y poesía visual. Con pocas palabras, un notable trabajo fotográfico, y la inspirada intervención del joven actor Presley Chweneyagae el filme llega a conmover con honestidad y sencillez. Los cambios interiores que se producen en el protagonista lucen genuinos y todo lo que acontece en pantalla fluye con muy buen ritmo. Además de retratar con eficacia la transformación emocional de un ser marginal que trata de hallarse a sí mismo, el filme plasma con elocuencia la realidad de una sociedad surafricana de bruscos contrastes sociales donde la opulencia y la absoluta miseria conviven a pocos pasos de distancia.

Otro aspecto bien logrado de la pieza es que redime a su personaje central de forma creíble sin ser condescendiente en lo que respecta a las acciones delictivas que ha cometido. Al final del relato llegamos a respetar a Tsoti por hacer lo correcto en un momento especifico de su vida y comprendemos los elementos sociales que contribuyeron a que se convirtiera en un criminal, pero la bien llevada narrativa del filme no nos permite olvidar que sus actos merecen castigo y que nuestro protagonista debe asumir las consecuencias de su comportamiento antisocial.

Todos los miembros del reparto realizan una labor digna en sus respectivos papeles, pero es Presley Chweneyagae, como Tsotsi, quien se lleva los mayores honores. El actor brinda una interpretación realmente memorable logrando transmitir, a través de un lenguaje predominantemente corporal, los conflictos emocionales y morales de su personaje. No hay nada en el desempeño de este actor que luzca forzado o fuera de lugar. Un trabajo merecedor de todos los elogios.

“Tsotsi” es un filme hecho con dosis equilibradas de inteligencia, corazón, y buen oficio cinematográfico. Una hermosa y muy bien contada historia que trata su duro tema central con elegancia y profundo respeto. Muy recomendable.

Ramiro Cardozo B.-

Ahora son Trece (Ocean´s Thirteen)

2007-07-19T08:00:00.000-07:00

La Gran Estafa (Ocean´s Eleven) fue un entretenimiento amable hecho con inteligencia y buen gusto. Su segunda parte (Ocean´s Twelve), en mi humilde opinión, cayó en la mediocridad presentando una total carencia de inspiración cinematografica. Gracias a este desatinado filme mis esperanzas de calidad para una tercera entrega eran muy escasas para no decir nulas. Sin embargo, y después de escuchar algunos comentarios positivos, decidí arriesgarme a ver “Ahora son Trece” y debo decir que el talentoso cineasta Steven Soderbergh ha logrado confeccionar una obra que no se toma para nada en serio y logra divertir durante sus casi dos horas de metraje.

La trama es una bufonada y no un intento de construir de manera creíble los detalles de una estafa. Todo lo relacionado al plan para robar un nuevo hotel propiedad del deshonesto magnate del juego Willy Bank (Al Pacino) carece de verosimilitud, pero Soderbergh se asegura de guiñarle el ojo al espectador desde el principio dejando claro que pretende sobredimensionar situaciones solo para hacernos pasar un rato simpático y sin mayores pretensiones.

El elenco es esencialmente el mismo de las dos primeras entregas exceptuando a Julia Roberts y Catherine Zeta Jones cuyas ausencias no causan ningún tipo de daño a esta nueva historia. Las adiciones son Ellen Barkin que disfruta la oportunidad de burlase de sí misma, y el ya mencionado Pacino quien lleva a cabo el papel de villano a cabalidad pero sin el brillo que generalmente caracteriza a este legendario interprete. También los acompaña David Paymer en el rol de un evaluador de hoteles con una mala fortuna que se revierte en la etapa final del filme. Todos los actores que repiten (encabezados por George Clooney, y Brad Pitt) realizan una buena labor como miembros de una banda de criminales con buen corazón. Cada uno de los involucrados tiene la oportunidad de brindar momentos llenos de un humor liviano e incluso ingenuo que se mantiene constante de principio a fin. Soderbergh evita intelectualizar situaciones y crea una atmósfera cordial accesible para todo tipo de público. Cabe destacar que la fotografía, dirección artística, y edición son de primer nivel lo que otorga a la pieza un estilo visual atractivo y elegante.

No hay duda de que “Ahora son trece” es una obra que no busca la trascendencia, y con toda seguridad no será una referencia importante dentro de la filmografía de Soderbergh, pero es una obra amena que logra divertir y tiene la virtud de no tratar de ser mas de lo que es.

Ramiro Cardozo B.

300

2007-05-03T07:32:00.000-07:00

“300” da vida cinematográfica a un grupo de libros de historietas que Frank Miller publicó por primera vez entre los meses de mayo y octubre del año 1998. Para crear esta aventura gráfica el celebrado caricaturista se inspiró en la histórica batalla donde trescientos soldados espartanos, comandados por el poderoso Leonidas, frenaron el feroz avance de un exageradamente numeroso ejército persa que cumplía las ansias de conquista del Rey Jerjes.

El director Zack Snyder ha trasladado cuidadosamente a la pantalla el colorido y fantástico mundo plasmado en las páginas de la obra Miller. Utilizando tecnología digital, el filme nos regala un atractivo espectáculo visual cargado de energía y mucha testosterona. Es prudente recordar que esta es la versión fílmica de un cómic que utiliza un evento real para construir un mundo sobredimensionado donde reinan la ilusión y la creatividad sensorial. En ningún momento la película pretende ser precisa desde el punto de vista histórico.

Hay que reconocer que en esta obra predomina la forma sobre el fondo. Snyder crea un mundo llamativo e hipnótico que no permite apartar la mirada de la pantalla, pero el argumento no ahonda en sentimientos ni motivaciones. El heroísmo reflejado en el filme es plano y sin mayores matices emotivos. Lo que quiero decir con esto es que para poder disfrutar de esta obra hay que dejar a un lado las expectativas en lo que se refiere a sustancia o profundidad narrativa.

Los actores involucrados más que cualidades histriónicas poseen fuertes presencias que transmiten temeridad y pericia militar. Gerard Butler asume con bríos el papel del valiente Rey Leonidas, y los intérpretes encargados de dar vida a sus fieles soldados lucen feroces y decididos. La única mujer que posee un rol importante en la pieza es Lena Headey, quien encarna a la Reina Gorgo, esposa de Leonidas. La mencionada actriz transmite toneladas de sensualidad y genera equilibrio en un mundo de predominio masculino. En mi opinión un gran desacierto del filme es la escogencia del brasilero Rodrigo Santoro para encarnar al Rey Jerjes. Es de suponer que un Rey con ínfulas de dios y empeñado en conquistar el mundo debe ser carismático, amenazante, o por lo menos medianamente peligroso. Ninguna de estas características se ven reflejadas en la interpretación de Santoro. El actor luce inofensivo y ridículo. Se parece más a un inseguro aprendiz de peluquero que a un Rey sediento de victorias. Un desempeño realmente mediocre.

“300” es una obra que vale la pena ver por su espectacular propuesta visual y su vibrante energía, pero en líneas generales no termina de cuajar como un producto redondo. Un filme que se disfruta mientras no se examine demasiado.

Ramiro Cardozo B.-

El Laberinto del Fauno

2007-04-25T12:42:00.000-07:00

Al terminar la guerra civil española aún existían algunos grupos insurgentes en localidades rurales, situación que obligó al gobierno franquista a destacar personal militar para poner fin a las actividades rebeldes y así restaurar el orden político y social. En este marco histórico se desarrolla “El Laberinto del Fauno”, una extraordinaria mezcla de realidad y fantasía impregnada de una melancolía poética difícil de encontrar en el cine actual.

Una pequeña princesa que se mueve entre lo real y lo imaginario, un cruel militar capaz de las mas bajas acciones, una magnifica mujer que tiene que aparentar sumisión para ayudar a los suyos, una sufrida madre en peligro de muerte por su segundo embarazo, un medico que prefiere morir a sacrificar sus principios éticos, un extraño habitante del universo irreal al que se le denomina “fauno”, hadas que se transforman en insectos para camuflarse frente a los humanos, insurrectos que utilizan las montañas como refugio, y peligrosos seres de un mundo paralelo, forman parte de este esplendido relato escrito y dirigido impecablemente por el mexicano Guillermo Del Toro.

Del Toro maneja todos los elementos con los que cuenta con precisión y equilibrio logrando brindar una historia ingeniosa que combina sustancia narrativa con excelentes efectos visuales y una cautivante atmósfera de misterio y encantamiento. Es importante aclarar que aunque el talentoso cineasta utiliza elementos fantásticos que pueden encontrarse en cuentos infantiles (bosques mágicos, princesas, hadas, etc.) su película posee un tono muy adulto y presenta secuencias de mucha intensidad, tanto dramática como visual, que pueden resultar fuertes e incomodas para algunos espectadores.

Todos los actores involucrados brindan actuaciones memorables. La niña Ivana Baquero demuestra un gran talento al representar a Ofelia, la pequeña que se mueve entre un inclemente mundo real y otro mágico e hipnótico que no deja de ser incierto y en algunos momentos hostil. Sergi López en el papel del Capitán Vidal construye con convicción y credibilidad un villano inescrupuloso que no repara en demostrar abiertamente su sadismo y total falta de compasión. La hermosa Maribel Verdú brilla en el papel de Mercedes, una astuta campesina de buen corazón que se encuentra conectada con los insurgentes y que además asume una posición protectora hacia Ofelia. Ariadna Gil, como una sufrida mujer a punto de dar a luz, y Álex Angulo en el rol del Doctor Ferreiro, complementan con eficiencia el trabajo de sus ya mencionados compañeros de reparto.

Esta sorprendente película nos introduce en un universo extraño donde la crueldad y el autoritarismo combaten contra la inocencia y las posiciones nobles. Esta confrontación, escenificada en un punto de encuentro entre la realidad y una dimensión mágica, se encuentra confeccionada con autentica maestría cinematográfica. “El Laberinto del Fauno” es un filme triste y duro pero al mismo tiempo consigue ser hermoso e inspirador. Guillermo Del Toro y sus colaboradores han realizado una obra sencillamente inolvidable.

Ramiro Cardozo.-

Borat

2007-04-16T13:12:00.000-07:00

“Borat” es una de las películas más políticamente incorrectas que he tenido la oportunidad de ver en los últimos años. El filme está lleno de chistes escatológicos, ofensivos comentarios raciales, referencias peyorativas hacia el sexo femenino, burlas sociales, ataques satíricos contra diversas religiones, e incontables secuencias donde delicadeza, elegancia, y tacto se encuentran totalmente ausentes.

La descripción anterior pudiera interpretarse como negativa, pero la verdad es que la obra utiliza el mal gusto y los aspectos grotescos de la comedia frontal de una manera inteligente que apunta a poner al descubierto varios aspectos nada complacientes de la sociedad americana.

La trama es sencilla: Un descerebrado periodista de Kazajstán llamado Borat Sagdiyev (Sacha Baron Cohen) viaja a Estados Unidos para realizar un documental sobre la vida e idiosincrasia norteamericana y luego llevar este aprendizaje cultural a su país natal. Lo interesante de este experimento es que algunas de las personas que interactúan con el pintoresco personaje ignoran que es un actor interpretando un papel, aspecto que permite que muchas de las reacciones sean espontáneas. Esta aproximación de falso documental es manejada con astucia y genera situaciones humorísticas no ensayadas llenas de absurda naturalidad.

Sacha Baron Cohen asume su papel de alborotador con una devoción casi enferma. El comediante ingles utiliza cada uno de sus recursos para sacar de sus casillas a todas las personas que se presentan en su camino, aprovechando cualquier llaga social para meter su dedo. Si bien no todo en el filme es improvisado ya que existen cómplices y un esqueleto argumental previamente preparado, el actor maneja sus afilados instintos para manipular las reacciones de los incautos en beneficio de sus oscuras intenciones humorísticas. Un trabajo para recordar.

“Borat” no es una comedia para todos los gustos ya que su tono crudo e irritante puede resultar bastante desagradable para algunos espectadores, pero los amantes de la irreverencia y la provocación seguramente se sentirán complacidos con este alocado ejercicio de desenfado y falta de diplomacia.

Ramiro Cardozo B.-

El Último Rey de Escocia (The Last King of Scotland)

2007-03-21T11:37:00.000-07:00

“El Último Rey de Escocia” nos ubica en Uganda al inicio del régimen de Idi Amin, uno de los más crueles y sanguinarios líderes africanos del siglo XX. El filme examina la locura del extravagante mandatario a través de la relación que se establece entre él y un joven galeno escoses que llega al tercer mundo con el propósito de alejarse de la monotonía que significa el ejercicio de su profesión en su tierra natal.

Kevin Macdonald dirige con cabalidad imprimiéndole buen ritmo a su pieza e incrementado la tensión de la historia a medida que transcurren los minutos. El cineasta demuestra que se puede construir un relato desgarrador sin saturarlo con imágenes sangrientas. Es cierto que el filme contiene escenas graficas no aptas para estómagos débiles, pero Macdonald las utiliza en momentos en que resultan estrictamente necesarias para brindar una imagen clara del alcance destructivo de la torcida mente de Amin. En mi opinión, el cineasta logra mantenerse alejado de sensacionalismos innecesarios.

El buen oficio del ya mencionado director es admirablemente respaldado por la monumental labor de Forest Whitaker en rol de Amin. El actor se sumerge de lleno en su personaje y nos ofrece una interpretación compleja que combina magnetismo, peligrosidad, y enormes contradicciones emocionales. Cualquier elogio se queda corto ante la fuerza interpretativa y la absoluta entrega que Whitaker demuestra al dar vida a este siniestro jefe de estado. Un trabajo sencillamente magistral.

El joven James McAvoy se desenvuelve con aplomo en el papel del medico que se deja seducir por la enigmática personalidad de Amin, aunque hay que decir que en ciertas ocasiones sus esfuerzos se ven algo eclipsados al compartir escena con el avasallante Whitaker. La hermosa Kerry Washington demuestra versatilidad en el trágico papel de una de las esposas del dictador y el resto de los actores involucrados se mueven con eficiencia y naturalidad.

“El Ultimo Rey de Escocia” nos habla sobre las terribles consecuencias del exceso de poder utilizando una narrativa convincente y fluida que evita caer en solemnidades o sermones. Es una obra que nos muestra un pasado reciente que lamentablemente tiene espejos en la actualidad. Su buen desarrollo y la impresionante intervención de Whitaker la hacen muy recomendable.

Ramiro Cardozo B.-

Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima)

2007-02-22T13:09:00.002-08:00

Después de entregarnos “La Conquista del Honor” que narra la visión de los soldados norteamericanos sobre la terrible batalla de Iwo Jima, el veterano director Clint Eastwood se ubica nuevamente en la isla japonesa para ofrecernos las intimidades del conflicto desde el punto de vista de los combatientes nipones. El resultado es “Cartas desde Iwo Jima”, una de las mejores películas de guerra que he tenido el privilegio de ver y una cita obligada para los amantes del cine profundo y honesto.

La construcción de la obra es verdaderamente sublime. La fotografía, dirección artística, y edición, son impecables y nos brindan una estética visual difícil de olvidar. Eastwood combina de forma maestra crudeza con lirismo logrando una cadencia narrativa que envuelve al espectador desde los minutos iniciales de la pieza.

El filme brinda un retrato humano de los guerreros japoneses que murieron en esta confrontación bélica y trata de romper con esa imagen de maquinas asesinas y suicidas desprovistos de miedo que el cine occidental les ha otorgado a lo largo de los años. Es cierto que existía la figura del suicidio y que los soldados estaban adoctrinados con un fanatismo nacionalista desmedido, pero eran individuos con dudas, temores, y seres queridos a los cuales añoraban. Eastwood no ignora las características que hicieron de estos hombres unos enemigos temibles, pero también se asegura de mostrar sus aspectos terrenales y las diversas formas de reaccionar de los soldados y oficiales ante la cercanía de la muerte.

Todos los actores involucrados logran interpretaciones dignas de elogios, destacando especialmente el estupendo Ken Watanabe (El Último Samurai) en el papel del General Kuribayashi, y el joven actor Kazunari Ninomiya el papel de Saigo, un joven soldado que valora mas su vida que las nociones de heroísmo y honor que sus superiores han tratado de inculcarle.

“Las Cartas de Iwo Jima” es una obra brillante que demuestra la sabiduría creativa de ese icono del cine norteamericano llamado Clint Eastwood. Una joya, y en mi opinión la mejor película de producción estadounidense del año 2006.

Ramiro Cardozo B.-

Babel

2007-02-21T12:45:00.000-08:00

Todo lo que hacemos puede tener repercusiones que trascienden fronteras y afectan drásticamente las vidas de individuos con los cuales no tenemos ninguna relación aparente. Esta es la premisa de “Babel”, un drama multicultural que enlaza cuatro historias que ocurren en distintos puntos del globo.

El filme, dirigido por Alejandro Gonzalez Iñarritu y escrito por Guillermo Arriaga, posee la estructura no lineal que la pareja de creadores ya ha utilizado en sus colaboraciones anteriores (Amores Perros, y 21 Gramos), pero en esta ocasión el rompecabezas es mas amplio por el hecho de estar aderezado por distintas culturas que comienzan a tener puntos de encuentro a raíz de un incidente en el que una turista norteamericana es herida de gravedad en Marruecos. Este infortunio, además de afectar la vida de los directamente involucrados, comienza a determinar situaciones que ocurren en sitios tan distantes como Japón, México, y Estados Unidos.

El filme, muy alabado por gran parte de la critica especializada, demuestra la habilidad de Gonzalez Iñarritu como director. El mexicano ensambla su pieza con sobrada destreza y permite que todas las historias que suceden en distintas zonas geográficas tengan la misma importancia y se relacionen de una manera que no se siente forzada.

Las actuaciones de los famosos Brad Pitt, Cate Blanchett, y Gael García Bernal, son eficientes, pero las verdaderas dueñas de la pantalla son la japonesa Rinku Kikuchi y la mexicana Adriana Barraza quienes realizan interpretaciones sencillamente brillantes.

Todo en esta película se encuentra muy bien ejecutado, pero debo confesar que aunque tal vez sea la mejor construcción de Gonzalez Iñarritu, no sentí que tuviera el impacto y la fortaleza visceral que el director logró en “Amores Perros”. Todo se desarrolla con excelencia cinematográfica pero, a pesar de relatar situaciones extremas y muy dramáticas, la carga emotiva de filme luce contenida, y su conclusión algo fría.

“Babel” es una muy buena película que merece ser vista por más de un motivo, aunque creo que es del tipo de obra que genera admiración pero no termina de emocionar por completo. Claro, esta es solo la opinion de un humilde espectador.

Ramiro Cardozo B.-

Diamante de Sangre (Blood Diamond)

2007-02-20T12:49:00.000-08:00

“Diamante de Sangre” se ha tratado de vender como una pieza de denuncia social que deja al descubierto los canales ilegales de distribución de diamantes que son encontrados en zonas de conflictos y cuyo valor es utilizado para financiar guerras y descalabros sociales en países africanos.

Es cierto que el filme toca estos temas y nos brinda la oportunidad de acercarnos a un peligroso negocio que afecta negativamente a comunidades del tercer mundo, pero su intención no es ser una disección profunda y exhaustiva sobre el trafico de piedras preciosas y sus consecuencias socioeconómicas. La película es básicamente una historia de acción y aventura con una buena dosis de drama humano que se sensibiliza con el contexto en el cual se desarrolla.

Los principales protagonistas de la obra son el contrabandista de diamantes Danny Archer (Leonardo Di Caprio), y el humilde pescador Solomon Vandy (Djimon Hounsou), que por diversas circunstancias se unen en la búsqueda de un valioso diamante que Solomon ocultó en la selva cuando fue forzado a trabajar bajo las ordenes de fuerzas revolucionarias. Las motivaciones de ambos personajes son totalmente distintas, y esto genera un antagonismo que otorga una intensidad interesante al relato. El dúo es complementado por las intermitentes apariciones de la periodista norteamericana Maddy Brown (Jennifer Connelly) quien intenta obtener información concreta acerca de las relaciones que se establecen entre los traficantes de diamantes de las zonas de conflicto y las grandes empresas que se encargan de comercializarlos.

Edward Zwick dirige con tino, confeccionando una pieza muy atractiva visualmente que contiene la energía necesaria para mantener el interés del espectador de principio a fin. Sin embargo, hay personajes secundarios que lucen estereotipados y algunos diálogos sufren de falta de originalidad. Estas fallas restan algo de fluidez y espontaneidad a lo que transpira en pantalla, pero no son tan reiteradas como para herir de gravedad los buenos esfuerzos invertidos en el filme.

Di Caprio y Hounsou realizan un trabajo de primer nivel y la interacción de sus personajes se convierte en el corazón dramático del filme. La hermosa y siempre eficiente Jennifer Connelly complementa con solidez la labor de ambos actores.

“Diamante de Sangre” es un entretenimiento condimentado con reflexión humanitaria que termina siendo satisfactorio por el buen oficio de Zwick y las excelentes interpretaciones del dúo protagónico. No es un gran filme pero posee atributos muy bien logrados que lo hacen recomendable.

Ramiro Cardozo B.-

La Conquista del Honor (Flags of Our Fathers)

2007-02-11T12:27:00.000-08:00

“La Conquista del Honor” es un relato histórico que gira en torno a uno de los episodios más famosos y cruentos de la confrontación bélica entre EEUU y Japón durante la segunda guerra mundial: La batalla en la isla de Iwo Jima.

El filme no solo nos ilustra acerca de los horrores vividos en el campo de batalla, sino que desnuda las manipulaciones mediáticas utilizadas por el gobierno norteamericano para financiar la manufactura de material militar. La historia nos habla acerca de la creación de falsos símbolos, la mitificación del heroísmo, y la doble moral de una sociedad que veneraba a sus soldados en espectáculos públicos pero que tras bambalinas se permitía tratar a muchos de ellos con racismo e indiferencia.

El veterano Clint Eastwood dirige con sensibilidad brindándonos una obra que logra con éxito la doble tarea de ser un homenaje sincero a los hombres que lucharon en la guerra, y una dura critica a un sistema que no siempre supo otorgarles el respeto y el cuidado que merecían.

La fotografía y puesta en escena son de primer nivel, y todos los actores involucrados realizan una inspirada labor al representar a los hombres que vivieron en carne propia los acontecimientos que el filme relata. Eastwood maneja todos los elementos que componen su obra de una manera efectiva utilizando un ritmo narrativo pausado pero siempre interesante. Nada en esta película luce fuera de lugar.

“La Conquista del Honor” es un filme nostálgico y sumamente elegante que separa lo patriótico de lo patriotero, y ofrece múltiples lecturas acerca del significado de la palabra héroe. Muy recomendable.

Ramiro Cardozo B.-

Pequeña Miss Sunshine (Little Miss Sunshine)

2007-01-22T11:11:00.000-08:00

Un abuelo adicto a la heroína, un padre obsesionado con ser un ganador, una madre desgastada, un tío homosexual con tendencias suicidas, un adolescente mudo por decisión propia, y una pequeña niña con una fascinación desmedida por el mundo de los concursos de belleza, son los protagonistas de “Pequeña Miss Sunshine”, película estadounidense de producción independiente que logra combinar, de una forma admirable, comedia, drama, sátira social, y sinceras disertaciones sobre la importancia de la familia y la autenticidad individual.

Dirigido por Jonathan Dayton y Valerie Faris, el filme es una verdadera delicia. El guión, de Michael Arndt, está escrito con agudeza, profundidad, y una sencillez que no permite que lo que acontece se torne pesado, intrincado, o presuntuoso desde el punto de vista intelectual. La historia logra hacernos reír y pensar al mismo tiempo, retratando las debilidades y fortalezas de las relaciones familiares a través de elementos que pueden ser afines con las experiencias de vida de cualquier espectador. Las circunstancias específicas de los personajes que habitan el relato pueden parecer extremas y poco comunes, pero si son analizadas con cuidado resultan muy similares a las de cualquier familia que conozcamos.

Los seis actores (Alan Arkin, Greg Kinnear, Toni Collete, Steve Carell, Paul Dano, y Abigail Breslin) encargados de dar vida a los miembros de esta particular comunidad familiar realizan una labor ejemplar. Todas las interpretaciones son excelentes y se nutren unas de otras para transmitir un conjunto de emociones que emanan honestidad total. La relación que se establece entre este grupo de personas se siente tan verdadera que por momentos olvidamos que son actores interpretando un papel.

Son pocas las películas que pueden fusionar acidez, inteligencia, desenfado, amor, y ternura de forma redonda y absolutamente entretenida. “Pequeña Miss Sunshine” es este tipo de obra. Un estupendo regalo para los amantes del cine con sustancia.

Ramiro Cardozo B.-

En Busca de la Felicidad (The Pursuit of Happyness)

2007-01-19T16:40:00.000-08:00

“En Busca de la Felicidad” es una historia de supervivencia, tenacidad, y amor incondicional. El filme relata la historia de un padre (Will Smith) tratando de mantenerse unido a su pequeño hijo (Jaden Christopher Syre Smith) en medio de una terrible situación económica.

Antes de ver el filme no tenía muchas expectativas en cuanto a su calidad. Pensaba que podía tratarse de una película exageradamente melosa y llena de escenas cuyo único propósito era extraer unas cuantas lágrimas de los espectadores. Seguramente habrá lágrimas en algunas de las personas que vean el filme, pero lo que ocurre en pantalla se siente sincero y logra mantener a raya los artificios melodramáticos comunes en este tipo de relatos.

No hay nada pretencioso en el estilo narrativo utilizado por el director italiano Gabriele Muccino quien cuenta su historia con sencillez logrando que la relación padre-hijo sea el foco principal de todo lo que acontece en pantalla. El cineasta evita agregar elementos que puedan disminuir la fuerza emocional que genera la pareja protagónica permitiendo que todo se perciba de una forma directa, inmediata, y natural.

Pero, sin restarle meritos a lo expuesto en el párrafo anterior, el corazón del filme es el trabajo realizado por Will Smith. El popular actor construye un personaje creíble, de carne y hueso, que arriesga el todo por el todo por conseguir un puesto de trabajo promisorio que lo aleje de una durísima situación financiera que lo mantiene, a él y a su hijo, al borde de la miseria. La angustia que produce una situación tan apremiante es reflejada a la perfección por Smith y su energía frente a la cámara transmite con elocuencia la determinación, persistencia, y aguante de su personaje. El pequeño Jaden se mueve con soltura demostrando un talento innato para la actuación, y el hecho de ser hijo en la vida real de Smith brinda espontaneidad y fluidez a su interacción cinematográfica.

“En Busca de la Felicidad” no es imprescindible, y contiene uno que otro cliché, pero es un filme bien realizado que cuenta una historia de perseverancia y devoción familiar de una manera eficaz y sensible. El buen mensaje de la pieza, y la excelente interpretación de Will Smith merecen la recomendación.

Ramiro Cardozo.-

Casino Royale

2006-12-26T10:13:00.000-08:00

“Casino Royale” es la nueva entrega de las aventuras de uno de los personajes más famosos del cine: el temerario James Bond (Agente 007). Debo confesar que no soy un verdadero fanático de la franquicia, además de considerar que, en años recientes, los filmes que han dado vida al mítico personaje no son más que costosos montajes pirotécnicos sin mucha intensidad o imaginación.

Sin embargo, esta nueva incursión en la vida del súper agente, más que una secuela, es un intento de reconstruir y revitalizar a Bond. El filme relata los inicios del agente adaptándolos a los tiempos actuales, además de dibujarlo como un individuo mas humano, que se despeina, suda, le duelen los golpes de sus enemigos, y puede sufrir decepciones sentimentales. Se conservan algunos de los elementos básicos que siempre han acompañado al espía británico (Hermosas mujeres, autos deportivos de última generación, lujosos escenarios, villanos despiadados, y complicadas coreografías de acción) pero el tratamiento de todo lo que transpira en pantalla es más visceral y crudo que sofisticado, lo que le otorga mayor intensidad a la historia.

El mayor acierto de la película, dirigida por Martín Campbell, es la escogencia de Daniel Craig como el nuevo responsable de dar vida a 007. El actor británico hace suyo el personaje desde las primeras instancias del metraje combinando dosis equilibradas de vulnerabilidad, presencia física, e instinto asesino. Sus características histriónicas permiten que Bond luzca menos inmaculado, y mucho más peligroso e irreverente. La escena en que nuestro héroe es torturado demuestra que Craig posee mayor intensidad que Pierce Brosnan y Roger Moore trabajando en equipo. Definitivamente una labor a la altura de los mejores momentos de Sean Connery.

Eva Green, en el rol de Vesper Lynd, se mueve con solvencia derrochando belleza y sensualidad, además de crear una buena química con Craig, sobre todo en la etapa del cortejo inicial. El danés Mads Mikkelsen es eficiente en el papel de villano, pero no logra convertirse en un enemigo memorable.

No todo en “Casino Royale” transcurre sin tropiezos. En mi opinión el filme se queda sin gasolina media hora antes de terminar, lo que rompe con la dinámica establecida desde los inicios del metraje y genera un final bastante descolorido. La relación romántica entre Bond y Lynd, cuando se manifiesta abiertamente, se torna aburrida y muy acaramelada. También cabe destacar que el talentoso actor norteamericano Jeffrey Wright (Syriana), en el papel de un agente de la CIA, es criminalmente desperdiciado.

Pero con debilidades incluidas, “Casino Royale” logra, a través de un inspirado nuevo protagonista y un toque más terrenal, mejorar la franquicia convirtiéndose en un producto en líneas generales entretenido que redimensiona y fortalece la imagen del famoso espía.

Ramiro Cardozo B.-

Los Infiltrados (The Departed)

2006-11-28T06:45:00.000-08:00

Un hombre de ley (Leonardo Di Caprio) se infiltra en la mafia irlandesa de la ciudad de Boston con la intención de reunir suficiente evidencia para desmantelar las operaciones criminales lideradas por el capo Frank Costello (Jack Nicholson). Paralelamente, un subordinado de Costello (Matt Damon) se convierte en policía con el propósito de prevenir a su jefe sobre las actividades, e investigaciones, que buscan poner fin a su carrera delictiva. Este es el argumento central de “Los Infiltrados”, remake (tal vez reinterpretación sea un mejor término) que el gran Martin Scorsese hace de la dinámica película china “Asuntos Infernales” de Wai Keung Lau y Siu Fai Mak.

El argumento central de “Los Infiltrados” es fiel a su fuente original pero adquiere personalidad propia al alejarse de la elegante estética visual del filme asiático, y brindar un retrato más gráfico, y nada glamoroso, de un retorcido mundo criminal. La intención de Scorsese es recrear, sin artificios técnicos o coreográficos, la brutalidad y crudeza de un estilo de vida peligroso, y frenético, donde no existe ningún tipo de garantías. El veterano, y brillante, director maneja la historia con energía y virtuosidad creando una sensación de apremio que se mantiene constante de principio a fin.

Matt Damon realiza una correcta labor en uno de los roles protagónicos, pero su esfuerzo luce algo neutro si se compara con el desempeño de sus compañeros de reparto. Leonardo Di Caprio mezcla energía, confusión, inteligencia, y angustia de una manera inspirada, y creíble, llenando la pantalla con cada aparición en escena. Jack Nicholson utiliza una especie de exageración caricaturesca para darle vida a Costello, un personaje pervertido, implacable, y de apetitos insaciables. Este estilo sobredimensionado se adapta perfectamente a las características inherentes a su personaje y al medio ambiente en el cual se desenvuelve y domina. El trío protagónico tiene un respaldo de lujo con las excelentes intervenciones de Martin Sheen, Alec Baldwin, Ray Winstone, y un Mark Wahlberg que sorprende con una habilidad interpretativa que no había demostrado en trabajos anteriores.

En mi opinión, el único punto verdaderamente flojo del filme es el rol femenino interpretado por la atractiva Vera Farmiga. El desenvolvimiento de la actriz es decente, pero su personaje está dibujado de forma difusa, y las relaciones románticas que establece con ambos protagonistas lucen algo forzadas y con poca contundencia dramática.

Sin embargo, la falla, mencionada en el párrafo anterior, no logra eclipsar los extraordinarios aciertos de Scorsese. “Los Infiltrados” es un filme tenso y sumamente inteligente que se encuentra dirigido de forma sagaz y sencillamente maestra. Uno de los mejores relatos criminales realizados en Hollywood en los últimos años, y una nueva joya de un cineasta con un talento que se pierde de vista.

Ramiro Cardozo B.-

El Gran Truco (The Prestige)

2006-11-20T11:35:00.000-08:00

Ambientada en la Inglaterra de finales del siglo XIX, “El Gran Truco” cuenta la historia de una rivalidad profesional entre dos magos (Christian Bale y Hugh Jackman) que comienzan su carrera como compañeros de espectáculo, y después de un truco fallido, de consecuencias trágicas, se separan convirtiéndose en acérrimos enemigos.

Christopher Nolan (Memento, Batman Inicia) dirige con mano firme sumergiéndonos en una narrativa, compleja y oscura, que en algunos momentos parece algo dispersa, pero que, a medida que va consumiéndose el metraje, se compacta brindando sensaciones de tensión, misterio, e incertidumbre. La historia está llena de secretos y giros arguméntales que se encuentran manejados con inteligencia y buen oficio cinematográfico. La fotografía, vestuario, y ambientación son de una calidad incuestionable.

Nolan devela los elementos ocultos de su relato al final de la pieza, pero en su desarrollo nos da pistas que, si son tomadas en cuenta, nos permiten esclarecer algunos misterios antes de que salgan a la luz de manera definitiva. Aun así el director se las ingenia para que la atmósfera de suspenso no decaiga en ningún momento. Tal vez existan algunos elementos en el filme que al ser analizados con lupa puedan lucir algo débiles, pero en líneas generales el relato es sólido y enigmático.

Bale y Jackman, en los roles protagónicos, brindan un trabajo comprometido y muy bien ejecutado. El virtuoso Michael Caine, como un veterano especialista en la elaboración de trucos mágicos, demuestra una vez más que su talento es inagotable. La hermosísima Scarlett Johanson, en el rol de asistente e interés romántico de ambos ilusionistas, realiza una labor eficiente pero sin mucho brillo. El resto del reparto se mueve con soltura y credibilidad.

En mi opinión, lo más resaltante de la obra es que transmite, de forma clara, la vehemencia enfermiza con la que los protagonistas buscan el acto de magia perfecto, brindando un atractivo retrato de las terribles consecuencias que pueden tener los comportamientos obsesivos. “El Gran Truco” posee algunas inconsistencias, pero termina siendo un filme interesante, bien estructurado y dirigido, que nos habla sobre los oscuros impulsos del alma de una manera hábil y absorbente.

Ramiro Cardozo.-

Volver

2006-11-14T05:01:00.001-08:00

Con “Volver” el conocido realizador español Pedro Almodóvar se introduce, una vez más, en un universo profundamente femenino para contar una historia donde elementos como el asesinato, la infidelidad, el incesto, los conflictos familiares, y supuestas apariciones del mas allá, se mezclan de manera eficiente y entretenida.

El argumento central del filme no es extremadamente original e incluso posee algunos matices de telenovela puñalera. Lo interesante de la pieza no es su historia, sino la manera en que está contada. Almodóvar maneja temas escabrosos con un humor desenfadado y fresco utilizando un lenguaje visual que impresiona con su colorido y vivacidad. El director se divierte con el rumbo y el tono de la pieza, haciéndonos creer, por momentos, que estamos en presencia de un relato plagado de componentes mágicos, cuando su verdadera intención es jugar con la percepción de la realidad.

Además de la particular dirección de Almodóvar, el filme se nutre con la labor de todas las actrices involucradas. El desempeño de Penélope Cruz, en el rol de Raimunda, ha sido altamente valorado por la crítica especializada. En mi humilde opinión, la actriz está muy bien en su papel, aunque me parecen algo exageradas aquellas reseñas que califican su intervención como brillante. Las siempre eficientes Carmen Maura, y Lola Dueñas, ejecutan sus respectivos papeles (Madre, y Hermana de Raimunda) con absoluta solvencia. Pero la interpretación para recordar es la de la menos conocida Blanca Portillo, en el papel de Agustina, una provinciana, con afición a la marihuana, que busca respuestas sobre la desaparición de su madre. La mencionada actriz realiza un trabajo impecable, robándose cada escena en la que participa.

“Volver” no es la mejor obra de Almodóvar, pero esto no la previene de ser una realización interesante, simpática, y fluida que se beneficia con la dirección de un genuino artista que puede convertir lugares comunes en experiencias cautivadoras.

Ramiro Cardozo B.-

Princesas

2006-10-26T07:59:00.001-07:00

Hay ciertas obras que se quedan en la piel, las emociones, y los pensamientos del espectador por mucho tiempo después de haber concluido la proyección. “Princesas” es un ejemplo significativo de este tipo de películas.

El filme, impecablemente escrito y dirigido por el talentoso Fernando León de Aranoa (Barrio, Los Lunes al Sol), nos introduce en las vidas de dos prostitutas que ejercen su profesión en las, no siempre amables, calles de Madrid. Caye (Candela Peña) es española, y Zulema (Micaela Nevárez) dominicana e ilegal. La interacción de nuestras protagonistas comienza como una rivalidad profesional que se va transformando, de forma creíble y fluida, en una amistad que nos permite conocer sus corazas externas y su vulnerable mundo interior.

Si bien es cierto que el filme se preocupa por mostrar los aspectos del día a día de aquellas mujeres que venden su cuerpo como medio de sustento, no creo que se pueda decir que el objetivo principal de la pieza es ser un estudio sociológico del mundo de la prostitucion. Creo que la intención de Aranoa es profundizar en la humanidad de sus protagonistas, analizar sus soledades, sus represiones de emotividad, y aquellas ilusiones de vida que no pueden llegar a materializar de forma plena. El filme escudriña en las almas de estas mujeres de forma inteligente y sensible permitiendo que el espectador se vincule con su historia sin ningún tipo de reservas.

A pesar de ser un relato duro, y en líneas generales bastante triste, el argumento da cabida a situaciones divertidas que se desarrollan principalmente en una peluquería donde se reúnen varias colegas de la calle para retocar sus fachadas, y compartir sus puntos de vista acerca del cambiante mercado laboral en el cual se desempeñan. El humor de estas escenas es astutamente utilizado para revelar códigos de conducta inherentes a un estilo de vida que siempre ha sido considerado marginal, y que sin embargo ha formado parte de nuestras sociedades desde que el mundo es mundo.

El trabajo interpretativo de Candela Peña, en el rol de Caye, es sencillamente brillante. La actriz logra combinar dureza exterior, y astucia callejera, con una ingenuidad casi infantil que busca llenar vacíos emocionales y que logra conseguir refugio a través de una relación de amistad. La actriz realiza una labor tan inspirada que puede llegar a conmover a una pared. Un trabajo absolutamente memorable. La debutante Micaela Nevárez logra una sólida intervención en el papel de Zulema. Sin poseer los recursos interpretativos de Peña, la actriz logra mantenerse a la altura de su compañera utilizando un lenguaje corporal que transmite con eficiencia los estados de ánimo de su personaje. Sus miradas, lágrimas, y forma de caminar, son mucho más contundentes que sus palabras. El resto del elenco realiza una buena y uniforme labor.

“Princesas” es una obra íntima, muy humana, enriquecida con tonalidades psicológicas y sociales, que nos brinda una profundidad cinematográfica digna de admirar. Altamente recomendable.

Ramiro Cardozo B.-

El Centinela (The Sentinel)

2006-09-29T07:13:00.000-07:00

Dirigida por Clark Johnson, y protagonizada por Michael Douglas, Kiefer Sutherland, y Eva Longoria, “El Centinela” pretende ofrecernos una historia de intriga y acción que gira alrededor de un intento de acabar con la vida del presidente de los Estados Unidos. En este plan de magnicidio se encuentra involucrado un miembro del servicio secreto cuya identidad es el enigma principal de la historia.

En el curso de la investigación para descubrir a los implicados en el intento de asesinato, el veterano agente Pete Garrison (Douglas) es acusado de formar parte del complot, situación que le obliga a huir para buscar pistas que demuestren su inocencia y permitan que el presidente conserve su vida. Garrison es perseguido por el funcionario David Breckinridge (Sutherland), quien guarda un resentimiento personal hacia él, además de creer que hay suficientes evidencias como para presumir su culpabilidad. A la trama central se suman la novata agente Jill Marin (Longoria), y la Primera Dama (Kim Basinger).

La premisa anterior pudo haber generado un filme decente y entretenido, pero la pobre construcción de la pieza impide que esto suceda. La dirección de Johnson es bastante mediocre. El director no logra imprimirle tensión a su historia, lo que hace que todas las situaciones luzcan medianamente ejecutadas. La verdad es que no pude encontrar una sola escena que lograra emitir autenticidad, emoción, o misterio, elementos esenciales para que un relato de este tipo funcione.

El trabajo de los actores tampoco ayuda. Michael Douglas realiza una labor muy poco convincente en el papel del experimentado agente del servicio secreto que debe limpiar su imagen. El veterano intérprete se queda corto a la hora de transmitir el apremio que vive su personaje. Kiefer Sutherland desarrolla una versión vulgar, y carente de intensidad, de Jack Bauer, rol que el actor interpreta en la serie 24. En cuanto a Eva Longoria, parece que la única función de la actriz es lucir hermosa (cosa que no le cuesta), ya que su personaje no aporta absolutamente nada al desenvolvimiento de la historia. Kim Basinger, en el papel de la primera dama de los Estados Unidos, supera el desempeño de sus compañeros de reparto, pero no logra una intervención digna de recordar.

“El Centinela” es un filme insípido, aburrido, y mal ejecutado que, en mi opinión, no cuaja desde ningún punto de vista. Totalmente prescindible.

Ramiro Cardozo B.-

Miami Vice

2006-09-22T08:58:00.000-07:00

“Miami Vice” es un policial, inspirado en la famosa serie de los años ochenta, que nos adentra en el violento mundo del narcotráfico de alto nivel. La película no ha dado buenos resultados en la taquilla norteamericana, y aun antes de su estreno los pronósticos, en cuanto a calidad y desenvolvimiento comercial, no eran los mejores.

Pero a pesar de presentar situaciones ya contadas en otras historias criminales, y de tener algunos cabos sueltos en su argumento, el filme es rescatado por el inmenso talento del director Michael Mann, quien vuelve a demostrar sus grandes habilidades como constructor cinematográfico.

Mann utiliza un estilo visual impecable e imprime un clima de tensión que se mantiene desde el principio hasta el final de la pieza. El cineasta no satura el relato con interminables secuencias de acción, pero muy inteligentemente establece una constante atmósfera de peligrosidad e incertidumbre que no permite que el espectador pierda el interés en lo que transpira en pantalla. Hay momentos en que el director logra que la posibilidad de que algo violento ocurra contenga más adrenalina que una secuencia de acción desbordada. Un ejemplo de esto es la escena ambientada en un tugurio, en Haití, donde se lleva a cabo la negociación del transporte de un importante cargamento de droga.

Colin Farell, como Sonny Crockett, y Jamie Foxx, en el papel Rico Tubbs, lucen creíbles como policías antinarcóticos, aunque es Foxx quien se mueve con mayor solidez a lo largo del metraje. Pero la eficiencia de la pareja protagónica es superada por los actores que interpretan personajes que se encuentran en el lado prohibido de la ley. Gong Li, como astuta negociante de distribución de estupefacientes que comienza una relación comprometedora con Crockett, realiza una muy buena labor. La bella actriz china compensa sus limitaciones con el idioma ingles utilizando un lenguaje corporal que expresa con claridad las diversas emociones de su personaje. El español Luís Tosar, en el papel del magnate de la droga Arcángel de Jesús Montoya, luce amenazante y enigmático en las pocas escenas en las que participa, y el estadounidense de origen latino John Ortiz realiza una labor muy convincente como José Yero, peligroso criminal y hombre de confianza de Montoya. Los actores que representan al grupo de efectivos policiales que respaldan los movimientos de Crockett y Tubbs están correctos en su desempeño.

El guión tiene irregularidades y algunos clichés típicos del género, pero la excelente dirección de Mann eleva el material escrito y hace que “Miami Vice” sea un policial bastante decente, y entretenido, que en términos de realización cinematográfica supera con creces a la mayoría de los filmes de acción que se producen en Hollywood anualmente.

Es indudable que no estamos en presencia de una obra imprescindible, y que Mann no logra el nivel de trascendencia conseguido en obras como “The Insider” o “Heat”, pero para aquellas personas que disfrutan de historias que enfrentan al crimen organizado con representantes de la ley, “Miami Vice” es una buena alternativa.

Ramiro Cardozo B.-

La Casa de los Sustos (Monster House)

2006-08-30T09:00:00.000-07:00

La historia es sencilla: Tres niños, que comienzan a pisar la adolescencia, luchan contra los poderes de una casa embrujada para evitar que la misma haga daño a la gran cantidad de chicos que posiblemente toquen sus puertas la noche de Halloween, con la intención de pedir golosinas.

La premisa anterior podría haber producido una cinta infantil promedio, con elementos típicos del género, y una construcción, sencilla e inocente, que le permitiera ser apta para los niños más pequeños. Sin embargo el director Gil Kenan, y los guionistas Dan Harmon y Rob Schrab, decidieron tomar un rumbo diferente y mucho más interesante.

“La Casa de los Sustos” acompaña su sólida animación con un tono oscuro e irreverente lleno de diálogos aderezados con humor negro y dosis bien administradas de sarcasmo. Los elementos fantásticos están construidos, tanto desde el punto de vista visual como narrativo, de una forma muy astuta y absolutamente entretenida. Los personajes se encuentran muy bien escritos y la interacción entre los mismos luce real. Lo que quiero decir con esto es que los guionistas se preocuparon por transmitir con autenticidad la manera de relacionarse de los preadolescentes, aspecto que permite que exista una conexión inteligente entre la realidad de la pubertad y la fantasía que presenta la pieza.

La obra maneja con habilidad y equilibrio todos sus elementos brindando amenidad a jóvenes y adultos por igual, aunque hay que decir que el material no se siente muy adecuado para niños menores de ocho o diez años. Si bien la película no pretende ser totalmente trasgresora e indiferente al público mas joven, posee elementos que no son propios de historias netamente infantiles.

“La Casa de los Sustos” es un filme ingenioso y con muchísima personalidad que presenta un lenguaje fresco, sagaz, y fluido. Un filme que apunta a un espectro amplio de espectadores y que no se cohíbe a la hora de presentar situaciones de divertida oscuridad. Muy recomendable.

Ramiro Cardozo B.-

Superman Regresa (Superman Returns)

2006-08-25T09:04:00.000-07:00

Cuando se hizo pública la noticia que reseñaba que el talentoso director Bryan Singer (Sospechosos Habituales, X Men 1 y 2) se disponía a construir una nueva versión de las aventuras de Superman, las buenas expectativas y las promesas de un producto de calidad no se hicieron esperar. Los oficios creativos de Singer, y la participación de un actor de la talla de Kevin Spacey, en el papel del villano Lex Luthor, avalaban la realización de un producto entretenido y de alta factura.

Hoy, que el filme es una realidad, puedo decir que, como humilde espectador, me sentí muy decepcionado con el resultado de esta nueva incursión cinematográfica en el mundo del famoso héroe volador. Si bien existen valores técnicos muy bien logrados, creo que Singer falla, estrepitosamente, en su deseo de construir una historia amena que nos involucre con el personaje central. El Superman de esta nueva entrega es aburrido, incoloro, y carente de cualquier vestigio de intensidad.

En esta versión, el Súper Hombre, alérgico a la kriptonita, ha estado fuera de la tierra, durante cinco años, en busca de sus orígenes, y a su regreso encuentra a su gran amor, Lois Lane, con un pequeño hijo y conviviendo con otro hombre. Paralelamente a esto, Lex Luthor teje un maquiavélico plan que pretende utilizar elementos místicos (patrimonio de la avanzada civilización a la que pertenece Superman) para sembrar el terror en la población mundial y obtener altísimos dividendos personales.

La premisa anterior se prestaba para introducir aspectos psicológicos del personaje que establecieran una conexión con el público y redimensionaran su estatura de icono heroico. Pero Singer desaprovecha la oportunidad, y desestima cualquier desarrollo interesante. El mediocre guión se limita a crear personajes unidimensionales y escenas de acción que funcionan decentemente al principio del metraje, pero que a medida que avanzan los minutos, se hacen repetitivas, pesadas, e interminables. La relación romántica entre Superman y Lois Lane es manejada de una manera plana, cursi, y totalmente empalagosa. Y para hacer las cosas peores, Lex Luthor, el villano de la historia, se encuentra desarrollado de una manera tan insípida que nunca luce amenazante, carismático, o medianamente intrigante.

La responsabilidad de que el personaje de Luthor no funcione es más atribuible al guión que a los esfuerzos de Kevin Spacey, sin embargo, y sorprendentemente, el actor luce fuera de forma e incapaz de trascender a la mediocridad que lo rodea. Kate Bosworth no transmite mucho como Lois Lane, y la intervención de Brandon Routh, en el papel de Superman, para decirlo en pocas palabras, es sencillamente terrible. La única interpretación rescatable de la pieza es la de Parker Posey en el papel de Kitti Kowalski, compañera sentimental de Lex Luthor.

“Superman Regresa” es una obra llena de dinero y avanzada tecnología, pero vacía en cuanto a inteligencia, emoción, y solidez narrativa. Un lamentable vuelo de uno de los héroes más emblemáticos del mundo del comics.

Ramiro Cardozo B.-

El Matador

2006-07-25T05:37:00.001-07:00

“El Matador” es una comedia algo oscura y moralmente ambigua que nos habla sobre una peculiar relación de amistad, y colaboración, que surge entre un común hombre de negocios (Greg Kinnear), y un estrafalario asesino a sueldo (Pierce Brosnan) que se encuentra en medio de una crisis existencial.

El filme, escrito y dirigido por Richard Shepard, esta lleno de un humor mordaz e irreverente que es eficientemente combinado con una preocupación por desarrollar los conflictos internos de los personajes. Este aspecto brinda profundidad a la historia y otorga credibilidad a situaciones pudieran parecer poco probables. Shepard le imprime muy buen ritmo a su obra desarrollándola con habilidad y sin traicionar el carácter desvergonzado de su relato. Si bien es cierto que el director se preocupa por realzar la importancia de la amistad, nunca intenta introducir elementos de moralidad forzada o empalagosa.

Greg Kinnear realiza una muy buena interpretación de un hombre de negocios en proceso de reconstrucción de una vida que ha sido afectada por un infortunio familiar. El actor maneja su personaje con humor y gran humanidad. La versátil Hope Davies realiza una efectiva interpretación como la esposa del personaje de Kinnear.

Pero la verdadera sorpresa de este filme es Pierce Brosnan. Debo confesar que nunca he tenido muy buena opinión sobre el talento histriónico de este actor británico, pero en este filme el intérprete realmente se luce dando vida a un extravagante asesino que comienza a sufrir alteraciones nerviosas que afectan el desempeño de su oficio. El actor parece sentirse totalmente a gusto en la piel de este amoral, y divertido, personaje que no duda en acostarse con cualquier mujer que se le cruce en su camino, pero que, paralelamente, demuestra cierta ambigüedad (en una escena su personaje registra el bolso de una amante en busca de esmalte para pintarse las uñas de los pies). Es digno de admirar que el actor haya decidido abandonar su postura inmaculada de James Bond, para crear un personaje políticamente incorrecto que se burla del mundo y de sí mismo.

El Matador es una efectiva comedia de humor negro que nos brinda una atípica, y entretenida, relación de amistad entre dos hombres, de mundos diferentes, que de alguna manera logran ayudarse mutuamente para mejorar ciertos aspectos de sus vidas. Un filme dinámico cuyas principales virtudes son el desenfado de su historia, su correcta dirección, la agudeza de sus diálogos, y la inspirada labor de sus protagonistas.

Ramiro Cardozo B.-

Cars

2006-07-20T05:25:00.000-07:00

No es arriesgado decir que la mayoría de las mejores películas animadas de los últimos años han sido producto del brillante trabajo creativo de los estudios Pixar. Obras como Toy Story, Toy Story 2, Monsters Inc, Buscando a Nemo, y Los Increíbles, son ejemplos de una construcción técnica y narrativa sencillamente impecable.

Con “Cars” los creativos de Pixar reafirman su condición de maestros de la animación brindándonos un espectáculo visual realmente asombroso. Cada escena de la película está elaborada con minuciosos detalles que construyen un mundo habitado por automóviles que se divierten, se enamoran, y llegan a valorar la importancia de la sencillez, la amistad, y la solidaridad con sus semejantes.

El filme cuenta la historia del Trueno McQueen, un joven y egocéntrico automóvil de carreras, con posibilidades de convertirse en una mega estrella, que accidentalmente se ve obligado a permanecer, de manera temporal, en un pequeño y olvidado pueblito donde debe cumplir servicios comunitarios. En esta estadía nuestro protagonista conoce a un pintoresco grupo de autos que cambian su manera de ver al mundo que lo rodea.

El argumento de “Cars” no es extremadamente original, pero el filme cuenta su historia con eficiencia y buen ritmo logrando transmitir su edificante mensaje de forma entretenida y elocuente. Pero lo más impresionante de este filme, dirigido con buen tino por John Lasseter y Joe Ranft, es el universo animado que sirve como escenario para el desarrollo de su trama. Todas las imágenes que componen la pieza están elaboradas con una imaginación, y destreza técnica, dignas de admirar. A nivel visual la película es brillante, una verdadera fiesta para los ojos.

“Cars” combina una hermosa, y sencilla, historia con una arquitectura visual que raya en la perfección, brindándonos un sólido entretenimiento que resulta obligado para aquellos amantes de la animación de alto nivel. Muy recomendable.

Ramiro Cardozo B.-

Los Tres Entierros de Melquíades Estrada (The Three Burials of Melquíades Estrada)

2006-07-10T05:56:00.000-07:00

“Los Tres Entierros de Melquíades Estrada” es una especie de western post moderno que combina crudeza, humor negro, y cultura fronteriza para contar una historia que nos habla sobre intolerancia étnica, amistad, sentido de justicia, redención, y la necesidad de buscarle un sentido a existencias desgastadas.

El filme dirigido y protagonizado por Tommy Lee Jones comienza con una estructura no cronológica que busca desorientar un poco al espectador e imprimir algo de misterio a los sucesos que presenta. Estos sucesos involucran a un ilegal mejicano (Julio Cesar Cedillo) que pierde la vida de forma inesperada, un curtido cowboy (Jones) que pretende ser fiel a su palabra, y un policía (Barry Pepper), algo patético, que comete un error que lo llevara por caminos tortuosos que cambiaran su perspectiva de vida.

El filme está poblado por personajes y situaciones extrañas que, aunque poseen características poco convencionales, terminan construyendo un cuadro muy humano e interesante que logra enganchar al espectador, e incluso conmoverlo.

Jones realiza una digna labor como director de la pieza amparándose en el sólido guión escrito por el mejicano Guillermo Arriaga (guionista de Amores Perros, y 21 Gramos), pero es su labor como actor la que realmente sobresale. El veterano intérprete construye su personaje de una forma, introspectiva y melancólica, transmitiendo sabiduría interna combinada con una inmensa soledad. Tal vez sea el mejor trabajo frente a las cámaras que este excelente actor ha realizado en los últimos años. Barry Pepper realiza una buena interpretación como el policía, convertido en rehén, que se ve obligado a colaborar con el cumplimiento de la última voluntad del hombre a quien le quito la vida. El actor logra que la angustia, desesperación, confusión, y arrepentimiento de su personaje luzcan naturales. Julio Cesar Cedillo realiza una decente representación de un hombre sencillo y solitario que, después de perder la vida, deambula, con su amigo y su ejecutor, antes de lograr acceder a su sepulcro definitivo. El resto del elenco cumple una eficiente labor complementaria.

“Los Tres Entierros de Melquíades Estrada” es un filme pausado, bien hecho, que se introduce en el áspero mundo de la frontera norteamericana y nos brinda una historia dura y atractiva que tiene unas cuantas cosas que decir acerca de la condición humana y las repercusiones de nuestros actos. En mi opinión, un filme muy recomendable.

Ramiro Cardozo B.-

Desafiando los Límites (The World’s Fastest Indian)

2006-05-31T15:52:00.000-07:00

“Desafiando los límites” es un filme modesto (para los estándares de Hollywood) que cuenta una historia real de una forma nada inusual y algo telegrafiada, pero que termina siendo una experiencia satisfactoria por su positivo mensaje, y el extraordinario trabajo protagónico de ese monstruo de la actuación llamado Anthony Hopkins.

El filme nos permite compartir durante casi dos horas con Burt Munro (Hopkins), un pintoresco jubilado Neocelandés que, después de un inconveniente cardiaco, decide intentar materializar el sueño de llegar al circuito mas rápido del mundo y probar, al máximo, las capacidades de su motocicleta Indian Scout de 1.920, la cual ha modificado para desarrollar velocidades sorprendentes.

El director australiano Roger Donaldson nos brinda un relato inspirador que habla sobre perseverancia, motivación, y la importancia de entregarse totalmente a aquello que nos emociona y hace que la vida valga realmente la pena. Aunque su trabajo de ensamblaje no es una maravilla, el cineasta logra una pieza con alma que transmite sencillez y honestidad.

El trabajo de Hopkins es sencillamente impecable. El intérprete asume la responsabilidad de llevar la obra sobre sus hombros, y lo hace con una habilidad sorprendente. En la zona media de su metraje el filme tiene algunos problemas de ritmo, pero el talento de Hopkins se impone, de manera categórica, impidiendo que perdamos interés en la historia. El actor logra divertirnos, conmovernos, y hacernos participes del entusiasmo, la humildad, el empeño, y la firmeza que su personaje demuestra al tratar de conseguir lo que quiere.

“Desafiando los límites” no es una película para la posteridad, pero, en mi opinión, es un relato calido que nos permite compartir con un personaje poseedor de atributos que merecen ser resaltados y admirados. Y sí a esto le agregamos el soberbio trabajo de su protagonista, la recomendación se hace totalmente necesaria.

Ramiro Cardozo B.-

La Provocación (Match Point)

2006-05-08T12:12:00.000-07:00

En mi opinión, los últimos diez o doce años en la filmografía de Woody Allen han estado sumidos en la intrascendencia. Sus historias han sido repetitivas, poco sustanciosas, y muy predecibles. Parecía que el ingenio que dio vida a joyas como “Annie Hall” o “Manhattan” estaba desahuciado o simplemente muerto. Pero Allen decidió darle vacaciones a sus desgastados relatos neoyorquinos, mudando sus oficios como constructor cinematográfico a la ciudad de Londres. El resultado es “La Provocación”, una película excelsa que difícilmente puede llegar a olvidarse.

El filme cuenta la historia de un joven instructor de tenis (Jonathan Rhys Meyers) que comienza a escalar posiciones en la alta sociedad londinense al establecer una relación, que culmina en enlace matrimonial, con Chloe (Emily Mortimer), hija de un acaudalado empresario (Brian Cox). Paralelamente a su acelerado ascenso social, nuestro protagonista es hipnotizado por una hermosa norteamericana (Scarlett Johansson), novia del hermano de Chloe, con quien comienza a tener una aventura secreta.

Allen utiliza la premisa, mencionada en el párrafo anterior, para hablarnos sobre temas como la infidelidad, la ambición, la monotonía conyugal, y la fragilidad de los principios morales en situaciones que amenazan con alterar status sociales privilegiados. El cineasta construye su pieza con una habilidad asombrosa, mezclando diálogos, elocuentes y agudos, con situaciones que al principio lucen algo predecibles, pero que astutamente van cambiando de rumbo brindando un desenlace incomodo, perturbador, irónico, y sencillamente brillante.

La excelente labor de Allen, como director y guionista, es respaldada por un grupo de actores que se desempeña con absoluta solvencia. No hay una sola interpretación débil o medianamente ejecutada. Se podría decir, sin temor a exagerar, que estamos en presencia de un reparto ensamblado casi a la perfección.

Los cielos británicos han revitalizado la carrera de Woody, permitiendo que los amantes del cine podamos disfrutar de una de las mejores obras de su carrera. “La Provocación” es una película obligada para aquellos que quieran ser testigos de la visión de un maestro del cine con pleno control de sus facultades creativas.

Ramiro Cardozo B.

V de Venganza ( V for Vendetta)

2006-04-26T17:28:00.000-07:00

“V de Venganza” está basada en un comics creado por Alan Moore y David Lloyd. No conozco el material original, pero puedo decir que el filme tiene atributos visuales y de contenido que lo convierten en una opción atractiva y recomendable.

Esta historia futurista nos transporta a una Inglaterra que, en el año 2020, se encuentra regida por un gobierno que restringe la libertad de expresión utilizando tácticas represivas contra aquellos que se atreven a cuestionar su ordenamiento político y social. Dentro de esta coyuntura aparece un extraño personaje apodado “V” (Hugo Weaving) que, ataviado con capa y mascara, combate el sistema utilizando métodos que son calificados por sus enemigos como actos terroristas. En su lucha, nuestro oscuro protagonista conoce a una hermosa joven (Natalie Portman), temerosa del gobierno, con quien establece una relación, con matices románticos e ideológicos, que será determinante para el desenlace del relato.

Lo que separa a “V de Venganza” de las típicas películas de Súper Héroes, es que el filme presenta a un personaje que utiliza la venganza como un instrumento para impartir justicia, algo que puede resultar ambiguo, pero que permite que se generen disertaciones y debates interesantes.

El debutante James Mc Teigue dirige su obra con mano firme, creando un buen ritmo narrativo, y una atmósfera visual envolvente. El guión esta bien estructurado, y se pueden encontrar numerosos diálogos inteligentes y mordaces. En el lado negativo, podría alegarse que hay algunos aspectos de la historia a los que les hace falta un poco más de detalle, pero creo que esto no perjudica significativamente a la obra.

Hugo Weaving realiza una actuación que depende, casi en su totalidad, de su modulación vocal, ya que en ningún momento llegamos a ver su rostro. La norteamericana Natalie Portman lleva adelante su papel con solvencia, aunque en algunas ocasiones pareciera tener problemas para mantener constante el acento británico. Stephen Rea tiene una buena intervención en el papel de un investigador policial, a la caza de nuestro héroe, que comienza a cuestionar su fidelidad hacia sus superiores. El impecable John Hurt imprime energía, y locura, a su interpretación de un fascista jefe de gobierno.

“V de Venganza” utiliza, inteligentemente, elementos fantásticos para hablar de la hipocresía gubernamental y así lograr una analogía con realidades sociopolíticas pasadas y actuales. En mi opinión, es un filme valiente, que a pesar de algunas pequeñas debilidades, consigue ser original, entretenido, y trascendente.

Ramiro Cardozo B.

El Plan Perfecto (Inside Man)

2006-04-18T17:11:00.000-07:00

El director Spike Lee siempre ha sido un artista controversial, denso, que no otorga concesiones a la hora de retratar los distintos ángulos de los conflictos raciales que aquejan a los Estados Unidos de América. Sus obras son esperadas con ansiedad por los críticos, pero no podrían catalogarse como productos de consumo masivo.

Con su nueva película “El Plan Perfecto” el director elige mostrarse más accesible y ligero, construyendo una historia con atractivo comercial, pero sin abandonar su carácter de creador analítico y perspicaz.

El filme narra la historia del robo a un banco que genera una situación de rehenes y la consecuente negociación entre la policía y los captores. Esta premisa suena conocida y tal vez poco original, pero Lee utiliza los elementos clásicos del genero de una forma fresca y poco convencional, y los mezcla con un entorno lleno de humor satírico que refleja la diversidad cultural de la ciudad de Nueva York.

El director lograr intercalar, de manera exitosa y compacta, la tensión del argumento central con secuencias llenas de ironía y jocosidad que le brindan personalidad propia a su historia. Los personajes están construidos con solidez, y todo lo que transpira en pantalla es manejado con soltura y mucha inteligencia.

Denzel Washington derrocha carisma y energía en el papel del detective negociador demostrando una vez más su gran talento. Clive Owen se luce como el artífice de un robo pensado hasta el último detalle, construyendo su personaje con fuerza y determinación. El resto del reparto, que reúne a conocidos actores como Jodie Foster, Williem Dafoe, y Christopher Plummer, realiza una labor más que eficiente.

“El Plan Perfecto” es una obra entretenida, realizada con agudeza y fluidez, que demuestra que se puede hacer cine comercial sin sacrificar las funciones cerebrales y la integridad artística. Un muy buen trabajo de Spike Lee y sus colaboradores.

Ramiro Cardozo B.

El Jardinero Fiel (The Constant Gardener)

2006-04-12T12:35:00.000-07:00

“El Jardinero Fiel” podría definirse como una atípica mezcla de suspenso, intriga internacional, elementos románticos, y un altísimo contenido de conciencia social. El filme, basado en la novela del mismo nombre de John Le Carre, y dirigida por el brasilero Fernando Meirelles (autor de esa joya llamada “Ciudad de Dios”), es un ejemplo de cómo puede combinarse el dinamismo narrativo con una profunda reflexión, sin que la historia decaiga ni por un instante.

La película, que se desarrolla en África (específicamente en Kenya), relata la cruzada de un diplomático británico (Ralph Fiennes) por descubrir las oscuras circunstancias que rodearon el fallecimiento de su esposa (Rachel Weisz). A medida que avanza la investigación de nuestro protagonista, se comienzan a develar las inescrupulosas acciones de una poderosa compañía farmacéutica que, en complicidad con ciertos funcionarios del gobierno británico, utiliza a ciudadanos africanos como conejillos de indias para realizar ensayos sobre los efectos de medicamentos que aun no han recibido la aprobación legal para ser distribuidos.

El filme esta confeccionado como una especie de rompecabezas que va uniendo sus piezas de forma creíble e inteligente. Meirelles cuenta su historia de una forma no cronológica utilizando los saltos de tiempo con astucia y virtuosismo. Su estilo visual es ágil, y lleno de encuadres interesantes. Pero, en mi humilde opinión, lo más resaltante de la labor de este talentoso cineasta, es la sensibilidad con la que maneja las connotaciones sociales de su relato. Es cierto que la pieza tiene la estructura y el sabor de un filme de suspenso e intriga, pero Meirelles nunca deja de hacer énfasis en la triste situación que viven millones de personas en el tercer mundo, y la terrible falta de misericordia que algunas empresas internacionales (apoyados por representantes de gobiernos de países desarrollados) demuestran al tratar de sacar un beneficio económico de sus lamentables condiciones de vida.

Ralph Fiennes realiza una estupenda actuación como un funcionario gubernamental dolido por la muerte de su esposa, y confundido por las circunstancias de su desaparición. El actor transmite, a cabalidad, la angustia y fragilidad de un hombre que, por amor y principios éticos, se empeña en buscar la verdad en un mundo peligroso y complejo. La hermosa Rachel Weisz brilla en el papel de una enérgica mujer que encuentra un final trágico por ser fiel a sus ideales. Su intervención se siente honesta y llena de vitalidad. El resto del elenco realiza un eficaz trabajo, destacando el veterano Pete Postlethwaite en el papel de un medico que presta sus servicios en comunidades que viven en un contexto infrahumano.

“El Jardinero Fiel” es un filme impecablemente hecho que muestra una terrible realidad con una elocuencia difícil de olvidar. Una obra dura y triste, pero sublime en cuanto a su realización y trascendente en su temática. Un privilegio para aquellos que gusten del buen cine.

Ramiro Cardozo B.

Secreto en la Montaña (Brokeback Mountain)

2006-03-30T15:05:00.000-08:00

“Secreto en La Montaña” es esencialmente una historia de amor muy al estilo de la excelente “Los Puentes de Madison”, de Clint Eastwood. Estas obras se asemejan ya que narran una profunda pasión entre dos personas que nunca puede ser expresada de manera libre. Los protagonistas de ambas piezas se encuentran limitados por circunstancias sociales que evitan que puedan entregarse el uno al otro sin ningún tipo de preocupaciones ni reservas. La diferencia clave entre las dos películas es que “Secreto en la Montaña” se ocupa de la relación, carnal y emocional, que nace entre dos hombres.

El filme, dirigido por el talentoso Ang Lee, nos permite conocer la historia de Jack (Jake Gyllenhaal) y Ennis (Heath Ledger), dos vaqueros que se conocen al ser contratados para custodiar un rebaño de ovejas durante la temporada de invierno en los solitarios parajes de la Montaña de la Espalda Rota (Brokeback Mountain). A partir de ese momento nace un vínculo amoroso entre ambos hombres que sobrevive a las vidas familiares (y heterosexuales) que cada uno construye en distintas ciudades, y que se alimenta a través de esporádicas visitas al lugar que vio nacer su relación.

La película comienza a desarrollarse en 1.963, y recorre un espacio de tiempo cercano a los 20 años, logrando ilustrar de manera sensible la situación de dos personas que se ven imposibilitadas a ser lo que son por temor al rechazo de una sociedad prejuiciosa e intransigente. Aunque la pieza se centra en una relación homosexual, su tono es universal ya que habla de la imposibilidad de manifestar amor de una forma plena, y esto es algo que puede ser comprendido por cualquier ser humano, independientemente a sus inclinaciones sexuales.

Apoyado por una excelente fotografía, Ang Lee desarrolla su historia de manera pausada trasmitiendo de forma clara los conflictos internos de sus personajes e impregnando el relato con una atmósfera triste y poco prometedora. Aunque su narrativa tiene la virtud de ser elocuente y el conflicto que presenta es interesante, me parece que Lee comete el error de alargar demasiado su relato. Tal vez el cineasta se sintió tan a gusto con su historia que no se dio cuenta que podía llegar a ser reiterativo. Creo que una versión más económica en metraje tendría mayor contundencia dramática.

Gyllenhaal realiza una buena labor como Jack, personaje que, si bien mantiene una fachada para ser aceptado socialmente, es sincero consigo mismo en lo que respecta a su sexualidad asumiendo sus afectos de forma decidida. Pero la real estrella de esta pieza es Heath Ledger. El joven intérprete brinda una actuación conmovedora como Ennis, un hombre reprimido emocionalmente, atemorizado por su entorno, y con graves problemas para aceptarse. Tal vez Ledger sea la principal fortaleza de esta obra. Una actuación realmente memorable.

“Secreto en la Montaña” ha sido catalogada por algunos como una joya, y la verdad pienso que esa apreciación es algo exagerada. Sin embargo es un drama bien llevado, magníficamente actuado, que analiza, con solidez, la represión emocional de dos seres despojados de la posibilidad de responder de manera libre a sus sentimientos.

Ramiro Cardozo B.

Memorias de una Geisha (Memoirs of a Geisha)

2006-03-27T14:05:00.000-08:00

Dirigida por Rob Marshal (Chicago) y ambientada en la primera mitad del siglo 20, “Memorias de un Geisha” intenta introducirnos en el enigmático mundo de las Geishas, legendarias damas de compañía (no prostitutas) consideradas por la cultura japonesa como símbolos de sofisticación, elegancia, y sublimidad ancestral.

El filme se centra en la vida de Sayuri ( Ziyi Zhang), una hermosa mujer que, prácticamente sin quererlo, se convierte en una famosa Geisha que a lo largo de los años alimenta un profundo amor, aparentemente no correspondido, por un elegante aristócrata nipón (Ken Watanabe) que conoció cuando aun era un a niña.

El filme es un festín para los ojos. La fotografía, iluminación, dirección artística, y vestuario, brindan un espectáculo estético digno de admirar. Pero en lo que a la historia se refiere, en algunos pasajes me dio la impresión de que estaba presenciando una telenovela con sabor asiático sin mayor sustancia temática. La historia de amor no posee mucha fuerza, y los elementos culturales están expuestos de una forma que, a mi parecer, luce muy superficial. Aquellos que busquen una representación genuina de la milenaria cultura japonesa, se sentirán decepcionados con la visión excesivamente occidental que ofrece la pieza.

Ziyi Zhang realiza una buena labor en el papel protagónico, aunque inferior a sus participaciones en producciones como “El Tigre y el Dragón”, “Héroe”, o “La Casa de las dagas Voladoras”. Michelle Yeoh, como su mentora, mezcla dulzura, disciplina, y astucia de una manera convincente. Pero en mi opinión, es Gong Li quien se roba cada escena en la que interviene. Como Hastumomo, una indomable Geisha rival, la mencionada actriz realiza una interpretación cargada de energía y sensualidad que, por momentos, logra romper con la cadencia algo monótona del relato. Cabe destacar que muchos espectadores japoneses consideraron como una falta de respeto la elección de estas tres actrices para dar vida a Geishas, ya que ninguna de ellas es de origen Nipón (Zhang y Li son chinas, y Yeoh nació en Malasia).

“Memorias de un Geisha” es una película con unos valores de producción muy elevados que permiten que, como espectadores, no caigamos en el aburrimiento. Pero el Japón que muestran sus imágenes parece despojado de autenticidad. Creo que la experiencia de ver esta obra puede compararse con la de comer sushi bañado en salsa de tomate y acompañado por unas papas fritas.

Ramiro Cardozo.

Crash

2006-03-06T13:47:00.000-08:00

Los premios Oscar dieron ayer, en su entrega 78, una de las mayores sorpresas de los últimos años al otorgarle la estatuilla dorada correspondiente a Mejor Película a “Crash”, dirigida por Paul Haggis, y protagonizada, entre otros, por Don Cheadle, Thandie Newton, y Matt Dillon.

El filme se desarrolla en Los Ángeles, e intenta retratar las tensiones raciales, que se viven en esta ciudad, a través de un nutrido grupo de personajes pertenecientes a diversas culturas y estratos sociales. La pieza nos ofrece una dura imagen de una sociedad en decadencia, y llena de profundos resentimientos.

Comenzando por los aspectos positivos, creo que “Crash” es una obra valiente que se atreve a exponer los graves problemas raciales existentes en las grandes ciudades norteamericanas donde convergen un gran número de idiosincrasias, y posturas sociales, que no están dispuestas a aceptarse las unas a las otras. Esa voluntad de autocrítica merece respeto. Además, la obra cuenta con muy buenas actuaciones. Todo el reparto realiza una labor comprometida y verdaderamente eficiente. Hasta aquí los comentarios amables.

En mi humilde opinión, creo que la película ha sido extremadamente sobrevalorada. La construcción de las distintas historias que componen el filme me parece algo forzada. Fueron pocos los momentos en los cuales sentí que los acontecimientos se desenvolvían con naturalidad. Es innegable que hay momentos de sobrada fuerza dramática, pero los caminos que conducen a esos momentos me parecieron poco convincentes. El tono global del relato huele a sermón social poco analítico y algo prepotente. Aunque no todas las historias terminan bien, el desenlace tiene un matiz esperanzador que no se corresponde con el hervidero de rencores que el filme plasma, con tanta convicción, en los tres primeros cuartos de su metraje.

No niego que obras con el contenido social de “Crash” sean importantes e incluso necesarias, pero me parece que esta película, en particular, tiene fallas importantes a nivel de realización que no deberían ser ignoradas.

Tal vez la comunidad de Hollywood se sintió en la necesidad de resaltar un filme que toca un tema que afecta directamente a su ciudad y no permite indiferencia, pero creo que la obra de Haggis no tiene los meritos suficientes para ser catalogada como la mejor película de producción norteamericana del año 2005. En una apreciación muy personal, yo diría que no tiene los atributos para entrar en la lista de las 20 mejores de un año que estuvo lleno de producciones adultas, relevantes, y muy superiores en cuanto a calidad cinematográfica.

Ramiro Cardozo B.

Johnny y June ( Walk the Line)

2006-03-03T16:09:00.000-08:00

“Johnny y June” nos permite conocer parte de la vida del legendario músico y cantante Johnny Cash, icono de la música popular norteamericana, quien logró fusionar, de forma exitosa, los sonidos de géneros como el Country, el Folk., y el Rock n’ Roll. Su ascenso a la fama, sus particularidades como artista, los eventos que determinaron su personalidad, y los excesos que casi lo llevan a la autodestrucción, son ilustrados de forma correcta y entretenida.

Pero “Johnny y June” no es un estricto recuento de los logros artísticos de Cash. El filme es una historia de amor y amistad que trasciende los aspectos biográficos del artista, y se convierte en un relato universal sobre la importancia de tener a alguien con quien compartir los altos y bajos de la vida diaria.

La obra nos hace participes de la relación entre Cash (Joaquin Phoenix) y la cantante country June Carter (Reese Witherspoon), y los distintos episodios que los llevaron a tomar la decisión de permanecer juntos por el resto de sus vidas.

Para que una historia de amor resulte creíble y atractiva, es esencial que exista química entre la pareja protagónica, y esta es la principal fortaleza de este filme. Phoenix y Witherspoon realizan un trabajo formidable en lo que se refiere a generar una atmósfera de admiración y atracción mutua entre sus personajes. El lenguaje gestual, las miradas entre ambos, y la convicción con la que expresan sus sentimientos, transmiten autenticidad, permitiendo que los espectadores se identifiquen, sin reservas, con su historia. El trabajo de ambos intérpretes es sencillamente excelente.

El filme no carece de fallas. La actriz Ginnifer Goodwin, en el papel de la primera esposa de Cash, realiza un trabajo flojo y poco convincente. Los admiradores de Elvis Presley se sentirán bastante decepcionados al ver la pobre personificación que de él realiza Tyler Hilton. La intervención de este joven actor parece más una parodia que un intento serio de representar al denominado Rey del Rock. Afortunadamente, su participación es fugaz y de poca importancia dentro de la trama central.

El director James Mangold realiza una labor eficiente al ensamblar su pieza. Aunque su estilo narrativo es algo convencional, el cineasta logra brindarnos una historia cercana y honesta que conmueve e inspira. El realizador demuestra un profundo respeto por el camino emocional recorrido por Cash y Carter, y eso se refleja en cada una de las escenas de su obra.

“Johnny y June” no es un filme perfecto, pero es una hermosa historia que nos habla de creatividad, pasión, solidaridad, y de la enorme tranquilidad que podemos alcanzar si llegamos a encontrar a la persona adecuada. Muy recomendable.

Ramiro Cardozo B.

La Caída (Der Untergang)

2006-02-21T15:03:00.000-08:00

Se me ocurre comenzar esta reseña compartiendo algo que sucedió en la sala de cine donde tuve la oportunidad de ver “La Caída”: La asistencia fue bastante nutrida, y al culminar el filme muy pocos espectadores (por no decir ninguno) se levantaron de sus asientos de forma inmediata. El silencio era general, y se podían ver caras de asombro, tristeza, y reflexión. Poco a poco la gente fue recuperándose del estado de inmovilidad momentáneo, y el recinto comenzó a desocuparse. En otras palabras, la obra nos dejó exhaustos, mudos, y profundamente conmovidos.

Dirigida por Oliver Hirschbiegel, la pieza recrea los últimos días de la vida de Adolfo Hitler, y la desintegración definitiva del siniestro Tercer Reich. Basada en el libro “Der Untergang” (Titulo original del filme en su idioma nativo) del historiador alemán Joachim Fest y en las memorias de Traudl Junge, secretaria personal de Hitler, “La Caída” es un retrato descarnado del fin de uno de los periodos más oscuros de la historia moderna.

Las películas sobre la vida de Hitler generalmente nos muestran a este nefasto personaje histórico de una forma unidimensional, representándolo como una caricatura diabólica sin ninguna conexión con la raza humana. “La Caída” nos presenta al Hitler hombre, sin que esto signifique que exista la intención de atenuar sus rasgos sicóticos o darle un enfoque positivo a su personalidad. Al ubicarlo en el plano terrenal, la pieza acentúa los horrores de sus logros, plasmando en pantalla, con realismo y crudeza, las terribles consecuencias de un fanatismo desmedido.

Además de brindar un claro retrato de un Fuhrer en decadencia, el filme examina los distintos comportamientos de aquellas personas que estuvieron a su lado al final de su existencia. A lo largo del metraje somos testigos de traiciones, arrepentimientos, actos de heroísmo, aberradas solidaridades, negaciones de la realidad, y fanáticas decisiones, que no dan cabida a la indiferencia y nos invitan a reflexionar acerca de la ilimitada capacidad de destrucción que pueden llegar a tener los ideales guiados por el odio, el rencor, y la intolerancia.

Todos los actores involucrados, encabezados por un impresionante Bruno Ganz en el papel de Hitler, realizan un estupendo trabajo brindando presencia y personalidad definida a sus respectivas interpretaciones. El guión, impecablemente escrito, ofrece a sus numerosos personajes espacio suficiente para respirar y desarrollarse de forma creíble y completa. Tanto la fotografía como la puesta en escena son de primer nivel, y la dirección de Oliver Hirschbiegel es precisa, ágil, y en algunos momentos sencillamente implacable.

En mi opinión, “La Caída” es un filme brillante, redondo, sin huecos narrativos. Una obra dura, pero necesaria y vigente. Más que recomendable, creo que es una pieza imprescindible.

Ramiro Cardozo B.

Munich

2006-02-13T06:09:00.000-08:00

“Munich” relata la historia de un grupo de agentes judíos que se embarcan en la misión de asesinar a los responsables intelectuales del atentando terrorista ocurrido en las Olimpiadas de Munich (1.972), donde once atletas israelíes perdieron la vida en manos de radicales palestinos.

El filme contiene elementos de intriga internacional, manipulaciones políticas, y enfrentamientos violentos, que maneja con eficiencia y equilibrio. Pero “Munich” es mucho más que un correcto relato de espionaje.

La pieza retrata la problemática palestino-israelí, con agudeza y seriedad, brindándonos diversos puntos de vista sobre el conflicto, y evitando satanizar, o glorificar, a ninguna de las posturas enfrentadas. La obra, inteligentemente, decide no asumir una posición, optando por analizar perspectivas y escudriñar en las almas de los hombres seleccionados para quitarle la vida a aquellos que han sido considerados artífices de la muerte de sus compatriotas. Los conflictos morales, dudas, y torturas psicológicas, a los que son sometidos estos agentes, son plasmadas en pantalla con una lucidez sorprendente.

Todos los actores involucrados realizan muy buenos trabajos, destacando Eric Bana en el papel del líder del grupo de vengadores. El actor realiza una labor introspectiva, contenida, que nos permite ver el interior de un hombre con sentimientos encontrados, dispuesto a cumplir su misión, pero atormentado por los dilemas éticos con los cuales debe enfrentarse.

Steven Spielberg, se aleja de la ruta comercial y nos brinda una obra adulta, con múltiples lecturas, que dirige con minuciosidad y aplomo. El director demuestra a sus detractores que puede ser un creador maduro, analítico, y muy inteligente.

Muy bien escrita e impecablemente dirigida, “Munich” es un ejemplo de cine serio y reflexivo, que toca un tema delicado y vigente, utilizando un lenguaje cinematográfico digno de admirar.

Ramiro Cardozo B.

Soldado Anónimo (Jarhead)

2006-02-06T10:45:00.000-08:00

La mayoría de las películas de guerra, como es natural, nos hablan de confrontaciones armadas, sangrientos encuentros entre enemigos, y el terrible efecto que un mundo de muerte ejerce sobre las almas de los soldados.

Basada en las experiencias del marine Anthony Swofford (interpretado por Jake Gyllenhaal) en la guerra del golfo, y dirigida por Sam Mendes, “Soldado Anónimo” analiza los efectos de la guerra en la psiquis de los hombres, pero lo hace utilizando una vía poco transitada: examinando las consecuencias de la inactividad en un conflicto bélico.

El filme nos muestra como un grupo de jóvenes, entrenados duramente para convertirse en maquinas asesinas, terminan siendo victimas del hastío y la ansiedad que producen interminables días en el medio del desierto, sin ver la cara del enemigo, y sin poder disparar una sola bala. Los miedos, frustraciones, y demonios internos de estos guerreros modernos, son los principales protagonistas de este interesante relato.

Jake Gyllenhaal se luce interpretando a Swofford, narrador y personaje central de la historia. El joven actor habita su personaje con convicción e indudables capacidades dramáticas, aspectos que contribuyen a que el espectador nunca pierda el interés por su personaje. Jamie Foxx, como el Sargento Sykes, y Peter Sarsgaard, como el soldado Troy, realizan trabajos inspirados, complementando, a las mil maravillas, la labor de Gyllenhaal. El versátil Chris Cooper tiene una pequeña, pero excelente, intervención en el papel del Teniente Coronel Kazinski. El resto del reparto se mueve con total eficiencia.

Después de sólidos trabajos en “Belleza Americana” y “Camino a la Perdición”, Sam Mendes vuelve a demostrar su buen oficio tras las cámaras. El cineasta dirige su obra con energía, manteniendo una cadencia preocupada por brindar una mirada intima de sus personajes y la situación en la que se encuentran envueltos. La puesta en escena, y la fotografía son impecables, logrando transmitir la represión psicológica que produce la inclemencia del desierto, además de construir duras imágenes, con matices surrealistas, que muestran la cara de una guerra dominada por ataques aéreos.

Ruda, tragicómica, y muy humana, “Soldado Anónimo” es, en mi opinión, una pieza muy bien confeccionada que nos brinda una perspectiva diferente de la guerra, y las heridas espirituales que deja en los hombres que la viven en carne propia.

Ramiro Cardozo B.

En sus Zapatos (In Her Shoes)

2006-02-02T15:36:00.000-08:00

“En sus Zapatos” nos habla sobre el recorrido emocional que dos hermanas, Rose y Maggie Feller (Toni Collette, y Cameron Diaz), toman para encontrarse a sí mismas y lograr reconstruir su relación familiar.

Al principio, pareciera que estamos frente a una obra salpicada de humor negro que trata de brindar un retrato inteligente y agridulce sobre las relaciones entre hermanos. Pero, con el paso de los minutos, esta impresión inicial comienza a desmoronarse abruptamente para dar paso a una trama decepcionante, cursilona, y artificial.

La relación entre las protagonistas está escrita muy pobremente, lo que hace complicado que el espectador pueda involucrarse de lleno en sus desencuentros y reconciliaciones. Las transformaciones de los personajes lucen forzadas, y el desenlace es descaradamente empalagoso. La película pretende pasar de la oscuridad hacia luz más brillante, sin mostrarnos una trayectoria que resulte creíble o natural.

La siempre eficiente Toni Collete realiza una muy buena actuación en el papel Rose (La hermana responsable y emocionalmente mas retraída), y Shirley MacLaine, interpretando el papel de la abuela que reaparece después de muchos años ausencia, se roba todas las escenas en las que se ve involucrada. Ambas actrices amenazan con realizar el milagro de que el filme sea aceptable, pero el resto de los elementos que las acompañan es de tan poco nivel, que sus esfuerzos resultan infructuosos. Cameron Diaz aparece, en la mayor parte del metraje, con muy poca ropa (cosa que este humilde servidor agradece) y con muy poca capacidad para llevar a cabo su personaje de manera cabal. Al lado de sus mencionadas compañeras de reparto, la actriz luce perdida y carente de ritmo.

En lo particular, se me hizo difícil creer que este filme haya sido dirigido por el talentoso Curtis Hanson (Los Ángeles al Desnudo), un cineasta que se ha caracterizado por realizar piezas sólidas e interesantes. Como admirador de su obra, espero que esto sea solo un traspié, y no el comienzo de un serio coqueteo con la mediocridad.

Ramiro Cardozo B.

El Señor de la Guerra (Lord of War)

2006-01-19T13:53:00.000-08:00

Son incontables las películas que saturan la pantalla con armas de fuego y su consecuente efecto destructivo, pero no son muchas las que nos introducen, de manera integral, en el mundo del tráfico de armas a gran escala. El director Andrew Niccol (Gattaca) intenta brindarnos una mirada, aguda y corrosiva, de este universo en “El Señor de la Guerra”, un filme con aciertos y debilidades que, en mi opinión, termina siendo recomendable.

La obra nos permite ser testigos de aproximadamente 20 años de la vida de Yuri Orlov (Nicolas Cage), un estadounidense de origen ucraniano que, después de una crisis vocacional, descubre su instinto innato para la comercialización de armas y termina convirtiéndose en un exitoso proveedor de grandes arsenales destinados a nutrir diversas guerras a nivel global. La primordial intención de Orlov es vender, sin que priven consideraciones morales, ni análisis sobre las motivaciones de sus compradores. Esta indiferencia se ve vulnerada cuando su forma de sustentarse comienza a afectar la existencia de sus seres queridos.

El guión posee monólogos y diálogos escritos con inteligencia, ironía, y un humor algo macabro que nos entretiene e incomoda al mismo tiempo. La película es narrada por nuestro protagonista, recurso que funciona muy bien en algunas secuencias brindando profundidad y mayor entendimiento a las situaciones que transpiran en pantalla, pero que en otros pasajes puede resultar redundante entorpeciendo la fluidez narrativa.

El principal punto flojo de la pieza es que, en el último tercio de su metraje, amenaza con cambiar su tono y convertirse en un típico cuento de redención personal, con matices de sermón moralista. Afortunadamente, Niccol cierra con un final sin muchas concesiones que se apega a una realidad nada complaciente, pero realidad al fin.

Nicolas Cage realiza una sólida labor en el rol protagónico, brindándonos un personaje interesante con principios poco ortodoxos, que termina aceptando, con consecuencias trágicas incluidas, su posición en el mundo. Jared Leto realiza un buen trabajo el papel de Vitaly (Hermano de Yury), pero da la impresión que su personaje no termina de desarrollase de manera satisfactoria, aspecto atribuible a la construcción del personaje en papel y no a al desenvolvimiento del actor. El veterano Ian Holm, y el conocido Ethan Hawk tienen intervenciones cortas que llevan a cabo con solvencia, pero sin mayor brillo. La hermosísima Bridget Moynahan, como la esposa de Yuri, es la más débil del reparto. La actriz luce sosa y poco convincente.

Para concluir, pienso que, a pesar de sus lagunas, “El Señor de la Guerra” es buen esfuerzo que nos habla de un tema interesante de una forma aguda y generalmente entretenida, permitiéndonos reflexionar acerca de una problemática que contribuye a que nuestro Planeta Tierra siga su franca carrera hacia la autodestrucción.

Ramiro Cardozo B.

Millones (Millions)

2005-12-30T07:17:00.000-08:00

Es satisfactorio ver como un talentoso director, acostumbrado a temas de oscura intensidad, puede cambiar de género y tono, y hacerlo de manera efectiva. Este es el caso de Danny Boyle, que luego de realizar películas como Tumbas al ras de la tierra, Trainspotting, o 28 días después, nos regala un hermoso relato cinematográfico titulado “Millones”.

Sin revelar muchos detalles, el filme cuenta la historia de un niño llamado Damián (Alex Etel), huérfano de madre, que consigue una enorme cantidad de dinero creyendo fervientemente que el hallazgo ha sido un regalo de Dios. Su fe y candidez lo llevan a tratar de ayudar a los más necesitados creando situaciones divertidas, tiernas, y profundamente humanas.

La obra mezcla realidad y fantasía permitiendo que seamos testigos de conversaciones que Damián sostiene con diversos santos de distintas épocas de la historia. Estas charlas están escritas con inteligencia, humor, y el firme propósito de evitar solemnidad y fanatismo religioso. Boyle nos permite transitar dentro del alma creativa e inocente de este niño utilizando una fotografía ingeniosa, ágil y muy colorida.

El trabajo de todos los actores es digno de elogios, destacando, muy especialmente, la labor de Alex Etel en el papel de Damián. Cada vez que este joven actor está frente a la cámara la pantalla se ilumina. Su presencia y naturalidad hipnotizan desde el principio de la pieza y hacen al espectador cómplice de sus pensamientos y altruistas motivaciones. Una intervención para recordar.

“Millones” puede definirse como un soplo de aire fresco que generosamente nos ofrece una inyección de optimismo y buenas vibraciones. Muy recomendable.

Ramiro Cardozo B.

Virgen a los 40 (The 40 year old virgin)

2005-12-21T12:09:00.000-08:00

“Virgen a los 40” es una comedia sexual llena de situaciones que ridiculizan a sus personajes, diálogos que utilizan un vocabulario muy vulgar, comentarios raciales que pueden resultar ofensivos para algunos, y un humor carente de cualquier sutileza.

Lo interesante de este filme, aparentemente superficial e intrascendente, es que logra combinar, de forma efectiva, los elementos anteriores con un genuino candor representado a través del personaje central.

La historia es sencilla: Andy (Steve Carrell) es un hombre de cuarenta años que trabaja en una tienda de equipos electrónicos y que nunca en su vida ha tenido relaciones sexuales. Sus compañeros de trabajo, al enterarse de su virginidad, comienzan a tejer diversos planes para terminar con su abstinencia de cuatro décadas.

El filme, dirigido acertadamente por Judd Apatow, crea situaciones que a primera vista pueden resultar algo tontas, pero que en realidad buscan satirizar estereotipos y preconcepciones absurdas acerca de las relaciones de pareja. “Virgen a los 40” se burla a placer de las formulas sociales que supuestamente permiten que una persona llegue a ser atractiva o popular, y al mismo tiempo transmite un mensaje positivo acerca de la importancia de la autenticidad del individuo.

Steve Carrell lleva adelante su personaje con total solidez. El comediante, además de hacernos reír, logra transmitir la inocencia, nobleza, incertidumbre, y nerviosismo de su personaje sin que el mismo se convierta en una caricatura alejada de la realidad. Sus compañeros de reparto realizan una labor graciosa y efectiva que complementa su papel protagónico.

“Virgen a los 40” combina, de manera peculiar y exitosa, el humor rudo e irreverente con ternura e ingenuidad, brindándonos un producto fresco y divertido que, en mi opinión, se aleja de los convencionalismos presentes en la mayoría de las producciones de corte similar.

Ramiro Cardozo B.

El Exorcismo de Emily Rose (The Exorcism of Emily Rose)

2005-11-28T11:06:00.000-08:00

Aquellas personas aficionadas al terror extremo, efectos especiales, cabezas que giran a 360 grados, levitaciones, y cataratas de vomito verde brotando de una boca blasfema, se sentirán bastante decepcionadas con “El Exorcismo de Emily Rose”.

Es cierto que el filme, dirigido por Scott Derrickson, trata el tema de la posesión demoníaca, pero lo hace enfrentando razonamientos terrenales y científicos con creencias religiosas, permitiendo que el espectador asuma la posición que mas se adecue a sus criterios personales. Para los que prefieren el cine que desarrolla historias en lugar de circos visuales, esta aproximación al tema del exorcismo, puede resultar satisfactoria e incluso inteligente.

La obra nos permite ser testigos de un juicio donde se pretende demostrar la culpabilidad o inocencia de un sacerdote (Tom Wilkinson) que ha sido acusado de homicidio por negligencia en consecuencia de un exorcismo practicado a la joven Emily Rose (Jennifer Carpenter), supuestamente poseída por fuerzas del mal.

Lo ocurrido a la joven Emily Rose es contado por medio de flashbacks que van surgiendo a través de las preguntas y alegatos del abogado acusador (Campbell Scott) y la profesional del derecho que ejerce la defensa del religioso (Laura Linney). Las secuencias que reconstruyen estos sucesos demoniacos están realizadas con la intención clara de no extralimitarse con imágenes grotescas o extremadamente fantasiosas. Más que una obra de terror, yo diría que estamos en presencia de un filme de suspenso donde se enfrentan las posiciones lógicas con aquellas que dan cabida a la existencia de eventos sobrenaturales.

Las actuaciones son muy sólidas. Tom Wilkinson, Laura Linney, y Campbell Scott construyen sus respectivos personajes con indudable eficiencia imprimiendo credibilidad a sus interpretaciones. Jennifer Carpenter como la joven Emily Rose, realiza un trabajo decente, aunque su personaje no permite mayores matices interpretativos.

Algo criticable dentro de la obra es lo convencional de la puesta en escena. En mi opinión, a la pieza le falta inventiva fotográfica: una iluminación más elaborada, o movimientos de cámara más audaces. Creo que esta ausencia de personalidad en la narrativa visual termina afectando, de forma negativa, la fuerza del relato.

Pero, con fallas incluidas, “El Exorcismo de Emily Rose” termina siendo un buen esfuerzo. La película está por encima del promedio de las realizaciones que tocan el tema de hechos de posesión satánica, además de contar con un grupo de actores de primera línea, y estar alejada de sensacionalismos desproporcionados.

Ramiro Cardozo B.

Amor en Juego (Fever Pitch)

2005-11-10T13:31:00.000-08:00

“Amor en Juego” es una comedia romántica que habla sobre una incipiente relación amorosa que se ve afectada por un extremo fanatismo deportivo.

El filme, dirigido por los hermanos Farrelly (Loco por Mary), nos introduce en la vida de un empedernido, y enfermizo, aficionado de los Medias Rojas de Boston (Jimmy Fallon), que debe reordenar sus prioridades vivénciales cuando comienza a enamorarse de una exitosa ejecutiva (Drew Barrymore).

La obra pretende ser un retrato jocoso sobre comportamientos obsesivos y la manera en que el amor puede cambiar esquemas preestablecidos. Pero, en mi opinión, los Farrelly no manejan el material de manera satisfactoria. Como comedia, el filme no termina de convencer, y los elementos románticos están manejados de forma tan plana que no producen mayores emociones en el espectador.

Creo que uno de los principales defectos de la pieza es la poca química que genera la pareja protagónica. Fallon y Barrymore fallan en crear una relación creíble, apasionada, y divertida, algo esencial para que una comedia romántica funcione. Analizados individualmente, Jimmy Fallon es el que queda peor parado. El actor luce poco motivado, incluso en las escenas en las que su personaje debe demostrar su desbordado fervor por sus ídolos deportivos. Barrymore realiza una mejor labor, pero la insistencia de la actriz en crear personajes unidimensionales, y algo bobalicones, habla de su poca ambición artística y de un posible encasillamiento.

A pesar de mis comentarios poco amables, “Amor en Juego” no es terrible, pero, sin lugar a dudas, es una pieza totalmente olvidable.

Ramiro Cardozo B.

El Luchador (Cinderella Man)

2005-10-22T07:22:00.000-07:00

En la historia del cine son abundantes las películas sobre atletas poco favorecidos que, con todas las probabilidades en contra, logran alcanzar la gloria convirtiéndose en símbolos de esperanza y valentía. “El Luchador”, el nuevo filme de Ron Howard, es este tipo de relato.

La obra cuenta la historia verdadera de James J. Braddock (Russell Crowe), un talentoso boxeador con una carrera relevante que, en la época de la gran crisis económica norteamericana de los años treinta, cae en desgracia profesional y financiera llegando a vivir de forma miserable, hasta que recibe la oportunidad de subirse nuevamente al cuadrilátero de manos de su antiguo entrenador Joe Gould (Paul Giamatti).

La premisa anterior puede sonar repetida y poco interesante, pero Howard construye su filme con eficacia, sobriedad y buen ritmo, aprovechando los generosos elementos de producción con los cuales cuenta. La fotografía, la dirección artística, y el trabajo de edición son de primer nivel, y el guión, si bien no se caracteriza por su originalidad, se encuentra decentemente confeccionado.

Pero, en mi opinión, y sin menospreciar los atributos mencionados en el párrafo anterior, lo que hace que el “El Luchador” sea un filme realmente recomendable son las inspiradas interpretaciones de sus protagonistas. Russell Crowe está impecable como Braddock. El actor logra fusionar la rudeza física de un boxeador con el estoicismo, la dignidad, y el amor familiar de un hombre sencillo que aprovecha, de forma sorprendente, la oportunidad de recuperarse de una situación verdaderamente apremiante. Paul Giamiatti derrocha energía como el entusiasta entrenador que cree fervientemente en el resurgimiento del atleta al que representa. El talentoso intérprete contagia al espectador con las emociones que vive su personaje en cada uno de los retos pugilísticos de Braddock. La química entre Crowe y Giamatti es palpable, lo que permite que la relación de solidaridad, confianza, y respeto, que existe entre los personajes a los cuales dan vida, resulte creíble e incluso inspiradora. El trabajo de estos dos hombres paga, con creces, el valor de la entrada.

Renée Zellweger, en el papel de la fiel esposa de Braddock, realiza una labor digna aunque creo que su personaje se encuentra algo limitado dentro de la historia, lo que impide que la actriz logre una interpretación memorable. El resto de los actores involucrados manejan sus personajes de manera eficaz.

“El Luchador” no es una obra novedosa que busca sorprender. Es un relato clásico y esperanzador que nos habla, de forma llana y sin caer en profundidades existencialistas, sobre la fortaleza del espíritu humano y la importancia de no dejarse vencer por circunstancias adversas. Por su eficiente dirección, su edificante mensaje, y las soberbias actuaciones de Crowe y Giamatti, “El Luchador” es un filme que merece ser visto.

Ramiro Cardozo B.-

Días de Fútbol

2005-10-07T16:25:00.000-07:00

Son muchas las comedias de tono optimista que exaltan el lado dulce del mundo, permitiendo que el espectador se olvide de las situaciones ingratas de la vida diaria. “Días de Fútbol” no es este tipo de obra.

Si bien es cierto que el filme español, dirigido por David Serrano, celebra la importancia de la amistad para sobrellevar las asperezas de la cotidianidad, su humor (bastante abundante) proviene de las limitaciones, fracasos, e inseguridades de los personajes involucrados en el relato. “Días de Fútbol” fabrica risas de situaciones patéticas, se burla de la mediocridad, y retrata de forma agridulce la neurosis de la sociedad moderna.

La película nos permite compartir con un grupo de amigos, con vidas poco promisorias, que deciden formar un equipo de fútbol para aliviar de alguna manera sus frustraciones y buscar una distracción que suministre oxigeno a sus existencias. Los esfuerzos por conseguir que esta empresa tenga resultados favorables producen situaciones divertidas, satíricas, y desenfadadas que provocan más de una carcajada.

Todos los actores involucrados se mueven con soltura creando una comicidad poco sutil, pero en mi opinión, efectiva. Destacan las labores protagónicas de Alberto San Juan en el papel de Jorge, y Ernesto Alterio como Antonio. Ambos actores aprovechan sus escenas al máximo.

Algo que se podría criticar, es que el filme se excede un poco en su metraje, lo que permite que ciertas situaciones se sientan redundantes, y el ritmo de la historia se vea un poco afectado. Pero, a mi parecer, esto es un mal menor.

Sería una exageración catalogar a “Días de Fútbol” como una gran comedia, pero creo que es un sólido entretenimiento para aquellas personas que disfruten del humor ácido con toques de burla social.

Ramiro Cardozo B.

Secuestro Express

2005-09-23T16:27:00.000-07:00

“Secuestro Express” relata la historia de una pareja de novios, perteneciente a la alta sociedad caraqueña, que es secuestrada por tres maleantes que planean cobrar, de forma rápida y sin complicaciones, una considerable suma de dinero por su liberación.

El venezolano Jonathan Jakubowicz dirige la pieza con agilidad y buen ritmo. La fotografía del filme es acertada, logrando atmósferas claustrofóbicas que transmiten, de forma efectiva, la angustia y ansiedad vivida por los rehenes (destaca el buen juicio en términos de colocación de cámara, especialmente en las secuencias filmadas dentro de vehículos en movimiento).

En el campo de las actuaciones, resalta la participación de Mia Maestro en el papel de la joven secuestrada. La actriz argentina logra despojarse del característico acento de su país de origen y adopta, de manera totalmente convincente, las tonalidades y modismos lingüísticos de una joven caraqueña, demostrando un total compromiso ante las exigencias de su personaje. El resto del elenco (Pedro Pérez, Carlos Madera, Carlos Julio Molina, Jean Paul Leroux, y el reconocido Rubén Blades) se desenvuelve con solvencia.

Analizada como una historia de crimen y suspenso, se podría decir que “Secuestro Express” es un buen esfuerzo. Lo que sucede es que Jakubowicz también pretende ilustrar una dura realidad social y es aquí donde, en mi opinión, podemos encontrar debilidades.

El cineasta nos brinda una ruda y bastante pesimista visión de la ciudad de Caracas, aunque se traiciona introduciendo facilismos melodramáticos que lucen ingenuos. Creo que el guión abusa de las coincidencias y algunos personajes están escritos de forma un tanto superficial. Como habitante de la capital venezolana, no puedo negar que la decadencia moral, el auge criminal, la corrupción de los organismos de seguridad del estado, y la sensación de inseguridad urbana, que transmite el filme, son parte de una realidad, pero me parece que su postura es muy “blanco y negro”. Dependiendo de los distintos puntos de vista, la situación venezolana puede ser mejor o peor que la presentada en el filme, pero definitivamente tiene mayores matices y podía ser mejor aprovechada desde un punto de vista estrictamente cinematográfico.

Para concluir, pienso que “Secuestro Express” es una película dinámica e intensa que se ve limitada por un guión que se queda un poco corto en su intención de construir un retrato sólido, y realmente interesante, de la actual problemática social venezolana.

Ramiro Cardozo.-

Los Rompe Bodas (The Wedding Crashers)

2005-08-30T11:16:00.000-07:00

“Los Rompe Bodas” es ese tipo de película que permite que el espectador pueda apagar todas sus funciones cerebrales y aun estar intelectualmente por encima de todo lo que ocurre en pantalla. Esto no es necesariamente negativo. Soy de los que piensan que no todo es filosofía y profundidades temáticas, que el humor primario y sin disfraces de sofisticación tiene sus encantos y puede producir intensas risas e incluso muy buenas películas.

Pero en el caso de “Los Rompe Bodas” el producto final es algo irregular. La película gira en torno a un par de buenos amigos (Owen Wilson y Vince Vaughn) que tienen el hábito de asistir a celebraciones matrimoniales sin ser invitados. El propósito fundamental de esta actividad es conseguir mujeres que estén dispuestas a despojarse de sus vestidos de noche y proporcionar momentos de esparcimiento sexual sin que estén involucrados compromisos posteriores.

La obra esta llena de chistes vulgares y situaciones jocosas de contenido primordialmente sexual que, en mi opinión, funcionan (si se acepta este tipo de tendencia humorística), pero la principal inconsistencia del filme, dirigido por David Dobkin, es la de tratar de mezclar su tono irreverente con elementos de tradicional comedia romántica hollywoodense, aspecto que limita la fuerza del humor visceral y produce algunos momentos cursis que afectan el ritmo del relato.

Los dos protagonistas realizan trabajos dispares. Owen Wilson, en el papel de John, habita su personaje con poca determinación. El actor luce falto de energías en muchas escenas, lo que le resta credibilidad a su labor. Vince Vaughn, como Jeremy, es todo lo contrario. El espigado intérprete derrocha carisma y naturalidad demostrando que posee un inmenso talento para la comedia. El actor se mueve con desenfado y se roba cada una de las escenas en las que se ve involucrado. Creo que uno de los errores más notables del guión fue darle mayor importancia al personaje de Wilson y no aprovechar, de mejor forma, la simpatía y habilidad de Vaughn para conectarse con el público.

El elenco que complementa los roles protagónicos incluye a un poco aprovechado pero siempre efectivo Christopher Walken en el papel de un influyente senador, y a la hermosísima Rachel McAdams como su hija e interés romántico de uno de nuestros protagonistas.

“Los Rompe Bodas” ofrece algunas buenas risas y una excelente intervención por parte de Vince Vaughn, pero se acobarda diluyendo su desparpajo en lugares comunes, y desenlaces dulzones y poco originales.

Ramiro Cardozo B.

Ciudad del Pecado (Sin City)

2005-08-25T11:20:00.000-07:00

“Ciudad del Pecado” es la adaptación cinematográfica de un oscuro comics, del mismo nombre, creado por Frank Miller. No he tenido la oportunidad de leer la mencionada historieta, pero según los entendidos el filme es realmente fiel a su fuente original.

La película presenta tres sórdidas historias que se entrecruzan, cada una protagonizada por una especie de súper héroe decadente que busca algún tipo de redención en una ciudad llena de crimen y perversidad. Los tres relatos están poblados por seres amorales, inescrupulosos, y altamente violentos, que se ven envueltos en situaciones donde el sadismo, la exageración de la realidad, y el humor despiadado, son elementos fundamentales.

En mi humilde opinión, el filme es exageradamente gratuito en términos de violencia. Aunque algunas escenas pretenden ser suavizadas con humor crudo e irreverente, hay momentos en que todo luce extremadamente retorcido y cruel. Creo que el guión no es lo suficientemente ingenioso como para que el espectador logre zambullirse totalmente en la historia sin sentirse un poco desagradado. El director Robert Rodríguez no logra combinar la violencia con una destreza narrativa que pueda satirizarla de forma interesante o analítica, aspecto que podemos encontrar en piezas memorables como “La Pandilla Salvaje” de Sam Peckinpah, “Pulp Fiction” de Quentin Tarantino ó “El Club de la Pelea” de David Fincher.

Lo que sí hay que aplaudir, es la extraordinaria capacidad de Rodríguez, y su equipo técnico, de transferir la textura de un comics al lenguaje cinematográfico. “La Ciudad del Pecado” es sencillamente soberbia a nivel visual. El blanco y negro se utiliza como base que contrasta con impresionantes destellos de colores intensos como el rojo, el verde, y el amarillo. La escenografía, iluminación, efectos especiales, edición, y trabajo de cámara son insuperables. El cineasta de origen mejicano ha logrado crear un mundo sombrío con personalidad propia que luce peculiarmente atractivo y magnético.

El reparto es nutrido en cantidad y talento. Mickey Rourke (casi irreconocible), Bruce Willis, y Clive Owen realizan las labores protagónicas de manera correcta. Todas las actrices involucradas en el filme derrochan una enérgica y malévola sensualidad, destacando Rosario Dawson, en el papel de la letal líder de un grupo de prostitutas, y Jessica Alba, como una erótica bailarina capaz de resucitar a un cadáver con sus sugestivos movimientos corporales. El joven Elijah Wood rompe con la imagen del noble hobbit Frodo del “Señor de los Anillos” para darle vida a un siniestro caníbal postmoderno, y el siempre eficaz Benicio del Toro, en el rol de un corrupto policía, nos brinda las escenas mas grotescamente divertidas de la obra.

“Ciudad del Pecado” es una película irregularmente escrita, excesiva, y no apta para estómagos sensibles. Pero su increíble puesta en escena, su imponente riqueza visual, y el eficiente desempeño de su elenco, la hacen recomendable para aquellos que estén dispuestos a sumergirse en un universo negro e inclemente.

Ramiro Cardozo B.

El Beneficio de la Ira (The Upside of Anger)

2005-08-12T18:25:00.000-07:00

Hay títulos que, aún teniendo fallas claramente identificables, terminan por convertirse en experiencias satisfactorias. Este es el caso de “El Beneficio de la Ira” filme norteamericano de producción independiente dirigido por Mike Binder (también actor y guionista) y protagonizado por Joan Allen y Kevin Costner.

La película nos cuenta la historia de una mujer casada de clase acomodada (Allen), que es abruptamente abandonada por su marido y obligada a lidiar con la confusión y la rabia que esto implica, además de asumir, en solitario, la crianza de cuatro hijas adolescentes. Para aderezar la situación, un ex beisbolista (Costner) aficionado al alcohol y la marihuana comienza a cortejar a nuestra protagonista involucrándose en su convulsionado entorno familiar.

Al principio, las partes que conforman la obra se sienten algo desasociadas entre sí lo que dificulta un poco que el espectador pueda involucrarse de inmediato con la historia, pero las cosas comienzan a cohesionarse después de transcurrida la primera media hora de proyección. El filme contiene una buena dosis de humor sarcástico que le impide caer en el terreno del drama pesado y permite que disfrutemos de algunas situaciones escritas con agudeza y divertida irreverencia.

El trabajo de Joan Allen es excelente. La actriz transmite desesperación, impotencia, confusión, y amor familiar, con fuerza y absoluta naturalidad. En mi opinión, esta es una de las mejores actrices estadounidenses de la actualidad (y tal vez, una de las menos valoradas). Sin restarle méritos al impecable trabajo de Allen, la mayor sorpresa de esta pieza es la actuación de Kevin Costner. En los últimos años la carrera de este actor ha estado plagada de desaciertos e interpretaciones mediocres que lo llevaron a perder el status de súper estrella que obtuvo a finales de los años ochenta y principios de los noventa, pero aquí parece haber encontrado la inspiración necesaria para demostrar que tiene talento y sensibilidad para interpretar a un antihéroe que busca reencontrarse consigo mismo y darle algo de sentido a su existencia. Una interpretación que merece ser vista.

Las jóvenes actrices que interpretan a las hijas del personaje de Allen están correctas en sus respectivos papeles, pero ninguna llega a tener una intervención memorable. Binder, además de fungir como director y escritor de la película, interpreta a un productor radial que se inclina por sostener relaciones amorosas con mujeres muchos menores que él. Su labor en este papel es simpática y desenfadada, pero creo que el personaje no termina de desarrollarse de manera satisfactoria.

A pesar de sus imperfecciones “El Beneficio de la Ira” posee algunas escenas muy bien contruidas que retratan el humor irónico de la vida cotidiana, y ofrece dos estupendas actuaciones que elevan el valor del filme y lo hacen recomendable.

Ramiro Cardozo B.

Reencarnación (Birth)

2005-07-30T18:48:00.000-07:00

Antes de compartir mi opinión sobre “Reencarnación”, protagonizada por la famosa Nicole Kidman, quiero pedir disculpas si algunos de mis comentarios se sienten exageradamente vehementes o poco considerados, pero la verdad es que hay obras que se hacen tanto daño a si mismas que hacen imposible la utilización de frases amables o medianamente respetuosas.

“Reencarnación” cuenta la siguiente historia: una mujer (Kidman), diez años después de quedar viuda, decide rehacer su vida sentimental contrayendo nuevamente matrimonio con un perseverante pretendiente. En días cercanos a la boda, un niño de diez años aparece de improvisto en una reunión familiar afirmando que èl es el esposo fallecido y solicitando a nuestra protagonista que desista de sus planes nupciales.

Lo anterior pudiera haber producido un drama sobrenatural decente, o un relato paranormal inquietante y misterioso, pero el director Jonathan Glazer y los escritores Jean Claude Carriere y Milo Addica manejan el material de forma tan desastrosa que no tengo palabras para describir lo absurdo de ciertos diálogos, lo aburridas y pretenciosas que resultan ciertas tomas, y lo frió y distante que luce todo lo que ocurre en pantalla.

Todo en esta cinta huele a copia barata. En algunas escenas Glazer utiliza un estilo que trata de rememorar el trabajo de Stanley Kubrick: ausencia de diálogos, largos primeros planos, una cámara que sigue la trayectoria de movimiento de los personajes sin que se utilice mucha edición, etc. En el caso del mencionado maestro estas tendencias tenían un propósito narrativo que encajaba perfectamente dentro del contexto del relato, pero aquí son utilizadas a destiempo, sin una intención clara, lo que hace que algunos pasajes del filme sean casi insoportables.

No hay un solo personaje que se encuentre construido de forma creíble, las interpretaciones (sin ninguna excepción) son acartonadas y sin vida, los conflictos emocionales están trabajados con sorprendente ineptitud, y la resolución de la historia es más inconsistente que una gelatina sin cuajar.

“Reencarnación” debería ser exhibida en las escuelas de cine como ejemplo de todo lo que no se debe hacer a la hora de construir una pieza cinematográfica. Una de las peores películas que he visto en tiempos recientes.

Ramiro Cardozo B.

La Vida Acuática (The Life Aquatic with Steve Zissou)

2005-07-24T16:53:00.000-07:00

En películas como “Rushmore” y “The Royal Tenenbaums” el director norteamericano Wes Anderson ha demostrado una enorme capacidad creativa para contar historias de forma poco convencional y con profunda significación humana.

En “La Vida Acuática” el cineasta sigue utilizando los mismos elementos que han caracterizado a sus esfuerzos anteriores: Excéntricos personajes que buscan algún tipo de redención, vacíos emocionales que generan comportamientos absurdos, situaciones humorísticas llenas de ironía, y una extravagante estética que pareciera ser el reflejo de la vida interior de los protagonistas de la historia.

El relato gira en torno al oceanógrafo Steve Zissou (Bill Murray), personaje claramente inspirado en el desaparecido investigador francés Jacques Cousteau, quien se encuentra tras la pista de un extraño tiburón que acabó con la vida de su mejor amigo. La búsqueda de este particular escualo es utilizada como excusa para hablarnos de temas como la decadencia profesional, la crisis existencial de la edad madura, el egocentrismo desmedido, conflictos familiares, y el reencuentro con las cosas importantes de la vida.

Aunque todo lo anterior puede parecer interesante, “La Vida Acuática” no logra despegar. Creo que Anderson no consigue un justo balance entre el drama, la comedia, y su interesante propuesta estética. Si bien hay algunas escenas de ingenioso humor negro, la tendencia a satirizar situaciones se hace repetitiva haciendo que el tiempo de duración de la pieza se sienta excesivo. El ritmo narrativo es inconstante permitiendo que algunos pasajes de la historia sean sencillamente aburridos.

El filme cuenta con buenas actuaciones de reconocidos actores (Murray, Cate Blanchet, William Dafoe, Angelica Huston, Owen Wilson, etc), pero la irregularidad del guión no permite que nazca una sólida conexión entre el espectador y lo que ocurre en pantalla.

“La Vida Acuática” ofrece una puesta en escena diferente y colorida pero, en mi opinión, se queda corta en su intención de brindar una composición cinematográfica redonda y aguda. Lo mas amable que se me ocurre decir es que la película es un revés con algunos aspectos interesantes.

Ramiro Cardozo B.

Zatoichi

2005-07-15T14:57:00.000-07:00

Hasta ahora no había tenido la oportunidad de ver ningún filme del nipón Takeshi Kitano, pero sentía curiosidad por conocer su trabajo ya que muchos críticos lo consideran un creador muy particular que tiende a romper con los estilos narrativos tradicionales, siendo catalogado por algunos como un hábil coreógrafo de la violencia.

Después ver “Zatoichi” no podría estar mas de acuerdo con las consideraciones anteriores. Kitano es un director inquieto y peculiar que parece burlarse de las formulas que se repiten una y otra vez en filmes de acción y aventuras.

La película esta ambientada en el Japón del siglo XIX, y cuenta la historia de un introvertido y experto samurai ciego llamado Zatoichi (interpretado por el mismo Kitano) que termina haciendo justicia en una aldea manejada por un grupo de criminales sin escrúpulos.

Esta premisa ha sido manejada hasta el cansancio, sobre todo en el género del western, pero Kitano evita lugares comunes. El cineasta introduce elementos que pudieran parecer incompatibles con este tipo de relato logrando que la obra se sienta fresca y original. El filme mezcla drama, violencia, comedia física al mejor estilo de los tres chiflados, venganza, travestismo, y coreografías musicales, sin caer en el terreno de la inconsistencia narrativa.

Otro aspecto interesante de “Zatoichi” es que, a pesar de estar ambientada en el siglo XIX y hablar de Samuráis y códigos de honor inherentes a su estilo de vida, el filme evita revestir a sus personajes con un misticismo exagerado permitiendo que el espectador los sienta cercanos y accesibles.

En definitiva, “Zatoichi” es una película construida con divertida irreverencia por un director ingenioso al que vale la pena seguirle la pista.

Ramiro Cardozo B.

Batman Inicia (Batman Begins)

2005-06-27T18:32:00.000-07:00

Sin mayores preámbulos voy a comenzar diciendo que, en mi opinión, ¨Batman Inicia¨ es la mejor adaptación de un comic que haya sido llevada a la pantalla grande. El filme trata a su personaje central con respeto y seriedad desarrollándolo de una forma redonda y creíble permitiendo que los espectadores compartan sus miedos y entiendan los motivos que lo llevan a emprender una cruzada contra el crimen desbordado.

Los diálogos se alejan de la superficialidad y la historia nunca deja de ser más importante que los recursos técnicos que se utilizan para contarla. El talentoso realizador Christopher Nolan (Memento) maneja el relato con coherencia y elegancia demostrando que se puede contar la historia de un Superhéroe, con cerebro, sustancia, e intensidad.

La indudable habilidad de Nolan es complementada por un reparto de lujo encabezado por un inspirado Christian Bale en el papel del hombre murciélago. El actor nos hace olvidar a cualquier otro intérprete que haya pretendido dar vida a este popular y oscuro personaje. Michael Caine, Liam Neeson, Morgan Freeman, Tom Wilkinson, y Gary Oldman lucen en plena forma en sus respectivos papeles, y el menos conocido Cillian Murphy destaca como el malévolo Dr. Jonathan Crane. La actriz Katie Holmes realiza una labor algo irregular en el papel de Rachel, pero nunca hasta el punto de llegar a perjudicar la obra.

Adaptaciones anteriores, como las de Tim Burton y Joel Schumacher, palidecen al lado de este soberbio trabajo. Finalmente, Batman ha sido tratado con justicia cinematográfica.

Ramiro Cardozo B.

La Casa de las Dagas Voladoras (Shi mian mai fu)

2005-06-26T13:11:00.000-07:00

¨La Casa de las Dagas Voladoras¨ es la segunda incursión del director chino Yimou Zhang en el mundo místico de las artes marciales. La primera fue esa maravilla visual titulada ¨Heroe¨, una superproducción con una sensibilidad difícil de encontrar en las salas occidentales y una dirección artística fuera de serie.

Si bien ambas obras tienen componentes comunes (confrontaciones que parecen danzas milenarias, e ingredientes mágicos con matices espirituales), en mi opinión Zhang trata (con éxito) de no repetirse. En ¨Heroe¨ cada escena esta revestida con una grandiosidad solemne, en cambio ¨La Casa de las Dagas Voladoras¨ se siente más íntima, más llana, más accesible.

Sin dar mayores detalles, el filme, que se desarrolla en la antigua China, cuenta la historia de un amor imposible entre un oficial del gobierno y una miembro de un grupo de guerreros opositores. El talentoso director conduce el relato con sencillez y de forma muy fluida ofreciéndonos escenas de gran belleza estética.

El actor Takeshi Kaneshiro y la hermosísima Zhang Ziyi realizan un trabajo digno como los jóvenes amantes. La pareja produce una química palpable que hace creíble su mutua atracción. Andy Lao, en el papel de un fiel guerrero cuyo amor no es correspondido, realiza una correcta interpretación que complementa con eficiencia la labor de la pareja protagónica.

En conclusión, ¨La Casa de las Dagas Voladoras¨ es un filme hermoso, dirigido con destreza, que nos brinda una historia al mejor estilo de William Shakespeare, pero con genuino sabor asiático.

Ramiro Cardozo B.

Kinsey

2005-06-25T09:53:00.000-07:00

Al terminar de ver ¨Kinsey¨, la más reciente película de Bill Condon (Dioses y Monstruos), sentí que había compartido dos horas con un personaje real e interesante cuyas investigaciones científicas realizadas a mediados del siglo XX fueron trascendentales para entender las múltiples vertientes del comportamiento sexual de los seres humanos, y permitieron que se desecharan creencias mojigatas que impedían que muchas personas disfrutaran de una vida sexual plena y enriquecedora.

Sin duda Alfred Kinsey (muy bien interpretado por Liam Nelson) fue una personalidad notable. Un hombre perseverante y valiente que no se dejo amedrentar por una sociedad puritana que desaprobaba sus investigaciones y los métodos que utilizaba para llevarlas a cabo. También fue un hombre complejo que descubrió distintos matices dentro de su propia sexualidad compartiendo con su esposa y colaboradora Clara (la impecable Laura Linney) una vida matrimonial con concesiones que pueden ser consideradas como inaceptables para muchas parejas, aun en nuestros tiempos.

Pero a pesar de tener un personaje central de gran riqueza, creo que Kinsey no funciona del todo bien en cuanto a narrativa cinematográfica. La película carece de un ritmo constante y en algunos pasajes se hace un poco pesada y redundante. Hay algunos aspectos de la vida personal del investigador que se exponen pero no terminan de desarrollarse de forma integral y satisfactoria. En mi opinión, la obra no posee la fuerza suficiente para mantener totalmente involucrado al espectador de principio a fin.

Con fallas incluidas, ¨Kinsey¨ es un filme que merece ser visto, pero pienso que sus meritos tienen que ver con la relevancia del personaje central, y no con los atributos cinematográficos de la pieza.

Ramiro Cardozo B.

El Secreto de Vera Drake (Vera Drake)

2005-06-20T04:53:00.000-07:00

Se me ocurre definir “El Secreto de Vera Drake” como un drama muy bien armado que toca el tema del aborto de una forma inteligente y profundamente humana sin tratar de vender opiniones especificas.

El director Mike Leigh (Secretos y Mentiras) demuestra una vez más su talento para elaborar historias íntimas y envolventes con un tono realista que no se compromete con formulas trilladas que buscan una resolución cómoda o simplista. El cineasta cuenta la historia de una forma pausada permitiendo que conozcamos a cada uno de los personajes más allá de sus rasgos superficiales haciendo creíbles sus posiciones frente a una situación que rompe de manera ruda e improvista con la cotidianidad y la paz familiar.

A través del personaje central del relato, el filme no solo toca el delicado tema del aborto. También nos hace pensar que, en términos de justicia, no todo es blanco y negro, que hay personas que realizan actos punibles sin intereses de lucro y con la firme convicción de que están ayudando a sus semejantes. La obra parece decirnos que el bien y el mal son conceptos ambiguos, que en algunas situaciones pueden conjugarse creando dilemas complejos que siembran dudas significativas.

Además de presentar una historia interesante y muy bien concebida, la película cuenta con una de las actuaciones más conmovedoras que he visto en tiempos recientes: Imelda Staunton en el rol de Vera Drake. La actriz transmite las emociones de su personaje con una contundencia capaz de partir el corazón de cualquier espectador sensible. Un trabajo brillante. El resto del elenco complementa muy eficazmente la gran caracterización de Stauton.

“El Secreto de Vera Drake” es un filme íntimo, denso, y duro, que, en mi humilde opinión, constituye una magnifica opción para aquellos que ven al cine como una posibilidad para reflexionar acerca de las realidades de un mundo enredado, y muchas veces indescifrable.

Ramiro Cardozo B.

El Aviador (The Aviator)

2005-06-09T14:28:00.000-07:00

Antes de ver “El Aviador” había leído algunas reseñas que se empeñaban en concluir que la cinta era una obra menor de Martin Scorsese, que no tenía el toque maestro de producciones como “El Toro Salvaje”, “Buenos Muchachos”, o “Taxi Driver”. Algunos analistas criticaban al director por haber perdido su osadía cinematográfica. Tal vez este tipo de críticas y algunas opiniones adversas de amigos cinéfilos mermaron mis deseos de ver la película en una sala de cine.

Después de haber visto la obra en formato dvd hace unos pocos días, todavía me siento sorprendido por la dureza de los argumentos mencionados en el párrafo anterior. Es cierto que “El Aviador” no es la mejor película de Scorsese pero eso no la convierte en una obra menor. En mi opinión, el veterano director ha realizado un muy buen filme que demuestra una vez más, y de forma contundente, su inagotable talento.

Este sólido relato cinematográfico nos permite conocer parte de la vida del magnate norteamericano Howard Hughes, hombre complejo, visionario de la aviación, director y productor de cine, playboy legendario, celebridad en la época dorada de Hollywood, y victima de un desorden mental importante que lo llevo a la auto reclusión. La película abarca un periodo de aproximadamente 20 años en la vida de este excéntrico personaje contando diversos aspectos de su historia personal de forma fluida y amena. Scorsese recrea con mano maestra una época fastuosa y algo excesiva sin glorificarla ni censurarla, logrando combinar equilibradamente los aspectos frívolos de la vida de Hughes con su trascendente visión evolutiva dentro del mundo de la aviación, y su tortuoso mundo interior.

Leonardo Di Caprio en el rol de Hughes realiza un gran trabajo. El actor luce maduro y en control absoluto de su personaje. En mi opinión es el mejor trabajo de su carrera hasta la fecha. Cate Blanchet brilla en el papel de la extravagante y vivaz Katharine Hepburn. Los siempre eficientes Alan Alda, John C. Reilly, Alec Baldwin, e Ian Holm realizan sólidos papeles complementarios. El único trabajo interpretativo que desentona de forma notable es el de Kate Beckinsale en el rol de Ava Gardner. En mi opinión la hermosa actriz se siente algo fingida y en algunas escenas parece más una caricatura que un personaje real (afortunadamente su papel no ocupa mucho tiempo en pantalla).

Excluyendo la errática interpretación de Beckinsale “El Aviador” es una obra redonda, dirigida con elegancia y esmero que, si bien no rompe paradigmas ni revoluciona el género de la épica biográfica, constituye un ejemplo de buen cine y merece ser destacada positivamente dentro de la filmografía del gran Martin Scorsese.

Ramiro Cardozo B.

Masacre en la Cárcel 13 (Assault on Precinct 13)

2005-06-06T15:46:00.000-07:00

“Masacre en la Cárcel 13” es un remake de un filme del mismo nombre dirigido por John Carpenter en 1976. No puedo emitir comentarios comparativos entre ambas producciones ya que no he tenido la oportunidad de ver la original, aunque tengo entendido que es titulo con pocos recursos, artísticos y técnicos, que ha sido catalogado por muchos amantes del B-Movie (o películas de serie B) como un filme de culto.

La nueva entrega, dirigida por el francés Jean-Francois Richet y protagonizada por los reconocidos Ethan Hawke, Laurence Fishburne, y Gabriel Byrne tiene un comienzo promisorio que hace pensar que estamos frente a un filme de acción que se preocupa por desarrollar personajes y situaciones mas allá de las agotadas formulas hollywoodenses.

Desafortunadamente la promesa dura solo unos 30 o 35 minutos para dar paso a una serie de secuencias de acción, coreografiadas con mal gusto y muy poca imaginación, que destruyen la tensión y los buenos oficios iniciales.

Sin dar muchos detalles de la historia, la premisa central es la de presentar a un grupo de personas de lados opuestos de la ley que deben unirse para combatir a un gran numero de policías corruptos que desean terminar con sus vidas. Esta cooperación obligada entre criminales y representantes de la ley para tratar de sobrevivir en condiciones adversas podía haber sido aprovechada de forma interesante e inteligente, pero Richet se conforma con presentar ruidosas acrobacias pirotécnicas que no llegan a ser ni medianamente atractivas a nivel visual.

Ethan Hawke y Laurence Fishburne están correctos en sus respectivos roles, pero sus esfuerzos se ven desperdiciados por un guión pobremente escrito. Gabriel Byrne realiza un trabajo sencillamente terrible en el papel del villano de la historia. El actor parece estar aburrido con su personaje. Un lamentable tropiezo de un competente interprete que ha demostrado su talento en filmes como “Sospechosos Habituales” y “Miller’s Crossing”.

“Masacre en la Cárcel 13” puede funcionar para adictos a la acción descerebrada, pero creo que aquellos que busquen un equilibrio entre balas y entretenimiento inteligente se sentirán decepcionados.

Ramiro Cardozo B.

Cruzada (Kingdom of Heaven)

2005-05-09T12:40:00.000-07:00

Antes de comenzar a hablar sobre “Cruzada”, debo confesar que soy gran admirador de Ridley Scott. Considero que es uno de los directores mas capaces del cine actual. Los Duelistas, Alien, y en especial Blade Runner son joyas que merecen ser citadas como ejemplos de un cine inteligente, artístico, ingenioso, y de alta confección. Thelma y Louise, aunque un poco sobrevalorada, fue un sólido esfuerzo que evidencio la versatilidad del cineasta reimpulsando su carrera después de algunos reveses (Someone to watch over me, Black Rain). Gladiador, y La Caída del Halcón Negro, sin ser obras de arte, demostraron el inmenso talento de Scott para coreografiar episodios bélicos con realismo e intensidad sorprendentes.

Por todo lo anterior, mis expectativas en cuanto “Cruzada” eran bastante altas. Lamentablemente las mismas no fueron cubiertas. La calidad fílmica de la pieza es indudable (la puesta en escena y la fotografía son impecables), pero hay demasiadas inconsistencias en cuanto a narrativa. Uno de los problemas fundamentales es el pobre desarrollo del personaje central, Balian (Orlando Bloom), un herrero caído en desgracia que termina convirtiéndose en el líder de la defensa de la ciudad de Jerusalén contra los ataques musulmanes en la época de las Cruzadas. El desarrollo de la historia no nos muestra, de manera creíble o coherente, la transición que convierte a un humilde herrador en un sabio estratega militar y poderoso guerrero. Da la impresión que algunos pasajes de la historia quedaron en el cuarto de edición.

Otro factor que desluce es la poco inspirada actuación de Orlando Bloom. En mi opinión Bloom es un actor limitado que no posee el carisma y la intensidad suficientes para transmitir la nobleza y el heroísmo de su personaje. El actor se ve particularmente deficiente en las escenas en que Balian se dirige a sus hombres antes del ataque de los musulmanes a Jerusalén, y en aquellas en las que comparte pantalla con consumados actores como Liam Nelson, Jeremy Irons, y Edward Norton (que aun detrás de una mascara, demuestra su gran talento). Sin que su interpretación sea tan vergonzosa como la que ofreció en “Troya”, la misma deja mucho que desear y le resta relevancia al relato cinematográfico.

Algo que me pareció extraño, viniendo de una película de Ridley Scott, fue la falta de energía que se siente en las escenas de confrontación armada. El director parece haber olvidado en casa el vigor y las vísceras que les imprimió a las ya mencionadas “Gladiador” y “La Caída del Halcón Negro”.

Un aspecto que vale la pena mencionar de forma positiva es la imagen aguerrida y noble que se les da a los líderes musulmanes. Los mismos son presentados de una manera sumamente respetuosa evitando imágenes estereotipadas. En una época en que muchos habitantes del mundo occidental tienen la idea equivocada de que el islamismo es sinónimo de terrorismo, me parece importante destacar aquellas producciones que evitan respaldar esta noción.

Pero, a pesar de lo anterior, “Cruzada” luce confusa, cruda, e inacabada. Un traspié de un gran director, y una experiencia algo decepcionante para sus seguidores.

Ramiro Cardozo B.